Пленительные фантасмагории Н.В. Гоголя. К 210-летию со дня рождения

Александр Захаров

Родился в Орле. В 2002 году окончил Российскую академию музыки имени Гнесиных. В 1994–1999 гг. — солист Ансамбля песни и пляски имени Александрова. В 1999 стал солистом Московского государственного академического Камерного музыкального театра под руководством Бориса Покровского, где исполнил партии: Грицько («Сорочинская ярмарка» Мусоргского — спектакль получил премию «Золотая Маска»), Луиджи («Плащ» Пуччини), Дон Оттавио («Дон Жуан» Моцарта), Феррандо («Так поступают все женщины» Моцарта), Секст («Юлий Цезарь в Египте» Генделя — спектакль получил премию «Золотая Маска»), Люченцио («Укрощение строптивой» Шебалина).

В 2004–2010 гг. — приглашенный солист Большого театра России, где исполнил более 20 партий, в том числе Юродивый и Подьячий («Борис Годунов» и «Хованщина» Мусоргского), Задрипанный мужичок («Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича), Платон Каратаев («Война и мир» Прокофьева), Гвидон («Золотой петушок» Римского-Корсакова). В составе труппы выступал в лондонском Ковент-Гарден, принимал участие в фестивалях в Савонлинне (Финляндия) и Любляне (Словения), в гастрольных поездках театра в Латвию и Грецию.

Сотрудничает с Симфоническим оркестром Москвы «Русская Филармония», Московским камерным оркестром MusicaViva, ГАСК под руководством Валерия Полянского, Государственным духовым оркестром России, участвует в концертных исполнениях опер («Орлеанская дева» Чайковского, «Руслан и Людмила» Глинки, «Кащей бессмертный» и «Ночь перед Рождеством» Римского-Корсакова, «Последние дни» Николаева, «Добрыня Никитич» Гречанинова), вокально-симфонических произведений.

Заслуженный артист Республики Ингушетия (2006). В Арт-проекте «ТенорА XXI века» — с 2007 года. В 2007 году вместе с другими солистами Арт-проекта удостоен премии «Национальное достояние России», в 2013 — Премии города Москвы в области литературы и искусства.С 2012 — солист Национального Академического оркестра русских народных инструментов имени Осипова, с которым гастролировал вгородах России и Европы, а также в США.

Любовь Муравьёва

Любовь Муравьёва окончила Московский государственный институт музыки имени Шнитке (1997) и Московский государственный университет культуры и искусств (2004). Лауреат всероссийских и международных конкурсов. Награждена «Медалью Веры Городовской» (2004).

С 1997 года — артистка Национального академического оркестра народных инструментов России имени Н.П. Осипова. Участвовала в премьерах сочинений для гуслей Веры Городовской, Евгения Дербенко, Алексея Ларина, Владимира Беляева, Александра Курченко, Виктора Малярова и других современных композиторов.

Выступала в Концертном зале имени Чайковского, Государственном Кремлевском дворце, Колонном зале Дома союзов, Зале церковных соборов Храма Христа Спасителя, Доме ученых и на других московских сценах. Гастролировала по России (Санкт-Петербург, Казань, Волгоград, Ярославль, Кострома, Тольятти, Смоленск, Тверь, Великий Новгород, Тамбов, Челябинск и другие) и за рубежом (Великобритания, Германия, Греция, Польша, Швейцария, Кипр, США, Канада).

Даниил Стаднюк

Данил Стаднюк окончил Ростовское музыкальное училище. За время учёбы молодой баянист проявил себя, как яркий исполнитель, и стал лауреатом таких конкурсов, как Всероссийский конкурс «Большой приз Дона» (Ростов-на-Дону, Гран-При) и Международный конкурс в Клингентале (Германия, II премия).

Дирижерский талант музыканта был отмечен победой на Южно-российском конкурсе дирижёров — учащихся музыкальных училищ, проводимом Ростовской консерваторией. В 2003 году Данил поступил в Российскую Академию Музыки имени Гнесиных в класс профессора В.А. Семенова.

Молодой баянист много гастролирует в России и за рубежом. Его сольные концерты проходили в таких городах, как Москва, Санкт-Петербург, Волгоград, Кострома, Кривой Рог, Ростов-на-Дону, Ярославль, Кастело Бранко (Португалия), Клингенталь, Пекин, Шанхай (Китай) и другие.

Данил Стаднюк успешно участвовал в международных конкурсах в Украине, Португалии, Китае. Сотрудничает с Ростовским муниципальным оркестром русских народных инструментов «Дон» п/у К.Хурдаяна, оркестром русских народных инструментов «Струны Руси» п/у Е.Агеева и другими.

Владимир Андропов

Владимир Андропов — народный артист России, художественный руководитель и главный дирижёр Национального академического оркестра народных инструментов России имени Н.П. Осипова, дирижёр Государственного академического Большого театра России, профессор, лауреат Премии Правительства РФ в области культуры за 2011 год.

Выпускник Белорусской государственной консерватории, Владимир Андропов начал творческую карьеру в качестве дирижёра Белорусского симфонического оркестра. В 1978 году он дебютировал в Большом театре с оперой М. Равеля «Испанский час» и занял пост художественного руководителя и дирижёра сценического оркестра театра. Профессионализм и организаторские способности позволили ему создать первоклассный духовой оркестр и подготовить с ним обширный концертный репертуар, включающий произведения самых разных авторов, эпох и жанров.

В 2000–2002 годах Владимир Андропов занимал должность художественного руководителя оперной труппы Большого театра. Был дирижёром-постановщиком оперы «Прекрасная мельничиха» Дж. Паизиелло и балетов «Бессонница» С. Жукова, «Пиковая дама» (на музыку Шестой симфонии П. Чайковского) и «Пассакалья» (на музыку А. фон Веберна). В его обширный театральный репертуар также вошли оперы «Евгений Онегин», «Иоланта» и «Опричник» П. Чайковского, «Русалка» А. Даргомыжского, «Царская невеста» и «Моцарт и Сальери» Н. Римского-Корсакова, «Борис Годунов» М. Мусоргского, «Набукко» и «Сила судьбы» Дж. Верди, «Тоска» Дж. Пуччини, «Любовь к трем апельсинам» С. Прокофьева, балеты «Конёк-горбунок» Р. Щедрина, «Чипполино» К. Хачатуряна. В 1988 г. он осуществил единственную в мире запись оперы «Американцы» Е. Фомина (либретто И. Крылова).

В 2001 году маэстро принимал участие в совместной постановке оперы «Борис Годунов» Мусоргского на сцене Театра Верди в Триесте. В качестве приглашённого дирижёра сотрудничал с симфоническими оркестрами Сингапура, Белграда, Македонии и российскими коллективами.

С 2003 по 2010 год В. Андропов являлся художественным руководителем Астраханского государственного музыкального театра. С 2009 года возглавляет Национальный академический оркестр народных инструментов России имени Н.П. Осипова.

Владимир Андропов обладает мастерской техникой дирижирования: для его жеста характерна точность, лёгкость и выразительность. Программы с участием маэстро отмечены глубоким пониманием музыкального материала и отражают его собственный творческий взгляд на исполняемые сочинения.

В 2001 г. был награждён орденом Дружбы.

Национальный академический оркестр народных инструментов России имени Н.П. Осипова

Национальный академический оркестр народных инструментов России имени Н.П. Осипова является одним из самых известных и авторитетных оркестров мира. В 2014 году прославленному коллективу исполнилось 95 лет.

Оркестр был создан в 1919 году. Этот период совпал с растущим интересом к возрождению русского народного музыкального искусства. У истоков коллектива стояли выдающиеся музыканты: балалаечник Борис Трояновский (1883-1951) и домрист Пётр Алексеев (1892-1960). Именно они стали руководителями молодого оркестра, первый концерт которого состоялся в Москве в саду «Эрмитаж». Уже очень скоро ему аплодировали на многих ведущих концертных площадках нашей страны.

Б. Трояновский и П. Алексеев заложили основы оркестрового исполнительского мастерства, которое с годами совершенствовалось и развивалось. В дальнейшем коллективом руководили многие талантливые музыканты: Николай Голованов (1891-1953), братья Николай (1901-1945) и Дмитрий (1909-1954) Осиповы, Виктор Смирнов (1904-1995), Виталий Гнутов (1926-1976), Виктор Дубровский (1927-1994), Анатолий Полетаев (род. в 1935), Николай Калинин (1944-2004), Владимир Понькин (род. в 1951). С 2009 года оркестр возглавляет народный артист России, профессор, лауреат Премии Правительства РФ Владимир Андропов. Годы сотрудничества с мастерами высочайшего уровня сформировали особый почерк оркестра, который сделал его узнаваемым среди других и принёс ему мировую известность.

Оркестр носит имя выдающегося советского музыканта Николая Петровича Осипова. Его работа в оркестре (1940-1945) ознаменовала совершенно новый этап в творческой жизни коллектива. Этот период совпал с началом Великой Отечественной войны. В июне 1941 года оркестр расформировали. Практически все артисты были призваны в армию и ушли на фронт. Именно Н.П. Осипов в те сложные годы занимался восстановлением коллектива, разыскивая оркестрантов по фронтам Великой Отечественной войны, что позволило оркестру продолжить своё существование. Впоследствии Н.П. Осипову удалось открыть слушателям богатство и уникальность звучания русского народного оркестра, для которого практически не существует репертуарных ограничений. Своим ярким и самобытным звучанием оркестр привлёк внимание ведущих советских композиторов (Н. Будашкина, А. Новикова, А. Холминова и др.), обогативших репертуар коллектива оригинальными сочинениями.

В 1946 г. оркестру присвоено имя Н.П. Осипова. В 1969 г. коллектив получил почётное звание «академический».

В результате многолетней концертной практики оркестр сформировал вокруг себя дружную и творческую атмосферу. Коллектив постоянно сотрудничает как с ведущими музыкантами — певцами, инструменталистами, композиторами и дирижёрами, так и с молодыми исполнителями. В разные годы с оркестром выступали выдающиеся мастера: дирижёры Н. Аносов, А. Гаук, В. Дударова, Г. Рождественский, В. Федосеев; певцы И. Архипова, И. Богачёва, О. Воронец, Л. Зыкина, Л. Русланова, А. Стрельченко, Е. Нестеренко, З. Соткилава, Б. Штоколов, А. Эйзен, Д. Хворостовский, В. Маторин; исполнители на народных инструментах В. Городовская (гусли), А. Цыганков (домра), балалаечники П. Нечепоренко, М. Рожков, А. Тихонов, А. Горбачёв и многие другие музыканты.

Оркестр имени Н.П. Осипова ведёт активную творческую и просветительскую деятельность в лучших концертных залах Москвы, России и других стран. Ему рукоплескали в Австрии, Австралии, Великобритании, Германии, Греции, Голландии, Дании, Канаде, Корее, Мексике, Новой Зеландии, Финляндии, Франции, Швейцарии, Японии. Каждый сезон отмечен появлением совершенно новых концертных программ, как для взрослых, так и для самых юных зрителей. Так, в Концертном зале имени П.И. Чайковского за последние несколько лет оркестром было подготовлено более 60 новых программ, многие из которых стали крупными событиями культурной жизни России. Одна из них — абонемент для детей «Забавный профессор» — была удостоена Премии правительства Российской Федерации.

Уникальное звучание народных инструментов, культура звука, высочайший уровень профессионального исполнительского мастерства позволяют оркестру занимать почётное место в ряду ярчайших явлений русского искусства.

Александр Холминов

Родился 8 сентября 1925 года в Москве. Отец — Холминов Николай Данилович. Мать — Холминова Мария Алексеевна. Супруга — Холминова Валерия Ивановна, замечательный пианист и близкий друг. Дочери: Евгения Александровна, Татьяна Александровна, Ирина Александровна, скрипачки. Внучка — Вера.

Родители Александра Холминова не были музыкантами (отец работал переплетчиком в типографии, мать вела домашнее хозяйство), но были людьми художественно одаренными: Николай Данилович участвовал в самодеятельном драмкружке, выступал в спектаклях, Мария Алексеевна хорошо пела.

Музыкой Александр стал интересоваться с ранних лет. Неизгладимое впечатление произвело на него знакомство с крестьянским пением в рязанском селе Пощупово (в нескольких километрах от есенинского Константинова), где он проводил лето у бабушки. Вскоре в Москве была проведена радиотрансляционная сеть, и, к великой радости будущего композитора, музыку теперь можно было слушать весь день. На него обрушился поток музыкальных впечатлений, он жадно слушал, впитывал в себя сочинения величайших композиторов. С этого момента музыка захватила его целиком и стала главным делом его жизни.

В 8-летнем возрасте Александра отдали в музыкальную школу Бауманского района (ныне 1-я Городская детская музыкальная школа имени С. С. Прокофьева). Вскоре одаренного мальчика перевели сразу в 5-й класс. В школе был сильный преподавательский состав. По теории музыки Александр занимался у К.И. Назаревич, его педагогом по фортепиано была Н.Г. Ракитина, которая много рассказывала ему о своем приемном сыне, композиторе Константине Макарове-Ракитине и его творчестве, тем самым невольно поощряя страстное желание юного музыканта самому сочинять музыку.

Нередко, разучивая заданные пьесы, он начинал импровизировать, а очень скоро от сочинения небольших и несложных вещей стал постепенно переходить к более крупной форме. В 12 лет Александр написал свою первую оперу «Сказка о попе и работнике его Балде». В тот же период у него пробудился интерес и к симфоническому оркестру — он сочинил две симфонические картины и первую часть симфонии фа минор. Следующей его оперной работой стал лермонтовский «Маскарад». Александр был очень увлечен этим сюжетом, как и для первой оперы, сам написал либретто, приступил к сочинению музыки, но тут его работа и учеба были прерваны. Началась война.

Война разметала семью в разные стороны. Мама с младшим сыном Игорем была эвакуирована в Йошкар-Олу. Александр отправлен в эвакуацию во Владимир. Отец оставался пока в Москве.

Эвакуация оказалась невыносимой: одолевала жажда действия, невероятное желание участвовать в происходящем, помогать чем можешь. Кроме того, Александром безраздельно владело желание учиться музыке. Решение принято: на попутной машине он добрался до Москвы.

Был конец августа 1941 года. Буквально на другой день после возвращения Александра Москва была для въезда закрыта. Враг подступал все ближе. Начались ежедневные бомбежки. Но в это время в Москве функционировали практически все учреждения, в том числе и театры. Еще до войны Александр пристрастился к театру, переслушал и пересмотрел все спектакли в филиале Большого театра и особенно в музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко. Во время войны он продолжал бывать в театре, обычно на дневных спектаклях, которые, случалось, нередко прерывались объявлением воздушной тревоги.

Зимой отец Александра ушел на фронт. В Москве оставались родственники, которые помогли ему пережить трудные времена.

В 1943 году Холминов поступил в музыкальное училище при Московской государственной консерватории, на композиторское отделение. Его руководителями стали Е.О. Месснер и И.В. Способин.

В это время ему удалось взять на прокат свой первый инструмент — старенькое пианино (которое впоследствии еще много лет служило композитору). Но радость его была внезапно омрачена: отец получил тяжелое ранение на фронте и после госпиталя вернулся домой инвалидом I группы.

Вскоре Александра вызвали в военкомат. Из-за плохого зрения он был признан негодным к строевой службе. Но он не оставался в стороне от общего дела. Регулярно в составе концертной бригады бывал в госпиталях, где выступал перед ранеными. Потом его направили в Военную академию имени М.В. Фрунзе, где он проработал около 2 лет. Работа совпала с занятиями в музыкальном училище. Учеба была напряженной и стремительной: за полтора года Александр прошел училищный курс и в 1944 году получил рекомендацию в консерваторию.

В училище Александр написал ряд сочинений, в том числе фортепианные прелюдии, которые были исполнены в Малом зале Консерватории, а затем и по радио, в концерте из произведений студентов-композиторов.

Осенью 1944 года Холминов стал студентом Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского. Его педагоги А.Н. Александров и Е.К. Голубев, в класс к которому он перешел на 2-м курсе, дали ему превосходную профессиональную подготовку.

В 1947 году в консерватории проводился конкурс на лучшее вокальное произведение, на котором его «Казачья песня для хора с оркестром» получила 1-ю премию. Она не раз исполнялась в концертах студенческим хором и оркестром, затем была записана на радио и получила широкую популярность. Это прибавило уверенности молодому композитору, и он стал работать с удвоенной энергией. Вскоре за отличную успеваемость ему была назначена стипендия имени П.И. Чайковского.

В годы учебы Холминов написал целый ряд сочинений, в том числе Фортепианный квинтет, получивший высокую оценку Н.Я. Мясковского, сюиту для хора, а капелла «Родная Москва», Три русских песни для хора с оркестром и другие произведения, которые не раз звучали в студенческих концертах в Большом и Малом залах Консерватории и на радио.

В ранних сочинениях композитора ясно раскрылся его глубокий, неизменный интерес к русскому мелосу, той сфере интонаций, музыкального тематизма, тем принципам мотивного, гармонического развития, что прочнейшим образом связаны с фольклором, с русской классикой.

В 1950 году Холминов окончил консерваторию. На госэкзамене исполнялась его симфоническая поэма «Молодая гвардия». После экзамена к нему подошел И.В. Способин и сказал: «Отныне я высоко уважаю тебя как композитора». Эти слова Игоря Владимировича, который всегда выделялся сдержанностью в своих похвалах даже среди чрезвычайно требовательной консерваторской профессуры, навсегда запечатлелись в сердце композитора как высокая награда, как посвящение и напутствие. В том же 1950 году Холминов был принят в Союз композиторов СССР.

Широкое признание принесли Холминову произведения, созданные им в середине 1950-х годов, вскоре после окончания консерватории. Он стал лауреатом (1-я премия и золотая медаль) музыкальных конкурсов на Всесоюзном фестивале молодежи и студентов в Москве (1957) и Всемирном фестивале молодежи и студентов в Вене (1959).

Величаво и одухотворенно зазвучала по всей стране «Песня о Ленине» на слова Ю. Каменецкого (1955), которая вошла в золотой фонд советской песенной классики. Широта, мощь, величие органично слились в этой мелодии с лирической теплотой, эмоциональной сердечностью, доверительностью интонации. Подлинно русским характером привлекла внимание «Ода Родине» на слова Ю. Полухина (1963), выразительно и проникновенно исполненная Ириной Архиповой.

Но наиболее полно, многогранно раскрылось дарование Холминова как оперного композитора-драматурга. Созданная им в 1964 году по одноименной пьесе Вс. Вишневского опера «Оптимистическая трагедия», в которой соединились революционная романтика и героика, масштабность исторических событий и драма человеческих судеб, сразу же заняла видное место среди значительных сочинений советской оперной классики, обошла практически все крупные оперные сцены страны, включая ГАБТ и Театр имени С.М. Кирова, с успехом исполнялась за рубежом — в Чехословакии, Германии, Болгарии. В результате она побывала в репертуаре 20 театров! Опера «Оптимистическая трагедия», ее поразительные хоровые сцены, с их высоким пафосом и сердечной лирикой, ее броско, резко, размашисто очерченные музыкальные портреты героев вошли в художественную действительность неотрывно от пьесы Вишневского.

«Оптимистическая трагедия» стоит несколько особняком в оперном творчестве А.Н. Холминова в том плане, что композитор воспользовался в данном случае услугами либреттиста (либретто ее написано вместе с А.И. Машистовым, он же — автор либретто следующей оперы Холминова — «Анна Снегина»). В дальнейшем, за исключением оперного претворения поэмы Есенина, Александр Николаевич во всех своих многочисленных операх является и автором либретто.

«Оптимистическая трагедия» и «Песня о Ленине» были отмечены присуждением А. Холминову звания лауреата Государственной премии РСФСР имени М.И. Глинки (1969). В 1970 году он был удостоен звания заслуженного деятеля искусств РСФСР, в 1976 году стал народным артистом РСФСР.

С самого начала творческого пути композитора определился его интерес к истории, героическому прошлому нашего народа. Развивая идею революционного обновления жизни и человека, А. Холминов создает в 1966 году лирико-драматическую оперу по поэме С. Есенина «Анна Снегина», сразу же ставшую репертуарной, а затем, в 1974 году, — многоплановую, масштабную оперу-фреску «Чапаев».

«Анна Снегина» дорога композитору как «сочинение чистое, светлое, незамутненное, искреннее», просто и естественно вылившееся из его души. Опера написана на даче, в подмосковной Жуковке, в рекордно короткие даже для Холминова сроки: начав работать ранним утром, к вечеру эскиз оперы удалось завершить; основная мысль, весь главный тематический материал, драматургия — все было схвачено.

Музыка оперы глубоко созвучна есенинским стихам. Современность музыкального стиля в соединении с народной песенностью и классической стройностью музыкальной драматургии, мелодическое изобилие, тонкая красочность оркестра принесли ей прочный успех и долгую сценическую жизнь.

Опера «Чапаев» во многом продолжает линию, намеченную масштабными героико-патриотическими сочинениями Холминова. Эта опера перекликается с «Оптимистической трагедией» благодаря высокой трагедийности тона, многоплановости драматургической конструкции, тщательной разработке великолепных хоровых сцен. Композитору удалось создать поистине народную музыкальную трагедию.

В творчестве А.Н. Холминова гражданственно-патриотическая тема представлена очень разнообразно, но всегда она раскрывается через лично пережитое, прочувствованное самим композитором, через его размышления о высоком предназначении человеческой жизни.

Этим прежде всего и привлекают к себе такие сочинения Холминова, как симфоническая поэма «Рожденные бурей» (1960), вдохновленная идеей, образами одноименного романа Н. Островского; как посвященная памяти отца-фронтовика Вторая симфония для большого симфонического оркестра (1975); как кантаты «Здравствуй, Родина!» (1960), «Ради жизни на земле» (слова А. Твардовского и М. Исаковского, 1975), «Цвети, наша Родина!» (слова А. Прокофьева, 1982), «Переступив войны порог» (слова А. Твардовского, 1985); как опера «Горячий снег» (1984), созданная по одноименному роману Ю. Бондарева.

Композитор плодотворно работает в разных жанрах, но опера занимает центральное место в его творчестве. «Холминову присуще чувство театра, он создает не просто музыкальные партитуры, но предназначенные для сценического воплощения, он пишет драму музыкой» — эти слова принадлежат народному артисту СССР Б.А. Покровскому, осуществившему на сцене созданного и руководимого им Московского камерного музыкального театра постановки большинства опер А.Н. Холминова.

Виртуозное владение широчайшей палитрой выразительных средств жанра позволяет композитору воплотить огромную амплитуду тем, сюжетов, образов, эмоциональных состояний. А.Н. Холминов является автором 13 опер, среди которых наряду с крупномасштабными есть и камерные сочинения. Именно в камерных операх, позволяющих крупным планом исследовать внутренний мир человека, подтекст действия и слова, в наибольшей степени раскрылось дарование Холминова как тонкого психолога.

В камерных операх композитора, созданных на основе прозы Гоголя, Чехова, Достоевского, Шукшина, сильно и открыто зазвучало предостережение против страшной в своей обыденности потери человеческого в человеке.

Моноопера «Шинель» (1971), стержнем которой является рассказ-исповедь умирающего Башмачкина, была давним замыслом композитора (Н. В. Гоголь — его любимый писатель). Почти одновременно с началом работы над «Шинелью» возник замысел другой одноактной оперы по Н.В. Гоголю — «Коляска» (1971). В этих операх Холминову удалось проникнуть в святая святых человека, исследовать его внутренний мир, его психологию. После больших партитур, с их размашисто-фресковой звукописью, в камерных операх композитор получил возможность пользоваться акварельными красками, тонким полифоническим письмом, филигранно отточенными деталями.

В камерной дилогии на сюжеты Гоголя раскрылись новые грани дарования Холминова: живое чувство юмора, чуткое внимание к распетому слову, гибкость передачи речевых интонаций, оркестровая фантазия. Он сумел вдумчиво прочесть классические петербургские повести, услышать скрытую в них музыкальность, воспроизвести в звуках смешные или трогательные, забавные или отталкивающие черты гоголевских героев. За создание этой оперной дилогии, а также кантаты «Ради жизни на земле» композитор был удостоен Государственной премии СССР (1978).

«Шинель» и «Коляска» открыли важную страницу в оперной деятельности композитора, положили начало его многолетнему творческому содружеству с выдающимся режиссером Б.А. Покровским. Премьера прошла с большим успехом, «Шинель» и «Коляска» прочно вошли в репертуар Московского камерного музыкального театра, во время гастролей неоднократно были показаны во многих городах Советского Союза и за рубежом — в Чехословакии, ГДР, Польше, Австрии, Финляндии («Коляска» поставлена также в Болгарии).

Гоголевским операм близки одноактные оперы Холминова по прозе А.П. Чехова «Ванька» и «Свадьба» (1979), в которых на гротескно-сатирической основе разворачивается настоящая трагедия.

Тема бездуховности существования продолжена в опере «Двенадцатая серия» (1976) по неоконченной повести В. Шукшина «А поутру они проснулись.», в которой горько повисает невысказанный вопрос, сформулированный Шукшиным в одном из его рассказов: «Может, жизнь — судьба эта самая — могла быть какой-нибудь иной, малость получше?»

Оперы Холминова «Двенадцатая серия», «Ванька» и «Свадьба» получили большой общественный резонанс, они звучали во многих городах, в том числе и за рубежом, а «Свадьба» записана на Венгерском телевидении в исполнении солистов и оркестра Будапештского театра.

Важным этапом в творчестве композитора, определенным итогом многих его исканий в области музыкального театра стала опера по роману Ф.М. Достоевского «Братья Карамазовы» (1981) — произведение глубокого философского содержания. Ее замысел возник у композитора еще в период работы над «Шинелью» и «Коляской», но от идеи до ее воплощения прошло 10 лет.

Дмитрий Карамазов — центральная фигура оперы. Его личная судьба становится главной темой спектакля, его философией — воскресение человека через страдание, через искупление греха, своего и всеобщего. Музыкальная тема Дмитрия сквозная; в нее вплетены и другие темы, которые как бы питают ее, укрупняя образ, углубляя, усложняя ткань оперы, делая ее многомерной: это тема Бога, тема добра и зла, тема сострадания, милосердия и, конечно, тема детей как будущего. Сочинение захватывает своей истовостью, правдивостью, отточенностью интонационного языка, выпуклостью и тщательностью музыкальных характеристик героев Достоевского.

В Камерном театре Б.А. Покровского успех оперы был блестящим, затем опера показана в Ленинграде, Кишиневе, в Дрездене и Берлине. А чуть позже «Братья Карамазовы» поставлены на сцене Ленинградского театра оперы и балета имени М.П. Мусоргского.

Одно из последующих сочинений Холминова — опера по пьесе Г. Бокарева «Сталевары» (1987), в которой композитор рассматривает поступки и характеры людей на современном, остро звучащем жизненном материале.

В 1990-е годы композитор снова обращается в своем творчестве к произведениям классиков русской литературы — пишет оперы «Плоды просвещения» (1990) по пьесе Л.Н. Толстого и «Лес» (1996) по пьесе А.Н. Островского. Опера «Плоды просвещения» показана на гастролях Камерного музыкального театра в Японии.

Постоянный тонус напряженной творческой активности — доминантная черта жизненного пути Александра Николаевича Холминова. В списке сочинений композитора представлены все основные жанры, его увлекает возможность поиска новых решений, освоения новых форм, расширения палитры выразительных средств. Его «творчество тяготеет к синтезу жанров и особенно к слиянию симфонии и оперы, симфонии и вокального искусства» (Э. Мирзоева).

Среди сочинений А. Холминова — 8 симфоний с четко ощутимой образной направленностью (в том числе посвященная 600-летию Куликовской битвы Третья симфония с текстами из «Слова о полку Игореве» и «Задонщины», и продолжающая гоголевскую тему в творчестве композитора Шестая симфония для баса, мужского хора и большого симфонического оркестра, написанная на неизмененный текст «Повести о капитане Копейкине»); 8 кантат; вокальные циклы на стихи А. Пушкина, А. Блока, А. Ахматовой, С. Капутикян, М. Карима, И. Такубоку и других поэтов; 10 инструментальных концертов (для флейты и струнного оркестра, для виолончели и камерного хора, для виолончели, квинтета медных духовых и трех литавр, для двух скрипок и камерного оркестра и др.); 4 струнных квартета, музыка к кинофильмам (среди них — эпохальный для истории отечественного кинематографа «Председатель»); песни; инструментальные миниатюры.

На протяжении многих лет Александр Николаевич сочетает творческую работу с общественной деятельностью. В 1959 году он стал членом Оргкомитета Союза композиторов РСФСР, затем долгое время был секретарем правления Союза композиторов СССР (1968–1990) и РСФСР (1973–1990). С 1973 по 1990 год — член комиссии по Государственным премиям РСФСР. А.Н. Холминов возглавлял жюри I и II Международных фестивалей молодежной песни в Сочи (1967, 1968), Всесоюзного конкурса к 100-летию со дня рождения В.И. Ленина, участвовал в работе жюри Международного конкурса по камерной опере в Дрездене (1977). Член Европейского общества культуры (1966).

А.Н. Холминов удостоен звания народного артиста СССР, награжден орденами «За заслуги перед Отечеством» IV степени, Трудового Красного Знамени, «Знак Почета», золотой медалью имени А.В. Александрова, другими знаками отличия.

Живет и работает в Москве.

Альфред Шнитке

В 2014 году отмечался 80-летий юбилей Альфреда Шнитке — одного из наиболее самобытных отечественных композиторов послевоенной эпохи.

Помимо произведений для музыкального театра и симфоническом жанре (в котором он заявил о себе едва ли ни как самый значительный русский композитор после Шостаковича), Шнитке создал целое направление в музыке к драматическому театру и кино — в том числе благодаря сотрудничеству с такими режиссёрами, как Юрий Любимов, Элем Климов, Михаил Швейцер и др. Программность и театральность свойственны по сути всей его музыке. Композитор, начинавший свой творческий путь в конце 1950-х годов как последователь Шостаковича и Стравинского, а затем, в 1960-е годы продолживший его под воздействием «нововенцев» (Берга, Веберна) и композиторов-современников послевоенной Европы (Булеза, Штокхаузена, Лигети, Лютославского, Берио, Бернда Алоиза Циммермана), пришёл в результате к особого рода концептуальной, театрализированной полистилистике и коллажности, ставшей для многих «визитной карточкой» его творчества.

На сегодняшний день Шнитке относится к самым часто исполняемым в мире русским композиторам. Немалую роль в популяризации его творчества в России и за рубежом сыграли такие выдающиеся музыканты, как Геннадий Рождественский, Мстислав Ростропович, Александр Лазарев, Лев Маркиз, Марк Лубоцкий, Гидон Кремер, Олег Каган, Юрий Башмет, Наталья Гутман, Александр Ивашкин, Лев Михайлов, Хайнц Холлигер и многие другие. Владимир Юровский относится уже к следующему поколению музыкантов, в чьём репертуаре произведения Шнитке занимают столь же прочное место, как и у его предшественников.

Модест Мусоргский

Модест Петрович Мусоргский (1839-1881) — русский композитор, член «Могучей кучки».

Мусоргский родился 9 (21) марта 1839 года в имении родителей в селе Карево, Торопецкого уезда Псковской губернии. Его отец происходил из старинного дворянского рода Мусоргских, возводившего свое происхождение к Рюрику. До 10-летнего возраста Модест и его брат Евгений получали домашнее образование. В 1849 году, переехав в Петербург, братья поступили в немецкое училище Петришуле. Через несколько лет, не закончив училища, Модест был отдан на обучение в Школу гвардейских подпрапорщиков, которую закончил в 1856 году. Затем Мусоргский недолго служил в лейб-гвардейском Преображенском полку, потом в главном инженерном управлении, в министерстве государственных имуществ и в государственном контроле.

Музыкальный кружок Балакирева оказал большое влияние на творческое развитие Мусоргского. Балакирев заставил Мусоргского обратить серьезное внимание на музыкальные занятия. Под его руководством Мусоргский читал оркестровые партитуры, знакомился с анализом музыкальных произведений и критической их оценкой.

Игре на фортепиано Мусоргский учился у Антона Герке и стал хорошим пианистом. Хотя пению Мусоргский не учился, он обладал довольно красивым баритоном и был неплохим исполнителем вокальной музыки. Уже в 1852 г. фирмой Бернард в Санкт-Петербурге издана фортепианная пьеса Мусоргского. В 1858 г. Мусоргский написал два скерцо, из которых одно было инструментовано им для оркестра и в 1860 г. исполнено в концерте Русского музыкального общества, под управлением А.Г. Рубинштейна.

Написав несколько романсов, Мусоргский принялся за музыку к трагедии Софокла «Эдип»; работа не была окончена, и только один хор из музыки к «Эдипу», исполненный в концерте К.Н. Лядова в 1861 г., издан в числе посмертных произведений композитора. Для оперной обработки Мусоргский сначала выбрал роман Флобера «Саламбо», но вскоре оставил эту работу неоконченной, как и попытку написать музыку на сюжет «Женитьбы» Гоголя.

Известность Мусоргскому принесла опера «Борис Годунов», поставленная на сцене Мариинского театра в Санкт-Петербурге в 1874 г. Поставлена была вторая редакция оперы, значительно измененная драматургически после того как репертуарный комитет театра забраковал первую редакцию оперы за «несценичность». В течение 10 последующих лет «Борис Годунов» был дан 15 раз и затем снят с репертуара. Только в конце ноября 1896 г. «Борис Годунов» снова увидел свет — в редакции Н.А. Римского-Корсакова, который «исправил» и переинструментовал всего «Бориса Годунова» по своему усмотрению. В таком виде опера была поставлена на сцене Большой залы Музыкального общества (новое здание Консерватории) при участии членов «Общества музыкальных собраний». Фирма Бессель и К° в Санкт-Петербурге выпустила к этому времени новый клавир «Бориса Годунова», в предисловии к которому Римский-Корсаков объясняет, что причинами, побудившими его взяться за эту переделку, были якобы «плохая фактура» и «плохая оркестровка» авторской версии самого Мусоргского. В Москве «Борис Годунов» был поставлен впервые на сцене Большого театра в 1888 г. В наше время возродился интерес к авторским редакциям «Бориса Годунова».

В 1875 г. Мусоргский начал драматическую оперу («народную музыкальную драму») «Хованщина» (по плану В. В. Стасова), одновременно работая и над комической оперой на сюжет «Сорочинской ярмарки» Гоголя. Опера по большей части была закончена в клавире, но (за исключением двух фрагментов) не инструментована. Первую сценическую редакцию «Хованщины» (в т. ч. инструментовку) в 1883 году выполнил Н.А. Римский-Корсаков. В том же году фирма Бессель и К° издала ее партитуру и клавир. Первые исполнения «Хованщины» состоялись (1) в 1886 году на сцене Санкт-Петербургского силами музыкально-драматического кружка под управлением С.Ю. Гольдштейна, (2) в 1893 году на сцене Кононовского зала (также в Санкт-Петербурге) частным оперным товариществом, (3) в 1892 году у Сетова в Киеве. В 1958 году Д.Д. Шостакович выполнил еще одну редакцию «Хованщины» (дописал заключение и инструментовал клавир). В настоящее время опера ставится преимущественно в этой редакции.

Для «Сорочинской ярмарки» Мусоргский сочинил два первых акта, а также для третьего акта несколько сцен: Сон Парубка (где использовал музыку симфонической фантазии «Ночь на Лысой горе», сделанную ранее для неосуществленной коллективной работы — оперы-балета «Млада»), Думку Параси и Гопак. Ныне эту оперу ставят в редакции В.Я. Шебалина.

Пристрастие к алкоголю, сильно прогрессировавшее в последнее десятилетие жизни, приобрело разрушительный характер для здоровья Мусоргского, отрицательно сказалось на интенсивности его творчества. После ряда неудач по службе и окончательного увольнения из министерства он довольствовался случайными заработками и некоторой финансовой поддержкой друзей. Мусоргский умер 16 (28) марта 1881 г. в военном госпитале, куда был помещен после приступа белой горячки. Единственный прижизненный (и самый известный) портрет композитора был написан Ильей Репиным там же за несколько дней до смерти. Мусоргский похоронен на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры.

В музыкальном творчестве Мусоргского нашли оригинальное и яркое выражение русские национальные черты. Эта определяющая особенность его стиля проявила себя многообразно: в умении обращаться с народной песней, в мелодических, гармонических и ритмических особенностях музыки, наконец, в выборе сюжетов, главным образом, из русской жизни. Мусоргский — ненавистник рутины, для него в музыке не существует авторитетов; на правила музыкальной грамматики он обращал мало внимания, усматривая в них не положения науки, а лишь сборник композиторских приемов прежних эпох. Отсюда постоянное стремление Мусоргского-композитора к новизне во всем.

Специальность Мусоргского — музыка вокальная. С одной стороны, он стремился реализму, с другой стороны, к красочному и поэтическому раскрытию слова. В стремлении следовать слову музыковеды усматривают преемственность с творческим методом А.С. Даргомыжского. Любовная лирика как таковая привлекала его мало. Лучшие его лирические романсы — «Ночь» (на слова А.С. Пушкина) и «Еврейская мелодия» (на слова Л.А. Мея). Широко проявляется специфическая стилистика Мусоргского в тех случаях, когда он обращается к русской крестьянской жизни. Богатой колоритностью отмечены песни Мусоргского «Калистрат», «Колыбельная Еремушки» (слова Н.А. Некрасова), «Спи-усни, крестьянский сын» (из «Воеводы» А.Н. Островского), «Гопак» (из «Гайдамаков» Т. Шевченко), «Светик Савишна» и «Озорник» (обе последние — на слова Мусоргского) и мн. др. В таких песнях и романсах Мусоргский находит правдивое и драматичное музыкальное выражение для безысходности и скорби, которая скрыта под внешним юмором текста песен. Юмор, ирония и сатира вообще хорошо удавались Мусоргскому (в сказке про «Козла», в долбящем латынь «Семинаристе», влюбленном в поповскую дочь, в музыкальном памфлете «Раек», в песне "Спесь«[1] и др.). Выразительная декламация отличает песню «Сиротка» и балладу «Забытый» (на сюжет известной картины В. В. Верещагина). Мусоргский сумел найти совсем новые, оригинальные задачи, применить новые своеобразные приемы для их выполнения, что ярко выразилось в его вокальных картинах из детской жизни, в небольшом цикле под заглавием «Детская» (текст принадлежит композитору). Исключительной драматической силой отличается вокальный цикл «Песни и пляски смерти» (1875-1877; слова Голенищева-Кутузова; «Трепак» — картина замерзающего в лесу, в метель, подвыпившего крестьянина; «Колыбельная» рисует мать у постели умирающего ребенка и т. д.).

Самые масштабные творческие достижения Мусоргского сосредоточены в области оперы, собственную разновидность которой он назвал (в т. ч. и для того, чтобы его творения в этом жанре не вызвали ассоциацию с господствовавшей в России концертно-романтической оперной эстетикой) «музыкальной драмой». «Борис Годунов», написанный по одноименной драме Пушкина (а также под большим влиянием трактовки этого сюжета Карамзиным), — одно из лучших произведений мирового музыкального театра. Музыкальный язык и драматургия «Бориса» означали полный разрыв с рутиной тогдашнего оперного театра, действие «музыкальной драмы» совершалось отныне специфически музыкальными средствами. Обе авторские редакции «Бориса Годунова» (1869 и 1874 гг.), значительно отличаясь друг от друга по драматургии, являются по сути двумя равноценными авторскими решениями одной и той же трагической коллизии. Особенно новаторской для своего времени оказалась первая редакция (которая не ставилась на сцене вплоть до середины XX века), сильно отличавшаяся от господствовавших во времена Мусоргского романтических стереотипов оперного представления. Именно этим объясняется первоначальная резкая критика «Бориса», увидевшая в новациях драматургии «неудачное либретто», а в музыке «многие шероховатости и промахи».

Такого рода предрассудки во многом были характерны прежде всего для Римского-Корсакова, утверждавшего, что в инструментовке Мусоргский малоопытен, хотя она иногда не лишена колоритности и удачного разнообразия оркестровых красок. Утверждения такого рода были характерны и для советских учебников музыкальной литературы. В действительности не только инструментовка, но и весь стиль Мусоргского совершенно не укладывался в канву романтической музыкальной эстетики, которая господствовала в годы его жизни.

Еще в большей степени скептическое отношение коллег и современников коснулось следующей музыкальной драмы Мусоргского — оперы «Хованщина» на тему исторических событий в России конца XVII века (раскола и стрелецкого бунта), написанную Мусоргским на собственный сценарий и текст. Произведение это он писал с большими перерывами, и к моменту его смерти оно осталось неоконченным. Среди существующих на сегодняшний день редакций оперы, выполненных другими композиторами, наиболее близкими к оригиналу можно считать оркестровку Д.Д. Шостаковича, включая V (недописанный Мусоргским) акт оперы. Необычен и замысел этого произведения, и его масштаб. По сравнению с «Борисом Годуновым» «Хованщина» является не просто драмой одного исторического лица (через которую раскрывается тема власти, преступления, совести и возмездия), а уже своего рода «безличной» историософской драмой, в которой, в отсутствие ярко выраженного «центрального» персонажа (характерного для стандартной оперной драматургии того времени), раскрываются целые пласты народной жизни и поднимается тема духовной трагедии всего народа, совершающейся при сломе его традиционного исторического и жизненного уклада. Чтобы подчеркнуть эту жанровую особенность оперы «Хованщина», Мусоргский дал ей подзаголовок «народная музыкальная драма».

Обе музыкальные драмы Мусоргского завоевали мировое признание уже после смерти композитора, и по сей день во всем мире они относятся к наиболее часто исполняемым произведениям русской музыки. Их международному успеху немало способствовало восхищенное отношение таких композиторов как Дебюсси, Равель, Стравинский, а также антрепренерская деятельность Сергея Дягилева, который впервые за границей поставивил их уже в начале XX века в своих «Русских сезонах» в Париже. В наше время большинство оперных театров мира стремятся ставить оперу «Борис Годунов» в авторских редакциях — первой или второй, не совмещая их.

Из оркестровых произведений Мусоргского всемирную известность приобрела симфоническая картина «Ночь на Лысой горе», материал которой вошел в оперу «Сорочинская ярмарка» (не окончена). Это — колоритная картина «шабаша духов тьмы» и «величания Чернобога». Ныне практикуется исполнение этого сочинения в авторской редакции. Заслуживает внимания «Интермеццо» (сочинено для фортепиано в 1861 г., инструментовано в 1867 г.), построенное на теме, напоминающей музыку XVIII в.

Выдающееся произведение Мусоргского — цикл фортепианных пьес «Картинки с выставки», написанный в 1874 году как музыкальные иллюстрации-эпизоды к акварелям В.А. Гартмана. Контрастные пьесы-впечатления пронизаны русской темой-рефреном, отражающей смену настроений при переходе от одной картины к другой. Русская тема открывает композицию и она же заканчивает ее («Богатырские ворота»), теперь преображаясь в гимн России и ее православной вере. Яркий колорит, порой даже изобразительность фортепианных миниатюр цикла вдохновили композиторов на создание оркестровых версий; самая знаменитая оркестровка «Картинок» принадлежит М. Равелю.

В XIX веке произведения Мусоргского были изданы фирмой В. Бессель и К° в Санкт-Петербурге; многое было издано и в Лейпциге фирмой М.П. Беляева. В XX веке начали появляться издания произведений Мусоргского в оригинальных версиях, основанные на тщательном изучении первоисточников. Пионером такой деятельности стал русский музыковед П.А. Ламм, издавший клавиры «Бориса Годунова», «Хованщины», равно как и вокальные и фортепианные сочинения композитора — все в авторской редакции.

Произведения Мусоргского оказали громадное влияние на все последующие поколения композиторов. Специфическая мелодика, которая рассматривалась композитором как выразительное расширение человеческой речи, и новаторская гармония, предвосхитившая многие черты гармонии XX века, сыграли важную роль в формировании стиля К. Дебюсси и М. Равеля (по их собственному признанию). Драматургия музыкально-театральных сочинений Мусоргского сильно повлияла на творчество Л. Яначека, И.Ф. Стравинского, Д.Д. Шостаковича, А. Берга (драматургия его оперы «Воццек» по принципу «сцена-фрагмент» очень близка к «Борису Годунову»), О. Мессиана и многих других.

Рейнгольд Глиэр

Когда свершилась Великая Октябрьская социалистическая революция, Глиэр — в то время уже известный композитор, педагог, дирижер — сразу же активно включился в работу по строительству советской музыкальной культуры. Младший представитель русской композиторской школы, ученик С. Танеева, А. Аренского, М. Ипполитова-Иванова, своей разносторонней деятельностью он осуществлял живую связь советской музыки с богатейшими традициями и художественным опытом прошлого. «Я не примыкал ни к какому кружку или школе», — писал о себе Глиэр, но его творчество невольно вызывает в памяти имена М. Глинки, А. Бородина, А. Глазунова из-за сходства в восприятии мира, который предстает у Глиэра светлым, гармоничным, цельным. «Передавать свои мрачные настроения в музыке считаю преступлением», — говорил композитор.

Творческое наследие Глиэра обширно и разнообразно: 5 опер, 6 балетов, 3 симфонии, 4 инструментальных концерта, музыка для духового оркестра, для оркестра народных инструментов, камерные ансамбли, инструментальные пьесы, фортепианные и вокальные сочинения для детей, музыка для театра и кино.

Начав заниматься музыкой вопреки воле родителей, Рейнгольд упорной работой доказал право на любимое искусство и после нескольких лет учебы в Киевском музыкальном училище в 1894 г. поступил в Московскую консерваторию по классу скрипки, а затем композиции. «…Никто у меня никогда так много не работал в классе, как Глиэр», — писал Танеев Аренскому. И не только в классе. Глиэр штудировал произведения русских писателей, книги по философии, психологии, истории, интересовался научными открытиями. Не довольствуясь учебным курсом, он самостоятельно изучал музыкальную классику, посещал музыкальные вечера, где познакомился с С. Рахманиновым, А. Гольденвейзером и другими деятелями русской музыки. «В Киеве я родился, в Москве я увидел свет духовный и свет сердца…» — писал Глиэр об этом периоде жизни.

Такая сверхнапряженная работа не оставляла времени на развлечения, да Глиэр и не стремился к ним. «Я казался каким-то сухарем… неспособным собраться где-нибудь в ресторане, пивной, покутить…» На такое времяпровождение ему было жаль тратить время, он считал, что человек должен стремиться к совершенству, которое достигается упорным трудом, а поэтому нужно «волю закалить и превратить в стальную». Однако «сухарем» Глиэр не был. Сердце у него было доброе, душа певучая, поэтичная.

Консерваторию Глиэр окончил в 1900 г. с Золотой медалью, являясь к этому времени автором нескольких камерных сочинений и Первой симфонии. В последующие годы он пишет много и в разных жанрах. Самый значительный результат — Третья симфония «Илья Муромец» (1911), о которой Л. Стоковский писал автору: «Я думаю, что этой симфонией Вы создали памятник славянской культуре — музыку, которая выражает силу русского народа». Сразу же по окончании консерватории началась педагогическая деятельность Глиэра. С 1900 г. он вел класс гармонии и энциклопедии (так назывался расширенный курс анализа форм, включавший полифонию и историю музыки) в музыкальной школе сестер Гнесиных; в летние месяцы 1902 и 1903 гг. готовил к поступлению в консерваторию Сережу Прокофьева, занимался с Н. Мясковским.

В 1913 г. Глиэр был приглашен профессором класса композиции в Киевскую консерваторию, а через год стал ее директором. Под его руководством получили образование известные украинские композиторы Л. Ревуцкий, Б. Лятошинский. Глнэру удалось привлечь к работе в консерватории таких музыкантов, как Ф. Блуменфельд, Г. Нейгауз, Б. Яворский. Помимо занятий с композиторами, он дирижировал студенческим оркестром, руководил оперным, оркестровым, камерным классами, участвовал в концертах РМО, устраивал в Киеве гастроли многих выдающихся музыкантов — С. Кусевицкого, Я. Хейфеца, С. Рахманинова, С. Прокофьева, А. Гречанинова. В 1920 г. Глиэр переехал в Москву, где до 1941 г. вел класс композиции в Московской консерватории. Он воспитал многих советских композиторов и музыковедов, среди которых А.Н. Александров, Б. Александров, А. Давиденко, Л. Книппер, А. Хачатурян… «Как-то так выходит», — писал Прокофьев, — «что кого из композиторов ни спросишь, он оказывается учеником Глиэра — или прямым, или внучатым».

В Москве в 20-х гг. развернулась многосторонняя просветительская деятельность Глиэра. Он возглавил организацию общедоступных концертов, взял шефство над детской колонией, где учил воспитанников хоровому пению, устраивал с ними спектакли или просто рассказывал сказки, импровизируя на рояле. Одновременно в течение ряда лет Глиэр руководил студенческими хоровыми кружками в Коммунистическом университете трудящихся Востока, что принесло ему как композитору немало ярких впечатлений.

Особенно важен вклад Глиэра в формирование профессиональной музыки советских республик — Украины, Азербайджана, Узбекистана. С детских лет он проявлял интерес к народной музыке различных национальностей: «эти образы и интонации были для меня наиболее естественным способом художественного выражения моих мыслей и чувств». Ранее всего состоялось его знакомство с украинской музыкой, которую он изучал в течение многих лет. Результатом этого явились симфоническая картина «Запорожцы» (1921), симфоническая поэма «Заповiт» (1941), балет «Тарас Бульба» (1952).

В 1923 г. Глиэр получил приглашение Наркомпроса АзССР приехать в Баку и написать оперу на национальный сюжет. Творческим итогом этой поездки стала опера «Шах-Сенем», поставленная в Азербайджанском театре оперы и балета в 1927 г. Изучение узбекского фольклора во время подготовки декады узбекского искусства в Ташкенте привело к созданию увертюры «Ферганский праздник» (1940) и в соавторстве с Т. Садыковым опер «Лейли и Меджнун» (1940) и «Гюльсара» (1949). Работая над этими произведениями, Глиэр все более убеждался в необходимости сохранять своеобразие национальных традиций, искать пути их слияния. Эта идея нашла свое воплощение в «Торжественной увертюре» (1937), построенной на русской, украинской, азербайджанской, узбекской мелодиях, в увертюрах «На славянские народные темы» и «Дружба народов» (1941).

Значительны заслуги Глиэра в формировании советского балета. Выдающимся событием советского искусства явился балет «Красный мак». («Красный цветок»), поставленный в Большом театре в 1927 г. Это был первый советский балет на современную тему, рассказывающий о дружбе советского и китайского народов. Другим значительным произведением в этом жанре стал балет «Медный всадник» по поэме А. Пушкина, поставленный в 1949 г. в Ленинграде. «Гимн великому городу», завершающий этот балет, сразу стал широко популярным.

Во второй половине 30-х гг. Глиэр впервые обратился к жанру концерта. В его концертах для арфы (1938), для виолончели (1946), для валторны (1951) широко трактуются лирические возможности солиста и вместе с тем сохраняется присущая жанру виртуозность и праздничное воодушевление. Но истинным шедевром является Концерт для голоса (колоратурное сопрано) с оркестром (1943) — самое искреннее и обаятельное сочинение композитора. Стихия концертности вообще была очень естественна для Глиэра, в течение многих десятилетий активно концертировавшего в качестве дирижера и пианиста. Выступления продолжались до конца жизни (последнее состоялось за 24 дня до кончины), при этом Глиэр предпочитал ездить в самые глухие уголки страны, воспринимая это как важную просветительскую миссию. «…Композитор обязан до конца своих дней учиться, совершенствовать мастерство, развивать и обогащать свое миропонимание, идти вперед и вперед». Эти слова Глиэр написал в конце творческого пути. Ими он руководствовался свою жизнь.

О. Аверьянова

Александр Глазунов

Александр Константинович Глазунов (29 июля (10 августа) 1865, Санкт-Петербург — 21 марта 1936, Париж) — русский композитор, дирижер, музыкально-общественный деятель, профессор Петербургской консерватории (1899), в 1907–1928 — ее директор.

Отец Глазунова работал книгоиздателем, мать была пианисткой. Образование получил во Втором петербургском реальном училище, по окончании которого некоторое время был вольнослушателем в Петербургском университете. Одарённый хорошим слухом и музыкальной памятью, Глазунов начал обучаться игре на фортепиано с девяти лет, сочинять с одиннадцати. В 1879 он познакомился с Милием Балакиревым, который отметил незаурядный талант юноши и рекомендовал его Николаю Римскому-Корсакову. С Римским-Корсаковым Глазунов начал частным образом изучать теорию музыки и композицию, и за полтора года прошёл весь курс гармонии, форм и инструментовки. Уже в 1882 году Глазунов написал свою Первую симфонию, которая с успехом была исполнена под управлением Балакирева, а вскоре появился его первый струнный квартет. Творчеством Глазунова вскоре заинтересовался известный меценат и покровитель искусства Митрофан Беляев, ставивший своей целью поддержку молодых русских композиторов. В 1885 году Беляев организовал цикл Русских симфонических концертов и музыкальное издательство в Лейпциге, а годом ранее при его поддержке Глазунов впервые отправился за границу, где была исполнена его Первая симфония, и где он познакомился с Ференцем Листом, одобрительно отозвавшимся о его творчестве. Вернувшись в Петербург, Глазунов стал одним из членов так называемого «Беляевского кружка», в который входили также Римский-Корсаков, Лядов, Малишевский, Витолс, Блуменфельд и другие музыканты. Продолжая традиции «Могучей кучки» по части развития русской композиторской школы, беляевцы также держали курс на сближение с западной музыкальной культурой.

В 1887 году умирает Александр Бородин, оставив неоконченными свою оперу «Князь Игорь» и Третью симфонию. За их окончание и оркестровку берутся Римский-Корсаков и Глазунов. Феноменальная память Глазунова позволила ему полностью восстановить услышанную в исполнении на фортепиано самого Бородина незадолго до его смерти увертюру к опере и фрагменты третьего действия, а благодаря музыкальным навыкам он смог полностью оркестровать симфонию. В 1889 он дебютирует как дирижёр, исполняя свою Вторую симфонию на Всемирной выставке в Париже. В начале 1890-х Глазунов переживает творческий кризис, который сменяется новым подъёмом: он пишет три симфонии, камерные произведения и балет «Раймонда», ставший наиболее известным его сочинением. В 1899 он получает место профессора Петербургской консерватории, в которой работал непрерывно около тридцати лет. После событий 1905 года, когда из консерватории за поддержку революционно настроенных студентов был уволен Римский-Корсаков, Глазунов в знак протеста также покинул свой пост, но уже в декабре того же года, после того, как консерватория была отделена от Русского музыкального общества, вернулся в неё и вскоре был избран ее директором. На посту директора Глазунов провёл огромную работу: приводил в порядок учебные планы, основал оперную студию и студенческий оркестр, значительно повысил требования к студентам и преподавателям, в конце каждого учебного года лично присутствовал на всех экзаменах и писал характеристики на каждого студента.

После Октябрьской революции Глазунов сумел остаться на своём посту, наладив отношения с новым режимом, и в частности с наркомом просвещения Анатолием Луначарским, и сохранить за консерваторией престижный статус. Он выступал как дирижёр на фабриках, в клубах и др., принимал участие в музыкально-общественной жизни страны. В 1922 ему было присвоено звание народного артиста Республики. Тем не менее, против Глазунова в консерватории были настроены как некоторые группы профессоров, желавших более прогрессивных методов преподавания, так и студентов, жаждавших большей свободы. В 1928 году Глазунов был приглашён на композиторский конкурс в Вену, посвящённый столетию со дня смерти Франца Шуберта, и по его окончании принял решение не возвращаться в СССР. Глазунов всегда заявлял, что его отъезд за границу был обусловлен слабым здоровьем, а не идеологическими причинами, что позволило ему сохранять творческие связи с ленинградской музыкальной общественностью. Глазунов формально числился ректором консерватории до 1930 года (его обязанности исполнял Максимилиан Штейнберг). Некоторое время Глазунов выступал как дирижёр, а в 1932 в связи с ухудшившимся здоровьем вместе с женой поселился в Париже, где изредка сочинял (среди его поздних работ — Концерт для саксофона с оркестром, посвящённый Сигурду Рашеру).

Глазунов умер в Париже, в 1972 году его прах был перевезён в Ленинград и торжественно захоронен на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры. В Мюнхене открыт институт, занимающийся исследованием творчества композитора, архив его партитур хранится в Париже.

Именем композитора назван малый зал Санкт-Петербургской консерватории.

Глазунов занимает заметное место в истории русской музыки. По стилю своих сочинений он примыкает отчасти к «Новой русской школе», но культивирует по существу европейские классические музыкальные формы. Его произведения отмечены яркой оркестровкой, большим гармоническим и контрапунктическим мастерством, тонким лиризмом.