7 работ Фриды Кало и Диего Риверы
Фрида Кало — одна из самых знаменитых художниц в мире, ее работы висят в залах Нью-Йоркского музея современного искусства, в парижском Лувре, «Голубом доме» в Мексике. На своих картинах Фрида Кало изображала, как правило, себя, она говорила: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего». Портал «Культура.РФ» рассказывает о значимых работах мексиканской художницы и ее мужа Диего Риверы.
«Авария» (1926)
17 сентября 1925 года Фрида Кало попала в автокатастрофу, где получила тройной перелом позвоночника. Тяжелейшие ранения и травмы на целый год приковали ее к постели, с последствиями аварии она сталкивалась потом всю жизнь.
Ровно через год художница написала связанную с трагедией работу «Авария» — ретабло, традиционную для мексиканской живописи картинку. Такие рисунки создавали в благодарность святым-заступникам за спасение.
К 1940-м годам у Кало была уже большая коллекция ретабло. Тогда же она нашла готовую печатную картинку, сюжет которой был очень похож на ее собственную историю: на ней изображен врезавшийся в трамвай автобус и девушка, лежащая на земле. Художница придала пострадавшей собственные черты: прорисовала брови и, как полагалось в ретабло, написала благодарность Богоматери от имени своих родителей за спасение дочери. Сегодня дорисованное ретабло находится в Синем доме — Доме-музее Фриды Кало в Мехико.
«Больница Генри Форда» (1932)
Большая часть произведений Фриды Кало — ее реакция на трагические события в жизни. В 1929 году она вышла замуж за Диего Риверу, у них были сложные, страстные отношения. Художница говорила: «В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего». Из-за автокатастрофы Фрида Кало не могла выносить ребенка. 4 июля 1932 года у нее случился второй выкидыш. Этому событию она посвятила картину «Больница Генри Форда». Кало стала первой художницей в истории, обратившейся к теме потери ребенка.
По своему типу произведение тоже относится к ретабло. Однако здесь Фрида исключила самое главное — фигуру святого. Она изобразила себя соединенной красными нитями-пуповинами с разными предметами. По словам художницы, плод символизировал потерянного ребенка; орхидея — женскую сексуальность; улитка — мучительно тянущееся в больнице время; анатомический муляж женского тела — «попытку объяснить устройство женщины»; металлическое устройство — «механическую часть любого дела», в частности медицинских процедур; а поврежденная в аварии тазовая кость — причину, по которой Фрида не могла иметь детей.
«Раненый стол» и мексиканская графика (1940)
Двойной автопортрет «Раненый стол» Кало написала в 1940 году — на пике своей карьеры. Здесь художница изобразила себя в платье теуаны — традиционном мексиканском женском наряде региона Теуантепек, а также в виде стола на человеческих ногах с кровоточащими ранами. Рядом со столом — дети ее сестры Кристины: Изольда и Антонио, и питомец Фриды — олененок Гранизо. За столом сидит Иуда — традиционная фигура из папье-маше для шествий Страстной недели, безрукая Фрида, а справа от нее — глиняная статуэтка в стиле Наярит и карнавальная фигура Смерти из проволоки и гипса. В картине полностью отражен художественный метод Фриды — смешение мифов, отсылки к фрейдизму, к современной литературе и личной символике.
Это полотно Фрида Кало подарила Советскому Союзу. В 1947 году большая посылка с «Раненым столом» и работами других художников прибыла в Москву. Однако картины мексиканцев не оценили: их признали «образцами формалистического разлагающегося буржуазного искусства».
В 1955 году «Раненый стол» отправили на выставку в Варшаву. Обратно в Москву полотно не попало, следы картины исчезли, до сих пор она считается пропавшей. В том же году графические произведения из мексиканского дара попали в ГМИИ имени Пушкина. Спустя 70 лет на выставке «Фрида Кало и Диего Ривера. Viva la vida» их впервые показывают публике. «Раненый стол» можно увидеть только на фотографиях.
«Сломанная колонна» (1944)
Одна из самых известных работ Фриды Кало — «Сломанная колонна» — относится к циклу автопортретов. Произведение называют манифестом страданий и стойкости перед ударами судьбы Фриды, художественным символом женской силы.
Читайте также:
В тяжелой аварии 1925 года она получила тройной перелом позвоночника и после многочисленных операций долгое время носила ортопедический корсет. На полотне на месте сломанного позвоночника Кало изобразила разрушенную колонну и обручи металлического корсета, которые стягивали ее тело. Гвозди, воткнутые в тело, — символ физических и душевных страданий. Как и во многих других работах 1940-х годов, чтобы показать растущую тревогу и физическое недомогание, Фрида использовала камни и расщелины пустынного вулканического пейзажа. Для фона художница взяла вид Педрегальского плоскогорья — места, где в начале 1940-х годов Диего Ривера строил музей для своей коллекции доколумбовой скульптуры.
«Автопортрет с обезьянкой» (1945)
В картине «Автопортрет с обезьянкой» сразу соединены несколько часто повторяющихся мотивов из произведений Фриды: гвоздь, обезьянка, скульптура доколумбовой эпохи и собака породы шолоитцкуинтли. Гвоздь, вбитый в стену, — как и в «Сломанной колонне» — отсылает к мексиканскому выражению «быть пригвожденным», то есть обманутым.
В западноевропейской традиции обезьянка символизирует сладострастие, а в произведениях Фриды — это всегда беззаветно преданный друг, который заменил ей нерожденного ребенка. В Синем доме у Фриды Кало и Диего Риверы было много питомцев: обезьяны, попугаи и мексиканские собаки шолоитцкуинтли. Последние в мифологии ацтеков считались священными животными, земным воплощением бога грозы и смерти Шолотля. На автопортрете собака и доколумбова скульптура из коллекции Риверы напоминают о древней культуре Мексики, которая была важной частью личной истории Фриды Кало.
«Славная победа» (1954)
Впервые на выставке представят масштабную картину Диего Риверы «Славная победа». До этого грандиозное полотно размером 2,6 на 4,5 метра находилось в запасниках ГМИИ имени А.С. Пушкина.
Большеформатный холст «Славная победа» — политический памфлет, который обличал вторжение американских войск в Гватемалу в 1954 году. Это единственная живописная работа, которую Ривера подарил Советскому Союзу. Перед тем как попасть в СССР, картина побывала в Европе, а в 1955–1956 годах ее представили на выставке в Китае, организованной мексиканским Национальным фронтом представителей пластического искусства. В 1956 году полотно стало собственностью Союза художников СССР, а в 1958 году его передали в ГМИИ имени Пушкина.
Исторически сложилось, что Риверу в России знают лучше, чем Фриду. В советские годы сквозь призму соцреализма Диего Ривера воспринимался как идеологически близкий художник международного масштаба; его супруга Фрида Кало — как безграмотный, да еще и попавший под пагубное влияние сюрреализма, дилетант. Сегодня, вне зависимости от личных пристрастий в искусстве, мы не можем не ощущать, как изменилось восприятие этих двух ярких мастеров! Кажется, что Ривера как художник полностью принадлежит XX веку, искусство которого нельзя полноценно представить без его эпической живописи. Напротив, невероятно личностное искусство Фриды Кало словно не имеет прописки во времени и пространстве и принадлежит всему человечеству в его настоящем и будущем.
Владимир Воронченко, председатель правления культурно-исторического фонда «Связь времен», директор Музея Фаберже
Портрет Фриды Кало (1955)
Фрида Кало умерла в 1954 году в возрасте 47 лет. «13 июля 1954 года стало самым трагическим днем моей жизни. Я потерял свою возлюбленную Фриду навсегда. Слишком поздно я понял, что самой удивительной частью моей жизни была моя любовь к Фриде», — писал Диего Ривера.
На первую годовщину смерти жены Ривера изобразил ее в небольшой литографии. В этой работе он соединил свои воспоминания о Фриде с мотивами ее искусства. Диего придал портрету форму сердца, из сосудов которого фонтанирует кровь, как в изображениях древних мексиканских кодексов. К литографии он оставил трогательную подпись: «Сегодня прошел год / Свету моих очей / Моей маленькой Фридите, 13 июля 1955 года, Диего».
Фотографии предоставлены сотрудниками Музея Фаберже.
Смотрите также
