Лекция «Комедии-балеты и комедии дель Арте»

В эпоху Возрождения появляется новый жанр в хореографическом искусстве — комедия-балет. Основатель этого жанра — великий французский драматург, актер и режиссер Жан Батист Мольер (Поклеен) (1622-1673). Он хотел соединить комедию и балет в одно целое, соединить их сюжетно. Эта идея открывала балету путь к драматизации танца. В спектаклях «Докучные», «Мещанин во дворянстве», «Мнимый больной», «Господин де Пурсоньяк» Мольер выступал и как актер, и как танцовщик. Он внес в жанр комедии — балета глубокую содержательность. Обновил старые парадно-пасторальные сценические формы. Соавторами в этом отношении стали Мольер и известный композитор того времени Люлли. Совместно они создали «Брак поневоле», «Господин де Пурсоньяк», «Графиня де Скоробоньяк», «Мещанин во дворянсвте» и многие другие. Они умели наполнить безобидно развлекательную форму острым социальным смыслом. Оба внесли в совместную режиссуру навыки площадного театра и положили начало новому музыкальному жанру — комической опере.
Танцы для комедий-балетов Мольера, опер-балетов, дивертисментов ставил Пьер Бошан (1636-1705) — французский мастер танца, продолжатель дела Туано Арбо. Он прославился системой описания танцев и отдельных движений, используя для этого знаки. Известно, что с XV века существовали «буквенные» обозначения танцевальных движений, но эта система не была совершенной. Благодаря Бошану был найден новый, более перспективный прием записи танцев, и этот прием по представлениям многих исследователей классического танца, лег в основу эры современного балета. В 1672 году Пьер Бошан получает звание «мэтр балета» при Королевской академии музыки, в которой проработал 21 год. Считалось, что он прославился тем, что умел аккомпанировать танцы, расчленять танцевальные движения и складывать их в стройную систему.
С 1673 года Бошан прославился еще и тем, что стал хореографом в операх Люлли на сцене Королевской академии музыки и покинул театр в 1687 году, сразу после смерти своего знаменитого товарища и коллеги.
Значительны его заслуги и в методике академического танца, им открыты пять позиций ног. Так же им были разработаны пять позиций и для рук. Танец только от этого выиграл, он стал более сдержанным в амплитуде движений рук и ног танцора. Это стало характерной чертой французского классического танца XVII века, и вообще все искусство при Людовике XIV находилось в подчинении твердых и ограниченных правил. Современники Пьера Бошана считают, что его танцы отличались изысканными манерами и были крайне просты, но вместе с тем требовали больших мышечных усилий. Простота танцев Бошана проявлялась в их прямолинейном построении. Он редко вводил ходы по дугам и кругу, в основном исполнители всегда выходили из середины и проходили по прямой линии до авансцены. В его балета присутствовали изобретательность и артистичность танцующих, фигурность (пусть элементарная, но начало положено) и планомерность (представления происходили в центре зала, а зритель располагался вокруг).
В XVI-XVII веках получил распространение особый жанр театральных представлений — комедия дель арте, или комедия масок, сочетавший в себе черты веселого карнавала, народного фарса и «ученой комедии», сыгранной на буффонный лад. Принято считать, что вид этого театрального искусства, повлиял на дальнейшее развитие европейского балета, хотя он начался как площадной театр комедии дель арте. Этот народный театр непременным условием действия считал актерскую импровизацию и был носителем высокого и разностороннего профессионального мастерства.
Английский драматург Бен Джонсон, современник В.Шекспира, был одним из крупнейших авторов масок. Маски перекликались с балетами Франции. Сюжеты их были на аллегорические, пасторально-мифологические темы. Лучшие маски — спектакли — маскарады с пением, танцами, пантомимой, декламацией — назывались: «Маска прекрасного Лондона», «Маска красоты», «Балет черных нимф», «Призывы Купидона». Жанр маски — один из первых опытов создания в Англии хореографического театра.
Все комедии масок делились на три группы:
Народно-комедийные маски слуг. К ним относятся Джованни, Бригелла, Арлекин и служанка Сервета.
Маски господ:
Панталоне — глупый, жадный, влюбчивый купец, венецианец.
Капитан — бахвал и трус.
Доктор — лжеученый, тупица и болтун.
Маски влюбленных: маски, которые не одевали, но вносили дух здорового ренессансного мироощущения.
Популярность комедий дель арте была огромной и перешагнула границы Италии. Труппы итальянцев кочевали по всей Европе, и поистине всеевропейской известностью пользовались Изабелла Андриени, братья Мартинелли, Дж. Сакки. Начиная с 1570-х годов, итальянские актеры гастролировали во Франции и Испании, затем в Англии, Германии, Австрии, а в 1730-х годах и в России. Так традиции их искусства обрели вторую жизнь. Персонажи комедии дель арте надолго задержались на сцене балетного театра. Во Франции они были частыми гостями комедий-балетов Мольера. Их облик сохранили полотна Ватто, Ланкре, Фрагонара. В русском балете маски итальянской комедии бытовали с XVIII века и по-разному напоминали о себе в постановках М.М. Фокина и Ф.В. Лопухова. В Париже даже была своя «Комеди итальен», опасный конкурент французским актерам.
Разыгрывали спектакли бродячие лицедеи. Глава труппы задавал сюжет, написанного текста не было, была сюжетная схема, сценарий и актеры импровизировали диалог на ходу, подхватывая реплики партнера. Ансамбль получался великолепный, а действие стремительное. Но, иногда импровизация диалогов приводила актеров к казусам, тексты получались с выраженным оттенком злой иронии, направленной на зрителей, в этих случаях, после спектакля, труппа комедиантов спешила удалиться прочь.
Диалоги, пантомима, музыка, танец соединялись в веселом и увлекательном зрелище. Маска в комедии — это и собственно маска, закрывавшая лицо актера полностью или частично и социальный типаж, заостренный до шаржа, с чертами характера и своей «психологией». Последняя определялась его социальным положением или профессией. Актер, выступивший удачно в какой-то маске, затем постоянно появлялся с ней на сцене; так возникло понятие «амплуа». Вот таким образом происходило закрепление за актерами маски определенных персонажей, и это требовала особой манеры игры. Актеры должны были совершенствовать технику — речевую и пластическую.
Виртуозное владение акробатической техникой и танцевальными элементами становилось отличительной чертой актеров комедии масок. Это выдавало в них, в некоторой степени, ярмарочных плясунов. Да, это были актеры, отлично танцующие, поющие и декламирующие. Однако это наводит на мысль, что, скорее всего, это морескьер, который стал играть на сцене, а не актер — научившийся танцевать. Морескьеры — наследники средневековых жонглеров, акробатические приемы также свойственны их танцу, как это уже нам встречалось в танцах жонглеров и саломей.