Родиону Щедрину — 85

Александр Трофимов

Александр Трофимов — выпускник Балтийского института иностранных языков и международного сотрудничества (школа-студия при Александринском театре, 2004), Балтийского института экологии, политики и права (класс вокала И. Просаловской, 2007). Принимал участие в мастер-классах Международной летней Академии молодых оперных певцов Мариинского театра, Елены Образцовой, Джан Луки Пазолини, Грайра Ханеданьяна, Владимира Атлантова, Дмитрия Хворостовского, Франко Пальяцци, Мати Пальма.

Певец — лауреат нескольких международных конкурсов: исполнителей старинного русского романса имени И. Юрьевой в Таллинне (Эстония, 2005), имени Ф. Легара в Комарно (Словакия, 2010), «Гран-при Санкт-Петербурга» (2012), конкурса камерной музыки Е. Образцовой памяти испанской певицы К. Бадиа (2014, специальная премия «За лучшее исполнение романса Де Фальи»), лауреат Всероссийского конкурса «Весна романса» (2011).

В начале творческой карьеры А. Трофимов был солистом детского музыкального театра «Карамболь» (2004–2006), а с 2006 — солистом Санкт-Петербургского театра Музыкальной комедии, с 2007 — актёром компании «Театр Дом». C 2011 года — солист Академии молодых оперных певцов Мариинского театра, где выступал в операх «Пиковая дама» (Чекалинский), «Мазепа» (Искра), «Золотой петушок» (Княжич Всеволод Юрьевич, Царевич Гвидон), «Война и мир» (Анатоль Курагин), «Маддалена» (Дженаро), «Плащ» (Тинка), «Отелло» (Кассио), «Дон Кихот» (Ремендадо) и других спектаклях.

Артист гастролировал во Франции, Германии, Венгрии, Румынии, Словении, Финляндии, Швеции, Эстонии, Латвии, Литве, на Украине, в Белоруссии, Кыргызстане, Туркменистане, Китае, Коста-Рике. Он выступал на крупнейших оперных и филармонических сценах — в Будапештском театре оперетты (в 2007-м к 125-летию со дня рождения И. Кальмана, в 2009-м исполнил партию Раджами в «Баядере»); Бухарестском национальном театре оперетты (2009/10, гала-концерты); Кёльнской филармонии (2011, концерт с Питером Гутом и Штраусовским фестивальным оркестром Вены). А. Трофимов выступил в партии Ленского в Государственном театре оперы и балета Республики Коми (2011), участвовал в проекте «Песни военных лет» на сцене Белорусской филармонии, где пел в сопровождении Большого симфонического оркестра имени П. И Чайковского под управлением В. Федосеева (2013). В 2014 году исполнил партию Поля Маша в опере Шостаковича «Оранго» на Хельсинском фестивале искусств и на Фестивале стран Балтийского моря в Стокгольме (дирижировал Эса-Пекка Салонен).

Наталья Павлова

Наталья Павлова обучалась на дирижёрско-хоровом отделении Московской консерватории (окончила в 2006), занималась вокалом с Рафаэлем Сирикяном. Как солистка сотрудничала с камерной капеллой «Русская консерватория» Николая Хондзинского, вокальным ансамблем «Интрада», Ансамблем имени Александрова. С 2013 года — солистка Академии молодых оперных певцов Мариинского театра, на сцене которого дебютировала через год в опере «Майская ночь».

Певица — победитель II Международного конкурса молодых оперных певцов «Опера без границ» в Краснодаре (2015). Наталья Павлова — первая исполнительница в Мариинском театре моноопер «Дневник Анны Франк» Григория Фрида, «Письмо незнакомки» Антонио Спадавеккиа и «Анна» Леонида Клиничева. С солистами Академии она участвовала в полусценической постановке «Оранго» Шостаковича на Фестивале стран Балтийского моря в Стокгольме и Хельсинки и на лондонском “BBC Proms”, а также в исполнении «Мавры» Стравинского под руководством Эсы-Пекки Салонена на сцене лондонского Royal Festival Hall. Также в её репертуаре в Мариинском театре — партии в операх «Горе от ума» (Лиза), «Идиот» (Настасья Филипповна), «Казаки» (Марьяна, концертное исполнение), «Не только любовь» (Наташа), «Тихий Дон» (Наталья), «В бурю» (Наталья, концертное исполнение), «Зори здесь тихие» (Лиза Бричкина, концертное исполнение), «Сказка о Царе Салтане» (Царица Милитриса), «Кармен» (Микаэла), «Гензель и Гретель» (Ведьма), «Травиата» (Виолетта), «Русалка» (Русалка) и других постановках.

Наталья Павлова выступила в партии Татьяны («Евгений Онегин») в Софийской опере и на оперном фестивале Сполето в Чарльстоне, в партии Тамары («Демон») в Северо-Осетинском театре оперы и балета во Владикавказе. В сезоне 2017/18 она дебютирует в туринском Театро Реджо в опере «Турандот» (Лиу). С камерной капеллой «Русская консерватория» записала диск «Песни фронтовых дорог» (аранжировки Дмитрия Шостаковича), выпущенный в 2010 году фирмой Toccata Classics.

Павел Шмулевич

Павел Шмулевич окончил Санкт-Петербургскую государственную консерваторию имени Н.А. Римского-Корсакова (2005, класс вокала Г. Ханеданьяна). Был солистом Академии молодых оперных певцов Мариинского театра, где дебютировал в 2001 году в партии Антонио в опере «Путешествие в Реймс» Россини. В 2008 году вошёл в состав труппы театра.

В репертуаре певца особое место занимают оперы Р. Вагнера. В Мариинском он исполняет партии Фафнера («Золото Рейна» и «Зигфрид»), Хундинга («Валькирия»), Хагена («Гибель богов»), Генриха Птицелова («Лоэнгрин») и Даланда («Летучий голландец»). Также в его репертуаре — партия Короля Марка («Тристан и Изольда») и Погнера («Нюрнбергские мейстерзингеры»).

Лауреат VII Международного конкурса молодых оперных певцов им. Н.А. Римского-Корсакова (Санкт-Петербург, 2006)

Лауреат VI Международного конкурса Елены Образцовой (Санкт-Петербург, 2007)

Дипломант V Международного конкурса молодых оперных певцов им. Н.А. Римского-Корсакова (Санкт-Петербург, 2002)

Дипломант I Международного конкурса им. П. Лисициана (Владикавказ, 2003)

Среди партий, исполняемых в Мариинском театре: Фарлаф («Руслан и Людмила»), Кончак («Князь Игорь»), Камергер («Соловей»), Маг Челий и Фарфарелло («Любовь к трем апельсинам»), Отец Августин («Обручение в монастыре»), Кутузов («Война и мир»), Мижуев («Мертвые души», концертное исполнение), Апостол Павел («Мистерия апостола Павла»), Флягин и рассказчик («Очарованный странник»), Антонио («Путешествие в Реймс»), Рамфис («Аида»), Алькальд («Сила судьбы»), Альциндор и Бенуа («Богема»), Ризничий («Тоска»), Старый иудей («Самсон и Далила»), Голос оракула Нептуна («Идоменей, царь критский»), Бартоло, Антонио («Свадьба Фигаро»), Зарастро («Волшебная флейта»), Фафнер («Зигфрид», «Золото Рейна»), Хундинг («Валькирия»), Хаген («Гибель богов»), Король Генрих («Лоэнгрин»), Даланд («Летучий голландец»), Банко («Макбет»), Захария («Набукко»), Нурабад («Искатели жемчуга», концертное исполнение), Труффальдино («Ариадна на Наксосе»), Наставник Ореста («Электра»), Петр Мелехов («Григорий Мелехов», концертное исполнение), Ямщик («Капитанская дочь», концертное исполнение), Фернандо Виллабелла («Сорока-воровка», концертное исполнение), Судья («Вертер», концертное исполнение), Лепорелло («Каменный гость», концертное исполнение), Агамемнон («Орестея», концертное исполнение).

Также репертуар певца включает партии Гремина («Евгений Онегин»), Осмина («Похищение из сераля»), Коласа («Бастьен и Бастьенна») Рокко («Фиделио»), Погнера («Нюрнбергские мейстерзингеры») и басовые партии в симфонии № 9 Бетховена и «Байке про лису, петуха да барана» Стравинского.

Принимал участие в гастролях Мариинского театра в Париже (Театр Шатле, «Путешествие в Реймс», 2005), Лондоне (Театр Колизеум, «Москва-Черемушки», «Нос», 2006), Вашингтоне (Кеннеди-центр, «Путешествие в Реймс», 2007), Токио («Любовь к трем апельсинам», 2008), Нью-Йорке (Эвери Фишер-холл, «Любовь к трем апельсинам», 2008) и Стокгольме («Электра», 2008).

Как приглашённый солист Павел Шмулевич сотрудничает с оперными театрами Берна и Нюрнберга, где участвовал в спектаклях «Фиделио» (партия Рокко), «Похищение из сераля» (Осмин), «Волшебная флейта» (Зарастро) и «Вольный стрелок» (Каспар). В прошедшем сезоне пел в «Вольном стрелке» на фестивале «Опера — всем» в Санкт-Петербурге.

Лауреат международных конкурсов имени Н. Римского-Корсакова (2006) и Е. Образцовой (2007, II премия).

Ярослав Петряник

Ярослав Петряник окончил Санкт-Петербургскую государственную консерваторию имени Н.А. Римского-Корсакова (класс Н. Дроздовой-Вайнер, 2013). На сцене Театра консерватории исполнял партии Фигаро («Свадьба Фигаро»), Эбн-Хакиа («Иоланта»), Жоржа Жермона («Травиата»).

Во время учёбы получил II премию V Международного конкурса музыки С.В. Рахманинова (Санкт-Петербург, 2012), а в 2014-м завоевал сразу три награды: I премии VI Всероссийского конкурса имени Н. Обуховой в Липецке и IV Международного конкурса имени М. Михайлова в Калуге, а также IV премию I Международного конкурса «Опера без границ» в Краснодаре.

С 2013 года — солист Академии молодых оперных певцов Мариинского театра, где выступает в операх «Саламбо» (Балеарец, концертное исполнение), «Сорочинская ярмарка» (Цыган), «Хованщина» (Пастор), «Снегурочка» (Мизгирь), «Золотой петушок» (Афрон), «Любовь к трём апельсинам» (Панталон), «Обручение в монастыре» (Отец Шартрез), «Не только любовь» (Иван Трофимов), «Идиот» (Афанасий Иванович Тоцкий), «Волшебная флейта» (Папагено), «Севильский цирюльник» (Фигаро), «Травиата» (Жорж Жермон), «Ариадна на Наксосе» (Арлекин), моноопере «Письма Ван Гога» и других произведениях.

Вместе с певцами Академии принимал участие в цикле концертных исполнений советских опер и оперетт: «Овод» Спадавеккиа (Мартини), «Москва, Черёмушки» Шостаковича (Борис Корецкий), «В бурю» Хренникова (Листрат), «Укрощение строптивой» Шебалина (Петруччо), «Кола Брюньон» Кабалевского (заглавная партия).

В 2015-м исполнил титульную партию в «Демоне» Рубинштейна на сцене Северо-Осетинского театра оперы и балета во Владикавказе. В текущем сезоне пел князя Курлятева в «Чародейке» Чайковского на сцене неаполитанского театра Сан-Карло в постановке Дэвида Паунтни.

Маргарита Иванова

Маргарита Иванова родилась в Новокузнецке. В 2012 году окончила Санкт-Петербургскую государственную консерваторию имени Н.А. Римского-Корсакова (класс Ольги Кондиной). Является лауреатом Международного юношеского конкурса пианистов и вокалистов имени Ф. Шопена в Санкт-Петербурге (II премия, 2010), Международного конкурса «Оперетта Land» в Москве (II премия, 2012), дипломантом Международного конкурса молодых оперных певцов имени Михайлова в Калуге (2014), лауреат IX Международного конкурса молодых оперных певцов имени Н.А. Римского-Корсакова в Тихвине (III премия, 2015).

В сезоне 2012/2013 была приглашенной солисткой Санкт-Петербургского театра музыкальной комедии, где исполняла партию Виолетты в оперетте «Фиалка Монмартра» Кальмана. Исполнительница проходила стажировку в Академии «Санта-Чечилия» в Риме в классе выдающихся певцов — тенора Джузеппе Саббатини и сопрано Ренаты Скотто.

В 2013 году Маргарита Иванова была принята в Академию молодых оперных певцов Мариинского театра. В театре исполнила партии Нимфы («Русалка» Дворжака), Русалки-наседки («Майская ночь»), Девушки с высоким голосом («Не только любовь», концертное исполнение), партию сопрано в StabatMater Перголези. В репертуаре певицы также партии Памины, Папагены («Волшебная флейта»), Клоринды («Золушка»), Мари («Дочь полка»), Церлины («Дон Жуан»), Мюзетты («Богема»), Людмилы («Руслан и Людмила»), Царевны-Лебедь («Сказка о царе Салтане»), Панночки («Майская ночь»).

Певица принимает участие в цикле концертных исполнений опер советских композиторов и полусценических постановках камерных опер, в их числе: «Укрощение строптивой» Шебалина (Бьянка), «Москва, Черемушки» Шостаковича (Лидочка), «Не только любовь» Щедрина (девушка с высоким голосом), «Сцены из жизни Николеньки Иртеньева» Баневича (Сонечка).

В 2014 году Маргарита Иванова выступила с Российским национальным оркестром в Большом зале Московской консерватории, исполнив партию сопрано в Реквиеме Моцарта (дирижер — Александр Рудин). В 2015 году приняла участие в Московском Пасхальном фестивале.

Лауреат IX Международного конкурса молодых оперных певцов им. Н.А. Римского-Корсакова (Тихвин, 2015 год, III премия);

Лауреат Международного конкурса «ОпереттаLand» (Москва, 2012 год, II премия);

Лауреат Международного юношеского конкурса пианистов и вокалистов им. Фредерика Шопена (Санкт-Петербург, 2010 год, II премия);

Дипломант Международного конкурса молодых оперных певцов им. Максима Михайлова (Калуга, 2014 год);

Дипломант X Международного конкурса вокалистов им. Зары Долухановой «Янтарный соловей» (Калининград, 2010 год)

Репертуар в Мариинском театре: Русалка-наседка («Майская ночь»), Девочка («Ёлка»), Нинетта («Любовь к трем апельсинам»), Бьянка («Укрощение строптивой», концертное исполнение), Лидочка («Москва, Черемушки», концертное исполнение), Девушка с высоким голосом («Не только любовь»), Александра («Идиот»), Герда («История Кая и Герды»), Сонечка («Сцены из жизни Николеньки Иртеньева»), Бастьенна («Бастьен и Бастьенна»), Папагена («Волшебная флейта»), Нимфа («Русалка» Дворжака), Маша/Гретель («Гензель и Гретель»), партия сопрано в Stabat Mater Перголези. Также в репертуаре: Памина («Волшебная флейта»), Клоринда («Золушка»), Мари («Дочь полка»), Церлина («Дон Жуан»), Мюзетта («Богема»), Людмила («Руслан и Людмила»), Царевна Лебедь («Сказка о царе Салтане»), Панночка-русалка («Майская ночь»).

Денис Беганский

Денис Беганский окончил Республиканский музыкальный колледж при Белорусской государственной академии музыки по классу тромбона (2006), после чего год учился на вокальном отделении Академии (класс И. Л. Беренова). Затем последовало обучение на подготовительном отделении Санкт-Петербургской консерватории (2007–2009, класс Е. В. Федотова). В 2013 году он окончил факультет музыки Российского государственного педагогического университета имени Герцена (класс А. А. Стеблянко) и стал солистом Академии молодых оперных певцов Мариинского театра. В репертуаре Д. Беганского — партии в операх «Евгений Онегин» (Зарецкий, Ротный), «Женитьба» (Подколесин), «Золотой петушок» (Воевода Полкан), «Великан» (Великан), «Война и мир» (Генерал Бельяр), «Игрок» (Толстый англичанин), «Москва, Черёмушки» (Бубенцов Александр Петрович, концертное исполнение), «Тихий Дон» (Петро Мелихов, концертное исполнение), «Рождественская сказка» (Февраль, премьера), «Не только любовь» (Кондурушкин), «Шпонька и его тётушка» (Иван Фёдорович Шпонька) и многих других спектаклях.

Денис Беганский выступает в камерных концертах Академии молодых оперных певцов, принимает участие в детских спектаклях в зале Прокофьева: «Мальчик-великан», «Бременские музыканты», «Мойдодыр».

Илья Селиванов

Илья Селиванов родился в Ленинграде. Окончил Хоровое училище имени М.И. Глинки (2007) и Санкт-Петербургскую государственную консерваторию имени Н.А. Римского-Корсакова (2012, дирижёрско-хоровой факультет, 2013, вокальный факультет, класс профессора Ю. М. Марусина).

Лауреат Всероссийского фестиваля-конкурса молодых вокалистов имени Н. Обуховой в Липецке (2014, I премия), международных конкурсов молодых оперных певцов «Опера без границ» в Краснодаре (2014, 2015), имени М.Д. Михайлова в Калуге (2013) и Международного конкурса в Кохтла-Ярве (Эстония, 2009). В 2011–2012 годах был стипендиатом Фонда М. Ростроповича.

С 2012 года — солист Академии молодых оперных певцов Мариинского театра. Исполняет партии Ленского («Евгений Онегин» Чайковского), Левко и Царевича Гвидона («Майская ночь» и «Сказка о Царе Салтане» Римского-Корсакова), Грицко («Сорочинская ярмарка» Мусоргского), Анатоля Курагина («Война и мир» Прокофьева), Принца («Любовь к трём апельсинам»), Владимира Дубровского («Дубровский» Направника), Люченцио («Укрощение строптивой» Шебалина), Князя Мышкина («Идиот» Вайнберга), Мишки («Не только любовь» Щедрина), Кая («История Кая и Герды» Баневича), Тамино («Волшебная флейта» Моцарта), Графа Альмавивы («Севильский цирюльник» Россини), Тебальдо («Капулетти и Монтекки» Беллини), Альфреда («Травиата» Верди), Беппо («Паяцы» Леонкавалло), Принца («Русалка» Дворжака), Князя Алексея («Сибирь» Джордано).

Гастролировал в Италии, Великобритании, Австрии, Швейцарии, Франции и Германии.

Савва Хастаев

Савва Хастаев родился в Улан-Удэ, где получил образование по специальности «хоровое дирижирование» в училище имени П.И. Чайковского. Продолжил учёбу в Академическом музыкальном училище при Московской консерватории и Московской консерватории по специальности «вокал» (класс Б. Н. Кудрявцева). Во время обучения гастролировал с сольными концертами в России, Украине, Германии, Швейцарии, США и Аргентине.

По окончании консерватории сотрудничал с Детским музыкальным театром имени Н.И. Сац. В 2012 году стал солистом Бурятского государственного академического театра оперы и балета, где исполнял партии Радамеса в «Аиде» Верди, Эрика в «Летучем голландце» Вагнера и Молодого цыгана в «Алеко» Рахманинова. Как приглашённый солист выступал в театрах Алматы, Якутска и Иркутска, исполняя партии в операх «Аида», «Капулетти и Монтекки» и «Испанский час».

В 2014 году Савва Хастаев был удостоен звания лауреата международных конкурсов молодых оперных певцов «Опера без границ» в Краснодаре (II премия) и имени М.Д. Михайлова в Калуге (II премия). В том же году стал солистом Академии молодых оперных певцов Мариинского театра. В его репертуар вошли партии в операх «Отелло» и «Травиата» Верди, «Самсон и Далила» Сен-Санса, «Директор театра» Моцарта, «Кащей бессмертный» Римского-Корсакова, «Алеко» Рахманинова, «История Кая и Герды» С. Баневича. Вместе с другими солистами Академии он участвовал в первом исполнении опер Леонида Клиничева «Бэла» (2014) и «Казаки» (2016), а также в цикле концертных исполнений советских опер «Тихий Дон» Ивана Дзержинского, «Кола Брюньон» Дмитрия Кабалевского и «Не только любовь» Родиона Щедрина. Выступает в абонементных концертах Академии молодых оперных певцов.

Екатерина Латышева

Екатерина Латышева родилась в городе Волжский Волгоградской области. В 2008 году окончила Волгоградский институт искусств имени П.А. Серебрякова по специальности «академическое пение» (класс Н. Семёновой). Во время учёбы стала лауреатом Российского исполнительского смотра-конкурса в Астрахани и Всероссийского конкурса молодых музыкантов имени Д.Б. Кабалевского в Самаре. В 2015 году была отмечена дипломом II Международного конкурса молодых оперных певцов «Опера без границ» в Краснодаре.

С 2008 года — солистка Академии молодых оперных певцов Мариинского театра. Принимала участие в мастер-классах Елены Образцовой, Ларисы Гергиевой и Грайра Ханеданьяна. В её репертуаре партии Панночки («Майская ночь» Римского-Корсакова), Росы и Дрёмы («Гензель и Гретель» Хумпердинка), Матери («Ёлка» Ребикова), Светленькой и Первой крестьянки («Шпонька и его тётушка» А. Беспаловой), Вари («Идиот» Вайнберга), Наташи и Анюты («Не только любовь» Щедрина), Герцогини де Кракенторп («Дочь полка» Доницетти), Розенны («Король города Ис» Лало). В сезоне 2016—2017 вместе с другими солистами Академии Екатерина Латышева приняла участие в постановке оперы «Чародейка» Чайковского на сцене театра Сан-Карло в Неаполе (режиссёр — Дэвид Паунтни), исполнив главную партию Настасьи.

Лариса Гергиева

Народная артистка России, Народная артистка Украины, Народная артистка республики Северная Осетия — Алания, Народная артистка Республики Южная Осетия. Награждена знаком Министерства культуры РФ «За достижения в культуре», Орден Святой Анны Украинской православной церкви, медаль «Во славу Осетии». Лариса Абисаловна Гергиева — художественный руководитель Академии молодых оперных певцов Мариинского театра, Государственного театра оперы и балета Республики Северная Осетия-Алания (Владикавказ), Дигорского государственного драматического театра.

Лариса Гергиева давно стала крупной творческой личностью в масштабе мирового вокального искусства. Она обладает выдающимися музыкальными и организаторскими качествами, является одним из лучших вокальных концертмейстеров с мировой известностью, директором и членом жюри многих престижных международных вокальных конкурсов. За свою творческую жизнь Лариса Гергиева воспитала 96 лауреатов всесоюзных, всероссийских и международных конкурсов. В ее репертуаре более 100 оперных постановок, которые она подготовила для различных театров по всему миру.

За годы работы в Мариинском театре Лариса Гергиева как ответственный концертмейстер выпустила на сцене театра и Концертного зала спектакли: «Сказки Гофмана» (2000, режиссер — Марта Доминго); «Золотой петушок» (2003); «Каменный гость» (полусценическое исполнение), «Снегурочка» (2004) и «Ариадна на Наксосе» (2004 и 2011); «Путешествие в Реймс», «Сказка о царе Салтане» (2005); «Волшебная флейта», «Фальстаф» (2006); «Любовь к трём апельсинам» (2007); «Севильский цирюльник» (2008 и 2014); «Русалка», «Опера о том, как поссорился Иван Иванович с Иваном Никифоровичем», «Женитьба», «Тяжба», «Шпонька и его тетушка», «Коляска», «Майская ночь» (2009); (2010, концертное исполнение); «Станционный смотритель» (2011); «Моя прекрасная леди», «Дон Кихот» (2012); «Евгений Онегин», «Саламбо», «Сорочинская ярмарка», «Укрощение строптивой» (2014), «Травиата», «Москва, Черемушки», «В бурю», «Итальянка в Алжире», «Зори здесь тихие» (2015). В сезоне 2015-2016 качестве музыкального руководителя в Мариинском театре подготовила премьеры опер «Золушка», «Овод», «Кола Брюньон», «Тихий Дон», «Анна», «Белые ночи», «Маддалена», «Оранго», «Письмо незнакомки», «Станционный смотритель», «Дочь полка», «Не только любовь», «Бастьен и Бастьенна», «Великан», «Ёлка», «Мальчик-великан», «Опера про кашку, кошку и молоко», «Сцены из жизни Николеньки Иртеньева».

В Академии молодых оперных певцов Мариинского театра талантливые певцы получают уникальную возможность сочетать интенсивное обучение с выступлениями на прославленной Мариинской сцене. Лариса Гергиева создает условия для раскрытия таланта вокалистов. Умелое отношение к индивидуальности артиста дает прекрасные результаты: выпускники Академии выступают на лучших оперных сценах, принимая участие в гастролях театра и выступая с собственными ангажементами. Ни одна оперная премьера Мариинского театра не проходит без участия певцов Академии.

Лариса Гергиева 32 раза становилась лучшим концертмейстером на вокальных конкурсах, в том числе на международном конкурсе Би-Би-Си (Великобритания), конкурсах имени Чайковского (Москва), Шаляпина (Казань), Римского-Корсакова (Санкт-Петербург), Дягилева (Пермь) и многих других. Выступает на прославленных мировых сценах: Карнеги-холл (Нью-Йорк), Ла Скала (Милан), Вигмор-холл (Лондон), Ла Моне (Брюссель), Гранд-театр (Люксембург), Гранд-театр (Женева), Гюльбенкян-центр (Лиссабон), театр Колон (Буэнос-Айрес), Большой зал Московской консерватории, Большой и Малый залы Санкт-Петербургской филармонии. С солистами театра и Академии молодых оперных певцов побывала с гастролями в Аргентине, Австрии, Великобритании, Франции, США, Канаде, Германии, Польше, Италии, Японии, Южной Корее, Китае, Финляндии. Принимала участие в престижных музыкальных фестивалях в Вербье (Швейцария), Кольмаре и Экс-ан-Провансе (Франция), Зальцбурге (Австрия), Эдинбурге (Великобритания), имени Шаляпина (Казань) и многих других.

Более 10 лет Лариса Гергиева проводит семинары в Союзе театральных деятелей России для ответственных концертмейстеров оперных и музыкальных театров России по методике преподавания и подготовке певца-актера к выходу на сцену.

С 2005 года является художественным руководителем Государственного театра оперы и балета Республики Северная Осетия-Алания (Владикавказ). За это время в театре поставлено множество спектаклей, в том числе балет «Щелкунчик», оперы «Кармен», «Иоланта», «Манон Леско», «Трубадур» (где Лариса Гергиева выступила в качестве режиссера-постановщика). Событием стала постановка оперы Генделя «Агриппина» и трех одноактных опер современных осетинских композиторов на сюжеты аланского эпоса с участием солистов Академии молодых оперных певцов Мариинского театра.

Записала 23 компакт-диска с именитыми певцами, в том числе с Ольгой Бородиной, Валентиной Цыдыповой, Галиной Горчаковой, Людмилой Шемчук, Георгием Заставным, Грайром Ханеданьяном, Даниилом Штодой.

Лариса Гергиева проводит мастер-классы во многих странах, в Мариинском театре ведет абонемент «Лариса Гергиева представляет солистов Академии молодых оперных певцов», возглавляет Международные конкурсы имени Римского-Корсакова, Павла Лисициана, Елены Образцовой, «Опера без границ», Всероссийский конкурс вокалистов имени Надежды Обуховой, Международный фестиваль «В гостях у Ларисы Гергиевой» и фестиваль моноспектаклей «Арт-Соло» (Владикавказ).

Валерий Гергиев

Информация предоставлена пресс-службой Пасхального фестиваля

Валерий Гергиев — выдающийся дирижер, ученик Ильи Мусина. С 1996 года — художественный руководитель-директор Мариинского театра. Сотрудничает с крупнейшими коллективами мира, возглавляет Лондонский симфонический оркестр, Мюнхенский филармонический оркестр, Всемирный оркестр мира. Активно сотрудничает с Венским, Нью-Йоркским, Роттердамским, Берлинским филармоническими оркестрами, оркестром Ла Скала, дирижирует в театре Метрополитен-опера. Почетный президент Эдинбургского международного фестиваля, председатель Всероссийского хорового общества, сопредседатель оргкомитета XV Международного конкурса имени П.И. Чайковского, декан факультета искусств Санкт-Петербургского государственного университета, художественный руководитель Тихоокеанского молодежного музыкального фестиваля в Саппоро. Основатель и художественный руководитель международных фестивалей: «Звезды белых ночей», Московского Пасхального фестиваля, «Гергиев-фестиваля» в Нидерландах, «Классика на Красном море» в Эйлате (Израиль), Международного фестиваля в Миккели (Финляндия), фестивалей Мариинского театра «Новые горизонты», «Масленица», «Брасс-вечера в Мариинском» и фестиваля балета «Мариинский».

На посту художественного руководителя-директора Мариинского театра Гергиев существенно расширил театральный репертуар: от творений Вагнера, Моцарта, Верди, Пуччини, Мусоргского и Чайковского до русской и европейской классики XX века, включая оперы Прокофьева, Шостаковича, Яначека, Р. Штрауса, Бриттена. Особое внимание уделяет творчеству современных российских композиторов — Щедрина, Каретникова, Смелкова, многих молодых музыкантов.

Обогатил репертуар оркестра, который исполнил все симфонии Чайковского, Прокофьева, Шостаковича, Малера, Бетховена, произведения Стравинского, Мессиана, Дютийё, Щедрина, Тищенко, Губайдулиной, Канчели и многих других композиторов.

Валерий Гергиев — инициатор создания и руководитель уникального театрально-концертного комплекса Мариинского театра: историческое здание, Концертный зал Мариинского театра (2006) и новое здание Мариинский-2, включающее в себя основную сцену и четыре камерных зала (2013). У Мариинского театра есть собственный звукозаписывающий лейбл «Мариинский», а также интернет-ТВ и радио.

Гергиев уделяет огромное внимание благотворительности: именно он выступил инициатором проведения мировой серии концертов под названием «Беслан. Музыка во имя жизни», концерта-реквиема перед разрушенным зданием Дома правительства в Южной Осетии, ряда выступлений в память о жертвах наводнения и землетрясения в Японии, концертов в поддержку пострадавших от наводнения на Кубани, концертов для семей, пострадавших от терактов в Волгограде, и многих других памятных акций по всему миру.

Уделяет огромное внимание работе с молодыми музыкантами, воспитал целую плеяду исполнителей мирового уровня, выступает с молодежными оркестрами фестивалей в Шлезвиг-Гольштейне, в Вербье, в Саппоро, а также с Российско-китайским молодежным оркестром и Национальным молодежным оркестром Америки. В 2014 году тысячеголосый Детский хор России, созданный по инициативе Гергиева, впервые выступил в Мариинском-2, а затем принял участие в торжественных церемониях открытия и закрытия XXII Олимпийских зимних игр в Сочи.

Достижения Валерия Гергиева отмечены многочисленными званиями и наградами, среди которых высокие правительственные награды России, Германии, Италии, Франции, Японии, Нидерландов, Швеции, почетное звание «Герой Труда России», «Артист мира ЮНЕСКО» и многие другие.

Симфонический оркестр Мариинского театра

Информация предоставлена пресс-службой Пасхального фестиваля

Оркестр Мариинского театра — уникальный театральный коллектив, ведущий самостоятельную концертную деятельность, включенный в список 20 лучших оркестров мира по результатам опроса ведущих музыкальных критиков крупнейших изданий Европы, Америки и Азии (2008). Умение быстро осваивать новые сложнейшие партитуры, владение всеми жанрами симфонической музыки, гибкость при работе с разными дирижерами и солистами наряду с невероятно насыщенным гастрольным графиком делают петербургский коллектив самым универсальным оркестром в мире.

История коллектива восходит к первому оркестру Санкт-Петербургской Императорской оперы и насчитывает более двухсот лет. У его истоков стояли Катерино Кавос, руководивший коллективом почти 50 лет, и Константин Лядов. Расцвет оркестра Мариинского театра пришелся на период руководства Эдуарда Направника, который расширил театральный репертуар более чем на 100 спектаклей и вывел оркестр на европейский уровень исполнительского мастерства. Эстафету Направника последовательно приняли выдающиеся дирижеры советского времени: Владимир Дранишников, Евгений Мравинский, начавший в нем свой творческий путь, Арий Пазовский, Сергей Ельцин, Борис Хайкин, Павел Фельдт, Константин Симеонов, Юрий Темирканов.

За всю историю оркестра за его пультом стояли Г. Берлиоз, Р. Вагнер, П. Чайковский, С. Рахманинов, Г. Малер, Г. фон Бюлов, А. Шёнберг, О. Клемперер, А. Никиш, В. Менгельберг, Б. Вальтер, К. Клайбер. Оркестр Мариинского театра участвовал в бесчисленном количестве первых постановок отечественных, а также первых постановок на русской сцене зарубежных оперных и балетных спектаклей, среди которых оперы М. Глинки, А. Даргомыжского, А. Серова, А. Рубинштейна, М. Мусоргского, А. Бородина, Н. Римского-Корсакова, оперы и балеты П. Чайковского, С. Прокофьева, Дж. Россини, В.А. Моцарта, В. Беллини, Г. Доницетти, Дж. Верди, Дж. Пуччини, Р. Вагнера, Р. Штрауса, Д. Обера, Дж. Мейербера, балеты Р. Дриго, Ч. Пуни, Б. Асафьева, Д. Шостаковича, А. Хачатуряна, В. Соловьева-Седого, А. Петрова.

В 1978 году в Мариинский (Кировский) театр на должность дирижера был приглашен Валерий Гергиев, возглавивший театр в 1996 году. С его приходом репертуар оркестра пополнился гигантским количеством оперных партитур и симфонической музыки и в настоящее время включает в себя все оперы Вагнера, включая тетралогию «Кольцо нибелунга», все оперы Прокофьева и Шостаковича, значительную часть оперного наследия Римского-Корсакова и Чайковского, обе авторские редакции «Бориса Годунова» Мусоргского, оперы Р. Штрауса, Яначека, Моцарта, Пуччини, Доницетти, все симфонии Бетховена, Малера, Прокофьева, Шостаковича, произведения Стравинского, Мессиана, Дютийё, Хенце, Щедрина, Тищенко, Губайдулиной, Канчели, Каретникова и многих других композиторов. Обогащению репертуара и быстрому росту исполнительского уровня способствовали открытие уникального по своей акустике Концертного зала Мариинского театра (2006) и новой сцены Мариинского театра (2013).

Несмотря на ежедневные выступления на трех театральных площадках, оркестру удается сохранять плотный гастрольный график. Под руководством Гергиева Мариинский оркестр выступает на крупнейших оперных сценах и в лучших концертных залах мира. Только за последний год оркестр представил масштабные гастрольные программы во Франции, Испании, на Тайване, в Китае, Италии, Японии, Германии, Австрии, Великобритании. Настоящими «Русскими сезонами» назвал Валерий Гергиев гастроли Мариинского театра в США в январе — феврале 2015 года, где артисты Мариинского оркестра представили программы, полностью составленные из произведений Мусоргского, Чайковского, Рахманинова, Прокофьева, Шостаковича и Щедрина.

Родион Щедрин

Родион Щедрин давно стал классиком современной русской и мировой музыки. Его имя абсолютно известно, он — один из самых востребованных, исполняемых и публикуемых композиторов нашего времени. Его интерпретаторами стали крупнейшие музыканты. В последние годы целые серии его произведений воплотил на концертной эстраде и в оперном театре феноменальный российский дирижер Валерий Гергиев.

Для понимания творческой личности Щедрина важно учесть, что он — представитель славной плеяды российских «шестидесятников», чье художественное мышление отличалось смелостью, масштабностью, противодействием навязываемым догмам. При этом стиль музыки Щедрина своеобразен и не похож на стили других композиторов его поколения. Владея острым современным музыкальным языком, он смог создать произведения, доступные и широким кругам слушателей. Намеренная антиавангардная установка на слушателя пронизывает творчество Щедрина на протяжении всей жизни: «большая музыка должна иметь большую аудиторию». При этом он шире, чем кто-либо из композиторов его поколения, развил в своем творчестве русскую тематику: его оперы и балеты написаны почти исключительно на сюжеты крупнейших русских писателей — Н. Гоголя, А. Чехова, Л. Толстого, В. Набокова, Н. Лескова, он автор хоровой русской литургии «Запечатленный ангел», концертов для оркестра «Озорные частушки», «Звоны», «Хороводы», «Четыре русские песни» и т. д.

На Родиона Щедрина как будущего музыканта и русского композитора решающее влияние оказала семья. Его дед был православным священником в Алексине Тульской губернии, и тропинку к церкви, где он отправлял службу, прихожане окрестили «щедринкой». Отец композитора, К.М. Щедрин, родился в селе Воротцы Тульской губернии, детство провел в Алексине. Был одарен редкостными музыкальными способностями — «магнитофонной» памятью (запоминал музыку с одного раза), абсолютным слухом. Его способности заметила приезжавшая в город актриса В.Н. Пашенная, которая за свой счет отправила мальчика в Москву, где он окончил Московскую консерваторию.

Музыкой Р. Щедрин был окружен с самого детства: слышал игру отца на скрипке, инструментальное трио в составе отца и его братьев. В 1941 году выдержал экзамен в Центральную музыкальную школу-десятилетку при Московской консерватории. Реально же заниматься фортепиано начал частно — у М.Л. Гехтман. Но началась Великая Отечественная война, и все школы в Москве были закрыты. Семья Щедриных была эвакуирована в Самару (тогда Куйбышев), город, имевший строго засекреченное административное значение. (Там был выстроен гигантский тайный бункер — для Сталина и членов Политбюро). Щедрины уехали в октябре 1941 года, под бомбами. До Самары гитлеровцы так и не дошли. В этот же город был переброшен и Д. Шостакович, завершивший в нем свою знаменитую Седьмую симфонию; юному Родиону довелось услышать ее на генеральной репетиции под управлением С. Самосуда. Туда же был эвакуирован и Большой театр. Шостакович и К. Щедрин вели работу в Союзе композиторов, первый — как председатель, второй — как ответственный секретарь. Шостакович заботливо помогал семье Щедриных в трудных бытовых и иных обстоятельствах.

Когда появилась возможность вернуться в Москву, Родиона снова отдали в Центральную музыкальную школу (1943). Но у мальчика уже сложились свои представления о жизни — его интересовали не гаммы в музыкальной школе, а настоящие, серьезные дела. Он дважды убегал на фронт, и второй раз добрался из Москвы до Кронштадта. После этого родители не нашли ничего лучшего, как определить сына в Нахимовское морское училище в Ленинграде — и отослали туда его документы.

Тем временем произошло событие, в конечном счете приведшее к появлению композитора Родиона Щедрина. В конце 1944 — начале 1945 года в СССР открылось новое учебное заведение — Московское хоровое училище (мальчиков). Его создатель и первый директор, известнейший хормейстер А. Свешников пригласил туда отца Р. Щедрина преподавать историю музыки и музыкально-теоретические предметы, а тот, в свою очередь, попросил зачислить на учебу и своего сына. У Родиона был абсолютный слух, достаточно приемлемый голос, и он был определен, наконец, по музыкальной специальности (декабрь 1944 года).

В Хоровом училище для мальчика, уже кое-что повидавшего, открылась такая сфера, о которой он не подозревал. Позднее Р. Щедрин вспоминал: «Пение в хоре захватило меня, затронуло какие-то глубинные внутренние струны… И первые мои композиторские опыты (как и опыты моих товарищей) были связаны с хором» (Родион Щедрин. Беседа с Л. Григорьевым и Я. Платеком. Музыкальная жизнь, 1975, № 2, с. 6). В хоровом классе была пропета вся история этого искусства: от мастеров «строгого стиля» ХVI века — Жоскена де Пре, Палестрины, Орландо Лассо до русской духовной музыки — Чеснокова, Гречанинова, Кастальского, Рахманинова.

Сочинение музыки в Училище специально не преподавалось, однако высокая суммарная музыкальная подготовка позволяла ученикам делать опыты и в музыкальной композиции. Для поощрения их творчества Свешников давал возможность тут же и исполнять свои сочинения. В 1947 году в Хоровом училище был проведен конкурс композиторских работ. Жюри, возглавляемое А. Хачатуряном, присудило первую премию Р. Щедрину, и это стало его первым заметным успехом в этой области.

Ученикам Хорового училища предоставлялась возможность встречаться с крупнейшими музыкантами: Д. Шостаковичем, А. Хачатуряном, Г. Гинзбургом, С. Рихтером, И. Козловским, Э. Гилельсом, Я. Флиером. «В училище нашем царило захлебное увлечение музыкой, в том числе фортепианной», — вспоминал Щедрин. При окончании Училища у Родиона была программа, достойная концертирующего пианиста (фуги Баха, виртуозные пьесы Шопена и Листа, «Рапсодия на тему Паганини» Рахманинова), но не сделанная должным образом. Его решили показать профессору Московской консерватории Я. Флиеру. От исполнения программы тот в восторг не пришел, но одобрил композиторские сочинения Щедрина и согласился взять его в свои ученики.

В 1950 году Щедрин поступил в Московскую консерваторию одновременно на два факультета — фортепианный, в класс Я. Флиера, и теоретико-композиторский, в класс профессора Ю. Шапорина по композиции. Занятия с Яковом Владимировичем Флиером, где царил «пир музыки», так увлекали Щедрина, что он подумывал расстаться с композиторской специальностью — но педагог-пианист этого не посоветовал. В фортепианном классе растущий музыкант не только приобрел первоклассное искусство пианиста, но и значительно продвинулся в своих общих музыкальных вкусах и знаниях. Щедрин так доверял своему учителю, что ему первому демонстрировал свои новые опусы — и в студенческие, и в более поздние годы. По словам композитора, рояль Флиера вынес «удары» всех его крупных сочинений. Профессиональным пианистом Щедрин остается всю жизнь, с успехом выступая на концертной эстраде с исполнением своих технически нелегких произведений и сочинений других авторов.

В композиторском классе Юрия Александровича Шапорина притягательной была, прежде всего, его человеческая личность — эрудита в русской литературе и поэзии, рассказчика и острослова, человека, общавшегося с А. Блоком, А.Н. Толстым, М. Горьким, К. Фединым, А. Бенуа, К. Петровым-Водкиным. Он не навязывал ученикам какого-то одного-единственного пути, считая, что в музыке могут и должны быть какие угодно противоположности.

Интенсивно развивалась в Московской консерватории и такая фундаментальная область интересов Щедрина, как русский фольклор. Принципиально чуждый этнографическому подходу, Щедрин сумел в течение всего творческого пути в высшей степени оригинально использовать фольклорные элементы, органично сплавив их с новейшими композиторскими находками в музыкальном мире. И в таком синтезе — у него нет равных в его поколении. Обязательный для студентов-композиторов предмет «Народное творчество» требовал участия в фольклорных экспедициях, с самостоятельными записями народных песен. Р. Щедрин совершил поездку в районы Вологодской области, которые оказались чрезвычайно богатыми частушками (руководительница экспедиции записала их свыше тысячи). Ведь частушка не только веселила и развивала способности к мгновенной импровизации, но была хлестким фельетоном, народной газетой — всем тем, что жило в народе, не укладываясь в официальные способы выражения мнений. Любовь к частушке Щедрин пронес через всю жизнь: свой Первый концерт для оркестра 1963 года он назвал «Озорные частушки», а в 1999 году представил его вариант — «Частушки», концерт для фортепиано соло.

Глубоко близкой Щедрину оказалась вся звуковая среда фольклора, которая была им воспринята и через поездки в Алексин, город над Окой, и через различные выезды «в глубинку», слышание крестьянского пения и игры на свирелях. «Для меня народное искусство — это пастуший клич, одноголосные переборы гармониста, вдохновенные импровизации деревенских плакальщиц, терпкие мужские песни…» (Родион Щедрин. Беседа с Л. Григорьевым и Я. Платеком. Музыкальная жизнь, 1975, № 2, с. 54.)

Первый концерт для фортепиано с оркестром, созданный Щедриным в студенческую пору (1954), явился в свою очередь, произведением, создавшим Щедрина. В нем высветилась все, что было личностью автора в молодые годы и что проросло потом в дальнейшем творчестве, в том числе моторика ритма и терпко заостренные «руссизмы». В консерватории же он показался слишком «формалистичным». Но кто-то из профессоров порекомендовал Союзу композиторов включить концерт в программу очередного пленума. Автор с блеском его исполнил и вскоре получил письмо, что его, студента IV курса, приняли в члены Союза композиторов (даже без заявления).

Окончил Московскую консерваторию Щедрин в 1955 году, с отличием, по двум специальностям — композиции и фортепиано. Далее, до 1959 года, он прошел аспирантуру, по композиции у Ю. Шапорина.

1958 год в жизни Щедрина был очерчен как самый романтический и поистине судьбоносный: он женился на балерине Майе Михайловне Плисецкой, тогда уже приобретшей известность. История их знакомства была такова. Композитор бывал в доме Лили Брик, в прошлом музы Маяковского, и ее мужа, писателя и литературоведа В. Катаняна, к пьесе которого «Они знали Маяковского» он писал музыку. Однажды хозяева дома в виде курьеза дали ему прослушать запись на пленке, где Плисецкая пела (!) музыку балета Прокофьева «Золушка». Композитор был изумлен: труднейшие мелодии воспроизводились совершенно точно и в соответствующих тональностях. Родион и Майя впервые встретились лично, когда в том же доме принимали Ж. Филипа, и Щедрин играл много своей музыки, увлекшей собравшихся. Ему, редкому тогда обладателю собственного авто (приобретенного на гонорар за музыку к фильму «Высота»), выпала галантная обязанность развезти почетных гостей по домам. Плисецкая, прощаясь, попросила его записать нотами с пластинки тему из фильма «Огни рампы» для балетного номера (номер потом не пошел). Окончательно их свел балет «Конек-Горбунок», который в 1958 году решил поставить Большой театр. Здесь 25-летний Щедрин впервые увидел Плисецкую на репетиции, где та, со своей стороны, обрушила на него «ураган фрейдистских мотивов». Хотя Плисецкая уже завоевывала заметную артистическую известность, она была под большим подозрением в КГБ, и автомашина слежки постоянно следовала за новой знакомой Щедрина. Но никакая сила уже не властна была их разлучить. После райского лета в Сортавале (Доме творчества композиторов) на Ладожском озере их свадебным путешествием стала поездка на машине Родиона из Москвы в Сочи. Из-за незарегистрированного брака им отказали во всех гостиницах, и приютом служила лишь машина. Брак Плисецкой и Щедрина был зарегистрирован в Москве 2 октября 1958 года. Детей в этом браке не было — такова была великая жертва великой балерины. Но уникальный «брак по искусству» сохранился на всю жизнь. Все балеты Щедрина связаны с танцем Плисецкой — и это целая балетная культура.

При окончании аспирантуры, в 1959 году Щедрин имел в своем творческом активе балет «Конек-Горбунок» (1956), фортепианные сочинения, хоры, Первую симфонию (1958). И это — не только вехи его биографии. «Конек-Горбунок», в котором Плисецкая танцевала Царь-девицу, стал постоянным спектаклем для детей в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко. В 1999 году для постановки в Большом театре автором была сделана новая версия балета, превратившая его в ослепительную русскую феерию (художник — Б. Мессерер). Весьма популярными стали и отдельные номера двух оркестровых сюит из «Конька-Горбунка», в том числе «Цыганский танец», «Танец с балалайками», «Скерцино», «Дуэттино Ивана и Царь-девицы», «Девичий хоровод и Кадриль».

«Юмореска», заражающая чисто щедринской «лукавинкой», спустя почти полвека стала излюбленным концертным «бисом» (также и в переложениях для различных инструментов). Благодаря таким пьесам в свое время стал даже складываться имидж Щедрина — как воплотителя в музыке кипучей жизненной энергии, юмора, шутки. В таком тонусе звучала и ставшая широко известной песня Щедрина из музыки к кинофильму «Высота» (1957) — «Веселый марш монтажников-высотников», прочно внедрившаяся в массовый слух. Эти представления о композиторе неожиданно разрушила Первая симфония, с ее прорывом в суровую военную трагедию, что вызвало большое неудовольствие критиков («хватит с нас и одного Шостаковича»).

Наступили бурные 1960-е годы отечественных «шестидесятников». Щедрин за данное десятилетие создал самое исполняемое свое сочинение — балет «Кармен-сюиту», впервые обратился к опере («Не только любовь»), начал серию произведений в жанре, которому он придал новый смысл, — концерты для оркестра («Озорные частушки» и «Звоны»), сочинил две крупные оратории («Поэтория» и «Ленин в сердце народном») и самое масштабное свое произведение для фортепиано соло — 24 прелюдии и фуги, осуществил смелый стилистический синтез во Втором концерте для фортепиано с оркестром. При этом особо тщательно работал над полифонией, техникой серий, комбинациями множества музыкальных тем. Параллельно он выступал как пианист, преподавал в Московской консерватории.

Опера «Не только любовь» (1961, 2-я ред., 1971) написана по мотивам рассказов С. Антонова, с включением в либретто текстов частушек; посвящена М. Плисецкой. «Пишу колхозного “Евгения Онегина”», — говорил автор и сравнивал главную героиню даже с Кармен. Он стремился уйти от принятых тогда на советской оперной сцене монументальных массовок со знаменами в камерную сферу, с переживаниями обыкновенных людей. Но хотя премьерный спектакль в Большом театре СССР оформлял художник А. Тышлер, а дирижировал Е. Светланов, переломить обычаи театра все же не удалось. Однако синхронно постановки оперы «Не только любовь» прошли в Перми и Новосибирске. Адекватность же замысла и воплощения первой оперы Щедрина была достигнута много позже — в камерных, студийных, студенческих реализациях. Важной вехой стало появление ее на новой театральной сцене — Московского камерного музыкального театра режиссера Б. Покровского, в качестве первого спектакля этого театра (1972).

В творчестве Щедрина наступает яркая полоса юмора и сатиры, свойственных ему от природы: в 1963 году из-под его пера выходят упомянутые «Озорные частушки» (Первый концерт для оркестра) и «Бюрократиада» («курортная кантата»). В «Озорных частушках» автор симфоническими средствами воспроизвел частушечную манеру поочередного вступления нового участника на фоне непрерывного гармошечного наигрыша. И это была новая музыкальная форма со сложным комбинированием не двух-трех тем, а около семидесяти. Пришедшиеся не по вкусу академическим оркестровым музыкантам, «Частушки» вызывали горячий восторг у широкой публики, особенно на периферии. Из зарубежных музыкантов их играл американский дирижер и композитор Л. Бернстайн. Кантата «Бюрократиада», написанная на текст «Памятки отдыхающему», полная свежего остроумия, была сатирой на нечто большее, чем ограничительный порядок в пансионате. Одновременно она была энциклопедией современной композиции — вбирала приемы, остающиеся новыми и по сей день.

Центром полифонической работы композитора стал огромный цикл для фортепиано — 24 прелюдии и фуги (1963-64 — 1 том, 1964-70 — 2 том). Сугубо академический жанр, созданный в свое время И.С. Бахом, продолженный Д. Шостаковичем, Щедрин насытил современной виртуозностью и изощренной техникой письма. Он сам стал и первым его исполнителем. И так же, как раньше, свою юмористическую линию композитор перечеркнул сугубо трагической Второй симфонией (1965), с отзвуками войны (гул самолетов, скрежет гусениц танков, стоны раненых), с эпиграфом из А. Твардовского «В тот день, когда окончилась война». При этом опять ввел новую симфоническую форму: 25 прелюдий (авторский подзаголовок).

В 1966 году Щедрин пошел на эксперимент, по смелости превзошедший все окружающее в советской музыке. Владея современной додекафонной техникой, он решил во Втором концерте для фортепиано с оркестром (1966) соединить ее с диаметральной противоположностью — музыкой джазовой импровизации (в финале). В Союзе композиторов не поддерживалось ни то, ни другое, а соединение вместе давало столь кричащий контраст, что о нем заспорили и самые левые коллеги. Жизнь же доказала правоту автора: Второй концерт стал классикой, изучаемой в истории музыки. Сама же примененная там техника полистилистики (и коллажа) стала затем веяньем времени — для множества отечественных авторов. Прибегал к ней в дальнейшем и Щедрин.

В 1964-69 годах Щедрин преподавал композицию в Московской консерватории. Среди его учеников — О. Галахов (со временем — Председатель Союза композиторов Москвы), Б. Гецелев, болгарин Г. Минчев. Учитель умел безошибочно «ставить диагноз» сочинениям учеников, учил среди прочего умело выстраивать драматургию целого. Примечательно, что важной способностью он считал скорость сочинения. Щедрин прекратил работу в консерватории, войдя в конфликт с партийными деятелями теоретико-композиторского факультета.

Балет «Кармен-сюита» (1967) возник как результат экстренной помощи композитора своей супруге, когда она зажглась неодолимым желанием воплотить образ Кармен в хореографии кубинского балетмейстера А. Алонсо. За 20 дней Щедрин создал свою знаменитую транскрипцию номеров из оперы Ж. Бизе «Кармен», использовав не симфонический оркестр, а струнные и 47 ударных инструментов, достигнув свежей современной звуковой окраски. Плисецкая станцевала балет около 350 раз. «Кармен-сюита» и ныне царит во всем мире: на сцене, в концертах или по радио едва ли не каждый день.

«Звоны», или Второй концерт для оркестра (1968) явился данью композитора излюбленному явлению русской жизни — колокольному звону, со своей тембровостью, настройкой, азбукой, символикой, идущими из глубокой старины. В оркестр Щедрин ввел 5 русских колоколов (звонницу), 18 трубчатых колоколов и 3 колоколец. Разные функции колокольного звона обрисовали в пьесе моменты как бы вражеского нашествия, похоронного обряда, мистического «хора» и трагического «расстрела звонов» с помощью имитации выстрела.

Давняя дружба Щедрина с поэтом А. Вознесенским, в 60-годы кумиром советской молодежи, родство их художественного мироощущения, привело к появлению «Поэтории» — концерта для поэта в сопровождении женского голоса, смешанного хора и симфонического оркестра на его тексты (1968). Сам поэт выступал здесь в качестве чтеца. Новаторским, с богатыми аллитерациями, стихам Вознесенского («Я — Гойя, … Я — Горе. Я — голос…) отвечали новаторски трактованные оркестр и хор у Щедрина, по приемам близкие самым левым польским находкам. Но Щедрин углубил стилистику и концепцию произведения своими личными музыкальными приемами, особенно введением как бы народного плача, в расчете на известную исполнительницу народных песен Л. Зыкину. Обсуждение в Союзе композиторов выявило самые противоречивые мнения о произведении.

В противоречивой ситуации он находился и как общественный деятель. В 1968 году он (как К. Симонов и А. Твардовский) отказался подписать письмо в поддержку вступления войск стран Варшавского договора в Чехословакию. Щедрин вынужден был пойти на компромисс — в виде оратории «Ленин в сердце народном» (1969), подобно тому, как Шостакович в свое время написал «Песнь о лесах». Но в отличие от Шостаковича, Щедрин никогда не вступал в члены КПСС. Избегая помпезного тона, Щедрин использовал в своей оратории бытовую прозу — рассказ латышского стрелка, работницы завода, кроме того, — слова современной сказительницы М. Крюковой. А по музыкальному языку продолжил «Поэторию». Талантливая оратория к 100-летию В.И. Ленина настолько выправила официальное положение беспартийного автора, что за нее и оперу «Не только любовь» ему присудили Государственную премию СССР (1972). За рубежом она имела большой успех в Париже, Лондоне, Берлине.

Творчество Щедрина 70-80-х годов было отмечено присущей ему постоянной художественной изобретательностью, но не содержало тех резких стилистических поворотов в зависимости от меняющейся моды, которые стали уделом многих композиторов на Западе и в СССР (скачки от авангарда к «новой простоте» и к попыткам синтеза крайностей). Элементы и авангардной изысканности, и народной простоты всегда сосуществовали в его музыке, синтез их он делал постоянно. Еще в 60-годы он сформулировал тезис о своем пути: «В искусстве надо идти своим собственным путем. Он может быть и коротким, и длинным, и широким, и узким, но он должен быть своим» (Советская музыка, 1963, № 6, с. 12). В соответствии с собственной композиторской индивидуальностью, Щедрин твердо стоял в центре, пока еще невидимо возвышаясь над бурлящими потоками противоположных течений.

В 1973 году Щедрин избирается на важный руководящий пост — Председателя Союза композиторов Российской Федерации, на который был благословлен Д. Шостаковичем, его основателем и первым председателем. В этом качестве он проработал до 1990 года, добровольно его покинув, после чего был оставлен в роли почетного Председателя СК России. То, что во главе огромной российской композиторской организации столько лет стоял серьезный композитор, новаторской направленности, сыграло чрезвычайно прогрессивную роль. Велика была и его личная помощь — композиторам, музыковедам, дирижерам и многим другим. «Долгое время Щедрин возглавлял Союз композиторов России, и мало кто знает, скольким молодым талантам отверженным, гонимым властью, помог этот человек», — говорит о нем Владимир Спиваков (Родион Щедрин. Автопортрет. Буклет музыкального фестиваля к 70-летию композитора. М., 2002).

Композитор пишет десятки литературных работ, обнаруживая яркое чувство слова. Он создает либретто для своих сценических произведений: опер «Мертвые души» (потом и «Лолита»), балетов «Чайка» (совместно с В. Левенталем), «Дама с собачкой». Публикует десятки статей — о Я. Флиере, Ю. Шапорине, О. Мессиане, Л. Бернстайне, А. Свешникове, К. Элиасберге, А. Бородине, А. Веберне, И. Стравинском, предисловие к роману В. Орлова «Альтист Данилов».

Созданный в 1973 году Третий концерт для фортепиано с оркестром выделяется у Щедрина как сочинение авангардно-сложное, без тональности и трезвучий. Да и форма — вся наоборот: не Тема и Вариации, а Вариации и Тема (в конце). Сольная каденция фортепиано расположена также не перед концом, а в начале произведения. В этом царстве диссонансов выделяются как бы первичные интонации: удар-точка, пассаж, экспрессивный вздох, сонорный гул. К концу припасены сюрпризы: запрятанная под массой оркестра цитата у пианиста из Первого концерта для фортепиано с оркестром Чайковского и имитируемые оркестром 7 удаляющихся звонов колоколов.

Продолжается сотрудничество композитора с М. Плисецкой: ей посвящаются балеты «Анна Каренина», «Чайка» и «Дама с собачкой». В «Анне Карениной» по Л. Толстому (1971) была отобрана только любовная интрига и дан подзаголовок «Лирические сцены» — подобно П. Чайковскому в его опере «Евгений Онегин». Мысль о Чайковском сказалась и в музыкальной стилистике балета, вплоть до аппликаций его сочинений, написанных в то самое время, когда Толстой работал над этим романом. В балете «Чайка» по А. Чехову (1979) Щедрин предстал и как композитор, и как либреттист (соавтор), а Плисецкая и танцевала главную героиню, Нину Заречную, и воплотила символическую Чайку, и впервые стала единоличным балетмейстером спектакля. Композитор средствами оркестра создал остро-экспрессивный «крик чайки», который провел через весь балет, придав ему повышенную трагичность. В нем хорошо угадывались «подстрелянные» судьбы героев, а сценическая драма проецировала «крик» во времени. Новаторской стала музыкальная форма балета — цикл из 24 Прелюдий с добавлением трех Интерлюдий и одной Постлюдии. Когда одна английская киногруппа готовила телепередачу о развитии музыкального искусства, она отсняла «Чайку» для части «Музыка будущего».

Значительной вехой в музыкально-театральном творчестве Щедрина стала опера «Мертвые души» по Н. Гоголю (1976, пост. 1977), на либретто самого композитора. Автор ввел в оперу такое новшество, как замену скрипок оркестра камерным (вторым) хором, а главное — деление сцены на две параллельные сцены, расслоив оперу как бы на две автономно идущие оперы — «народную» и «профессиональную». Эта параллельная драматургия спектакля, впервые осуществленная в Большом театре, составляла ядро смысловой концепции произведения: противопоставление Руси народной и «мертвых душ» помещиков. В «народной опере» композитор использовал русские фольклорные тексты, народные тембры голосов, но не цитировал подлинные мелодии. Символический смысл он придал фразам мужиков, особенно вопросу «доедет или не доедет?». При этом народные элементы насытил острейшими современными диссонансами и кластерами. «Профессиональную оперу» — гротескный мир гоголевских помещиков — Щедрин выдержал в стилистике, близкой работе с вокалом в операх Россини. Если музыка Руси народной шла в плавном протяжном пении legato, то в партиях пародируемых помещиков достаточно заметно использовалось подпрыгивающее staccato. Изощренны и чрезвычайно трудны для пения их арии: виртуозные пассажи Чичикова, скороговорка Коробочки, размашистые скачки мелодии у Собакевича и т. д. Впечатляющи вокальные ансамбли — в семь, восемь, десять и двенадцать голосов. В облике двух опер-антитез предстали сущности более высокого порядка: контраст вечного, неизменного и суетного, бренного.

«Мертвые души» в постановке Большого театра в Москве 7 июня 1977 года явились шедевром театральности. Режиссером был Б. Покровский, художником сцены — В. Левенталь, хормейстером — В. Минин, участвовали певцы: А. Ворошило (Чичиков), Л. Авдеева (Коробочка), В. Пьявко (Ноздрев), А. Масленников (Селифан) и др. Дирижер Ю. Темирканов провел 42 репетиции, после чего перенес оперу в Кировский (Мариинский) театр в Ленинграде. Отечественное исполнение под управлением Темирканова, записанное фирмой «Мелодия», было выпущено за рубежом фирмой ВМG и удостоено премии критиков. «Он необыкновенно точно воплотил в музыке уникальную гоголевскую интонацию и в то же время сумел написать остро современное произведение. Это была музыка страны, в которой мы тогда жили: острая, угловатая и невероятно безысходная», — писал А. Ворошило. (Родион Щедрин. Автопортрет. Буклет музыкального фестиваля. М., 2002).

1981 год отмечен у Щедрина созданием мастерски отточенных хоровых и фортепианных сочинений: «Строфы “Евгения Онегина”» — шесть хоров на стихи А. Пушкина из его романа в стихах, «Казнь Пугачева» — поэма для хора a саррella на слова из «Истории Пугачева» А. Пушкина, «Тетрадь для юношества», 15 пьес для фортепиано. К хоровым опусам примыкает также «Концертино» 1982 года (без слов). Композитор по-прежнему погружен в русскую литературу и русскую тему. В частности, сквозь все произведения проходит идея русских колоколов: в конце «Строф “Онегина”», в эпизодах «Казни Пугачева», в № 11 «Русские трезвоны» из «Тетради для юношества» и в финале «Концертино» — «Русские звоны».

Замыслы Щедрина 1983-84 годов выделились особой масштабностью и серьезностью, что было сопряжено также и с посвящениями святому для него имени — И.С. Баху к 300-летию со дня рождения (1985). В 1983-м в его честь он возвел музыкальный памятник в виде сверхдлительного произведения — на 2 часа 12 мин. — «Музыкальное приношение» для органа, трех флейт, трех фаготов и трех тромбонов. Это был новаторский замысел музыкальной медитации, когда люди должны были не только слушать музыку, но и осуществлять акт коллективного поклонения тому, кому оно было посвящено. В первой версии из-за сверхпротяженности произведение далеко выходило за пределы обычных норм концертного восприятия. В этом убедился и сам автор, выступая в качестве органиста на премьере в Большом зале Московской консерватории (1983): публика стала мало-помалу покидать зал. В других условиях оно воспринималось адекватно (например, на «Бах-марафоне» в Германии). Автор сделал компактную версию «Приношения» — на полтора часа, с записью на пластинке звучания произведения в Рижском Домском соборе (1987). По названию щедринское произведение намеренно ассоциировалось с баховским «Музыкальным приношением», которое тот сделал в 1747 году прусскому королю и композитору Фридриху II. У Щедрина почтение Баху было выражено во множестве аналогий с великим композитором и его эпохой: прямое цитирование двух органных прелюдий мастера, фактура типа прелюдий Баха, различные полифонические приемы, хитроумная «ракоходная форма», мотив-монограмма Баха — В-А-С-Н. В духе времен Баха «Приношение» пронизано символами — как ни одно другое сочинение Щедрина: в виде букв-нот зашифрованы имена Вach, Berg и Shchedrin, даже дата рождения и рост композитора, цитирована мелодия хорала Р. Але, использованная и Бахом, и Бергом, в определенном моменте партитуры указано — «поцеловать инструмент» (для фаготов и тромбонов). Идущие через все произведение соло органа создают воспоминально- молитвенный настрой, а три трио духовых (3 х 3 — также сакральные числа) рисуют некие картины религиозного сюжета. Гигантская музыкальная фреска Щедрина не имеет себе равных среди известных музыкальных посвящений.

Другим сочинением Щедрина к 300-летию Баха стала «Эхо-соната» для скрипки соло (1984). Реальное эхо здесь выразилось в виде приема игры на скрипке, с отслоением от музыкальной «речи» скрипача его тихой звуковой «тени», а символическим эхо предстали краткие аппликации из известных произведений Баха — кристаллы гармоничной классики, отслоенные от остро диссонантной современной музыкальной звучности. Соната стала репертуарной у скрипачей разных стран: У. Хёльшер, М. Венгеров, Д. Ситковецкий, С. Стадлер и др.

В 1984 году Щедрин написал «Автопортрет» для симфонического оркестра. Психологически он диаметрально противоположен сложившемуся имиджу Щедрина как носителя будоражащей энергии, мастера юмора и шутки. Это — самое мрачно-трагическое сочинение автора, так что его премьера на торжественном открытии II Московского международного музыкального фестиваля (1984) пришлась вразрез с обстановкой композиторского праздника. В названии пьесы Щедрин исходил из опыта живописи: «…Меня вдохновлял пример живописцев. Почти все они писали свои портреты: возможно, это отражало осознанную ими необходимость познать самого себя. Порой, т, а к художник приходит к пониманию человека, жизни, времени» (Яковлев М. Вместо рамки для портрета. Музыка в СССР, 1985, апрель–июнь, с. 15). В авторской аннотации он говорит про «имитацию тоскливых звуков одинокой балалайки… бормотанье “во хмелю” фагота (словно напевающего старинное песнопение калик перехожих), бесконечный, ровный и печальный ландшафт моей страны…». На происходящее вокруг Щедрин реагировал всеми струнами души. 1984-й же год — крайняя точка советского застоя, казавшегося непреодолимым. Спустя год генсек КПСС М. Горбачев выступил с идеей перестройки, под угрозой экономического и общего краха страны.

Созданный в 1985 году балет «Дама с собачкой» по одноименному рассказу А. Чехова был вдохновлен 60-летним юбилеем М. Плисецкой. Либретто было написано Р. Щедриным и В. Левенталем, М. Плисецкая являлась и балетмейстером-постановщиком, и исполнительницей главной роли — Анны Сергеевны, для партии которой костюмы создал знаменитый парижский кутюрье П. Карден. Чистая лирика сюжета была реализована как одноактный балет на 45-50 мин., состоящий из пяти развернутых танцевальных дуэтов — па-де-де. Захватывающей мелодичностью проникнут музыкальный строй балета, воплощающий переливы лирических чувств героев, прозрачен оркестр — только струнная группа с добавлением двух гобоев, двух валторн и челесты, стройна музыкальная форма целого. У Щедрина это — самое поэтически-лирическое балетное произведение. На его основе в 1986 году Щедрин создал инструментальное сочинение — Музыка для струнных, гобоев, валторн и челесты.

Наступившая в 1985 году «горбачевская» перестройка, круто изменившая жизнь всей советской интеллигенции, в частности, открыла невиданные возможности контактов с зарубежными странами. В 1988 году состоялось нового типа мероприятие — советско-американский фестиваль «Делаем музыку вместе». Сначала американцы хотели провести фестиваль одного лишь Щедрина, но Министерство культуры СССР не дало на это согласия. Тогда был устроен международный форум с максимальным представительством от СССР. В штат Массачусетс прибыло около 300 человек, в том числе А. Шнитке, С. Губайдулина, А. Петров, Г. Канчели, Б. Тищенко, В. Лаурушас. В постановке «Мертвых душ» Щедрина участвовали чернокожие певцы. Мировой резонанс фестиваля, и художественный, и политический, был громадный.

Волна перестройки повлекла людей, столь активных, как Щедрин, и к хождению во власть. Композитор стал и действенным политиком. В 1989 году от Союза композиторов он был избран в Верховный Совет СССР. Кроме того, имея собственную политическую программу, он вошел в известную Межрегиональную группу народных депутатов за перестройку в СССР, участниками которой состояли академик А. Сахаров, будущий первый президент России Б. Ельцин, будущий мэр Москвы Г. Попов, философ Ю. Афанасьев. В частности, они требовали многопартийности и альтернативных выборов, что вовсе не устраивало партийную власть. По телевидению можно было наблюдать схватку направившегося к трибуне Щедрина и не дающего ему слова Горбачева. Щедрин участвовал в реабилитации на родине высланных из страны М. Ростроповича и Г. Вишневской.

С наступлением еще одной знаменательной даты — 1000-летия принятия христианства на Руси — Щедрин написал сочинения, показавшие все глубинное значение этой темы для него, внука священника и самого крещеного в детстве: «Стихира на Тысячелетие Крещения Руси» (1988) и «Запечатленный ангел» (1988).

Оркестровая «Стихира на Тысячелетие Крещения Руси» написана на основе древнего первоисточника, записанного крюками, — стихиры на праздник Владимирской иконы авторства царя Ивана Грозного, которую композитор изложил в своей интерпретации. Щедрин воссоздал мир древнерусского пения — его тихость, неспешность и умиротворенность, отражение в нем русского равнинного ландшафта, что сказалось на плавности мелодики, текущей без пауз, вариантности попевок. В партитуре указаны моменты подпевания голосами музыкантов их партиям. Композитор послал произведение для первого исполнения в США Ростроповичу, которому его и посвятил. Тот расценил такой поступок как гражданский подвиг и смог осуществить премьеру в вашингтонском Кеннеди-центре (1988). На родине был выпущен п е р в ы й российский компакт-диск — с записью «Стихиры» Щедрина и стихиры Ивана Грозного.

Русская литургия «Запечатленный ангел», или хоровая музыка по Н. Лескову на канонические церковно-славянские тексты для смешанного хора, а сарреllа со свирелью (флейтой) в 9 частях, была впервые исполнена в Москве двумя хорами — Московским камерным и Академическим русским хором под управлением В. Минина. Сочинение продолжительностью в 60 минут — хоровой шедевр, обладающий воздействием не только музыкальным, но также духовно-этическим, подобно службе для прихожан. Оно было отмечено и официально: в 1992 году за него была присуждена Государственная премия РФ — одна из первых в новой России.

Повесть Лескова «Запечатленный ангел» не служила программой музыки Щедрина, от нее были взяты отдельные элементы: название, текст для номера № 1 («Ангел Господень»), образ свирелиста, сюжетный «круговорот очищения» — икона чистая, сожженная печатью и снова чистая. По желанию дирижера, могли делаться вставки текста из Лескова (такова запись на компакт-диск в США). И по отношению к литургии: композитор не ставил целью воспроизвести всю ее последовательность, а отобрал лишь ряд текстов (из Обихода, Минеи, Триоди), с перестановками и сокращениями. Стилистически в музыке использованы принципы русского знаменного распева — плавность пения, «равнинность» мелодии, беспаузность. По хоровым приемам — это энциклопедия русского хорового письма, включившая помимо мелодики знаменного типа также народную подголосочность, звучный аккордовый склад, краску басов-октавистов, соло мальчика-дисканта, эффект «храмового эха» и имитацию колокольного звона. «Запечатленный ангел» стал выдающимся хоровым произведением ХХ века и русской духовной музыки.

С конца 80-х годов Щедрин стал получать все больше творческих предложений из-за границы, отвечая на них созданием сочинений на излюбленную русскую тематику, тем самым широко распространяя ее в разных частях света: в Японии был поставлен его мюзикл «Нина и 12 месяцев» (1988) и исполнены «Хороводы» (Четвертый концерт для оркестра, 1989), к 100-летию Чикагского симфонического оркестра написана «Старинная музыка российских провинциальных цирков» (Третий концерт для оркестра, 1989), сочинены камерные пьесы для Финляндии и Парижа. По поводу «Музыки цирков» Щедрин указывал (в аннотации): «В этом произведении я намеренно стремлюсь к красочности, к музыкальной живописи, юмору, к эффектному, внешнему, развлекательному…. “Цирк” писался в годы перестройки, в годы надежд и веры в раскрепощение и переустройство российского общества. Может быть, чувство надежды на добрые перемены и заряжало меня энергией и оптимизмом?..». (В качестве русского элемента он ввел песню «Очи черные», которую поют вместе с игрой оркестранты.) «Королем современного оркестра называют его профессионалы, имея в виду максимальную звуковую выразительность при максимальной концентрации и экономии средств», — так отзывался о Щедрине М. Ростропович (Родион Щедрин. Автопортрет. Буклет музыкального фестиваля, 2002).

Начало 90-х годов вместе с ломкой во всем общественном укладе страны — распаде СССР, образовании нового государства, Российской Федерации, — принесло существенные перемены и в жизни Щедрина. Ослабевшая экономика, серьезные материальные проблемы создавали столь явную угрозу творчеству, что композитор вынужден был выехать на жительство в Германию, в Мюнхен (1991-1992). За ним последовала и его супруга, М. Плисецкая. Оба сохранили российское гражданство. Стали укрепляться связи с западными издательствами и исполнителями. При этом композитор сохранил и укрепил важнейшие свойства своего стиля — демократическую широту и русскую направленность тематики. Но выбор музыкальных жанров стал иным: не возникли новые балеты (только сборная музыка), появилась одна опера — «Лолита», зато необычайно расцвели концерты для солистов с оркестром — для фортепиано, скрипки, альта, виолончели, трубы, как результат контактов с крупнейшими музыкантами мира. Подавляющая часть произведений оказалась связанной с русской темой, и повысилось значение лирического начала. В связи с юбилейными датами Щедрина прошли крупные фестивали в его честь — на родине и во многих странах мира. Он стал признанным классиком отечественной и мировой музыки.

Оперу «Лолита» по одноименному роману В. Набокова на либретто самого композитора (1994) из-за проблемы с авторскими правами нельзя было ставить на основных мировых языках, и тогда возникла идея постановки в Шведской королевской опере — на шведском. Премьера состоялась в Стокгольме 14 декабря 1994 года: дирижер — М. Ростропович, партия Лолиты — Л. Густафсон, Гумберта Гумберта — П.-А. Валгрен, Куильти — Б. Хауган. Атмосфера скандальности, всегда сопутствовавшая этому сюжету Набокова, здесь выразилась в публичных демонстрациях за отмену спектакля и призывах к артистам отказаться от участия в нем. Но постановка имела большой успех, с отзывами в прессе всего мира.

Хотя именно опера обладает способностью снять натурализм любого сюжета, Щедрин и в либретто, и в музыке постарался углубить моральную сторону романа. В Прологе Гумберт уже сидит в тюремной камере, и через всю оперу проходит хор Судей, обвиняющих его, а в противовес хор Мальчиков в церкви поет просветляющую молитву. Для разрядки трагического напряжения драмы по контрасту проходят вставки оживленных дуэтов Рекламы. Высокий дух оперы царит в длительных, медленных любовных сценах двух главных героев, в возвышенном музыкальном звучании сцены «Грех Гумберта». Щедриным созданы яркие вокальные партии — юной Лолиты, с ее пением в высоком серебристом регистре, стареющего соблазнителя Куильти с его фальцетом или животным криком. Опера завершается Эпилогом-катарсисом, углубляющим набоковский финал. По словам сына писателя, Д. Набокова, «увидь это отец — он был бы счастлив».

К 100-летию знаменитой фирмы роялей Steinway Щедриным был написан Четвертый концерт для фортепиано с оркестром (Диезные тональности, 1991), исполненный в Вашингтоне под управлением М. Ростроповича. В нем две части: Sostenuto cantabile и «Русские звоны». В 1 части важен вместе со светлым колоритом диезов также и высокий регистр рояля, особенно богатый обертонами на Steinway. Во 2 части автор решил средствами этого столь звучного инструмента обогатить историю мирового фортепианного концерта воспроизведением русских колокольных звонов.

Тревога и боль за тяготы России вызвали к жизни струнную музыку «Российские фотографии», посвященную оркестру «Виртуозы Москвы» под управлением В. Спивакова (1994). Это — картины русской жизни в разное время. 1 ч. — «Старинный город Алексин», в память о деде и детстве; 2 ч. — «Тараканы по Москве», когда напасть действительно имела место, хотя музыка не изобразительна; 3 ч. — «Сталин-коктейль», с изображением трелей барабанов, стонов жертв, эхо расстрелов, с цитатами кантаты о Сталине А. Александрова и «Марша энтузиастов» И. Дунаевского; 4 ч. — «Вечерний звон», с настроением запустения, смуты на сердце и подпеванием слов «Вечная память».

В центре периода 90-х стоят три значительных концерта — для виолончели, скрипки и альта, посвященные выдающимся современным музыкантам. Концерт для виолончели, Sotto voce concerto (посвящен М. Ростроповичу, 1994) по концепции принадлежит к произведениям с вечной темой — жизни и смерти. Подзаголовок указывает на любимую Щедриным идею — драмы, услышанной сквозь стену, а также на особое pianissimo в исполнении Ростроповича. В музыке выписаны яркие трагические эпизоды, но дано новаторское преодоление земной трагедии: как выход во внечеловеческий мир, благодаря использованию блок-флейт с их звуком тростника, словно русской свирели.

Концерт для скрипки и струнного оркестра Сoncerto cantabile (посвящен М. Венгерову, 1997) — неоромантическое произведение, по стилистике не похожее на «раннего» и «среднего» Щедрина. Оно сравнимо лишь с лирикой его «Дамы с собачкой». «Под словом cantabile я подразумеваю в первую очередь тонус состояния души, отчасти — манеру звука. А также и переплетения, перекрещивания, слияние, согласие, спор, контрдвижение поющих линий солиста и оркестра» (из авторской аннотации). Как «мой дневник чувств» охарактеризовал композитор свой концерт в швейцарском кинофильме о нем Ж. Гашо.

Concerto dolce, концерт для альта в сопровождении струнного оркестра и арфы (1997) был подготовлен и игрой отца на этом инструменте, и написанным Щедриным предисловием к «Альтисту Данилову» В. Орлова, и, конечно, уникальным мастерством Ю. Башмета, которому сделано посвящение. Хотя концерт называется Dolce, с этого характера он не начинается и на нем не заканчивается. Большой эпизод dolce расположен в центре формы и особенно значительный прибережен для репризы. В музыку инкрустированы чисто русские элементы, обозначенные «как балалайка» и «как бубенцы» — то и другое вошло в произведение для альта впервые. Характерно, что концерты Dolce и Cantabile Щедрин завершает энергичной волевой кодой.

Камерные произведения середины 90-х отмечены изобретениями Щедрина в характере музыкального звука: «Музыка издалека» для двух блокфлейт и Вторая фортепианная соната (1996), «Балалайка» для скрипки соло без смычка (1997), продолжающая идею «Русских наигрышей» для виолончели соло (1990).

В 1997 году, к 65-летию композитора, состоялись фестивали его музыки в Финляндии, Франции, Германии, а в России торжества прошли в течение 19 дней в четырех городах: Москва, Петербург, Нижний Новгород, Самара. В 1998-м Щедрин написал любопытную вокальную пьесу — «Таня-Катя», романс в народном стиле для женского голоса с фортепиано, впоследствии с различными аккомпанирующими составами, включая оркестр. Основанная на русских фольклорных интонациях, с повторением одних и тех же слов, она виртуозно распевна как оперная ария.

На грани тысячелетий (1999) от Германии Щедрину поступило почетное предложение: написать оркестровую Прелюдию к Девятой симфонии Бетховена, знаковому сочинению для всей немецкой культуры. Симфонический оркестр Баварского радио к своему юбилею заказал сочинение, каким стало Symphonie concertante (Третья симфония) «Лица русских сказок» (2000), с отражением образов «Дудки-самогудки», «Сестрицы Аленушки да братца Иванушки», «Царевны-лягушки» и др. В 1999 году Щедрин создал один из самых впечатляющих своих концертов — Пятый концерт для фортепиано с оркестром (посвященный финскому пианисту О. Мустонену), начавший после премьеры в Лос-Анджелесе (1999) уверенный путь по эстрадам мира. Благодаря заказу Питтсбургского симфонического оркестра возникла «Лолита-серенада» из музыки оперы (2001).

Показателем неослабевающей общественной активности Щедрина стало учреждение им вместе с супругой Международного фонда им. М. Плисецкой и Р. Щедрина — в 2000 году в Майнце (Германия).

70-летие композитора в 2002 году было отмечено великолепным фестивалем в Москве и Петербурге, продемонстрировавшим жизненность его творчества за все годы и неиссякающий потенциал в создании новых произведений (в числе российских премьер — Parabola concertante (концертная притча) для виолончели, струнного оркестра и литавр). В Карнеги-холл прошла премьера симфонических этюдов для оркестра «Диалоги с Шостаковичем» (2002). В Линкольн-центре в Нью-Йорке состоялась мировая премьера оперы Щедрина для концертной сцены «Очарованный странник» (по повести Н. Лескова) под управлением Л. Маазеля.

Parabola concertante (концертная притча) для виолончели, струнного оркестра и литавр (2001) была написана для М. Ростроповича и находится в сфере притяжения оперы «Очарованный странник». Основу сюжета оперы составляет описание жизни Ивана Флягина — драматической, полной тяжких испытаний. И хотя Parabola concertante не строится по канве рассказа Лескова, партия солирующей виолончели мыслится композитором как голос Флягина, а оркестр отображает отдельные моменты сюжета. Опера же «Очарованный странник» (2002) явилась выдающейся во всем оперном творчестве Щедрина, благодаря психологической силе, глубине и новаторской трактовке русских музыкальных элементов (молитвы, цыганское пение). Вдохновенно интерпретированная В. Гергиевым, музыка оперы была удостоена премии «Золотая Маска» (2009) и номинирована на «Грэмми 2011».

В 2006 году была закончена еще одна примечательная опера — «Боярыня Морозова» — русская хоровая опера в 2-х частях для четырех солистов, хора, трубы, литавр и ударных. Созданная на исторический сюжет, она раскрывает трагический этап русской истории — раскол, перекликаясь с «Хованщиной» М. Мусоргского. Совершенного исполнения ее достиг хоровой дирижер Б. Тевлин. За «Боярыню Морозову» Щедрин удостоился немецкой музыкальной премии Еcho — «Лучшая запись года». Обе названные оперы были представлены на Московском фестивале к 75-летию композитора (2007), дополненные «Диалогами с Шостаковичем» для оркестра, премьерой «Романтических дуэтов» для фортепиано и другими сочинениями.

Жизнь Щедрина в Германии способствовала его мыслям о великих австро-немецких композиторах. После «Прелюдии к Девятой симфонии Бетховена» он снова обращается к этому гению и создает свое «Гейлигенштадтское завещание Бетховена», симфонический фрагмент для оркестра (2008). Щедрина волнует момент жизни музыкального титана, когда тот понял неизбежность глухоты, думал о самоубийстве, но все же преодолел себя и написал знаменитую «Героическую» (Третью) симфонию. Он взял тот же состав оркестра, что в Третьей симфонии Бетховена, поставил целью выразить трагическую ситуацию, ощущение конфликтности жизни, но все же подчинил драматургию героической идее «Сквозь тьму — к свету». Результатом мыслей Щедрина о Й. Гайдне стала «Поездка в Айзенштадт» для скрипки и фортепиано (2009), где воспроизводится светлый мир этого композитора, стилизуется его манера, но без точных цитат. Под впечатлением работ немецкого художника А. Дюрера Щедриным написано необычное для него произведение на тему о конце света: Dies irae по гравюрам на дереве Альбрехта Дюрера «Апокалипсис» для 3 органов и 3 труб (2010).

Постоянно привлекает Щедрина жанр инструментального концерта, в связи с частыми заказами превосходных исполнителей. Уникальный состав солистов выбран для Concerto parlando: скрипка, труба и струнный оркестр (2004). Авторский комментарий таков: «В Концерте три части. Первая, на мой взгляд, прямо отсылает к подзаголовку parlando: это дружеская беседа двух личностей, двух характеров, двух индивидуальностей. Вторая часть — лирический диалог, беседа в элегическом ключе: здесь один солист отвечает другому, возражая или соглашаясь. Третья часть — виртуозная точка, вернее, восклицательный знак, завершающий все произведение». Внутренне необычен Концерт для гобоя с оркестром (2009), написанный с ориентацией на А. Огринчука, первого исполнителя-солиста. Он трехчастен: Элегия, Дуэты, Финал. В диалог с гобоем вступает английский рожок, другие музыканты из оркестра, в конце — туба. Дуэт гобоя с английским рожком напоминает перекличку двух деревенских женских голосов. Сам гобой вообще представляется как бы человеческим голосом. Диалог с тубой в конце наводит на мрачные размышления.

Но Щедрин по-прежнему не расстается с оперой. Знаменитая певица Чечилия Бартоли, руководящая Зальцбургским летним фестивалем, в 2012 году, посвященном египетской царице Клеопатре, делает заказ Щедрину. Открытие фестиваля — опера Генделя «Юлий Цезарь в Египте», закрытие — новое произведение. Щедрин выбирает пьесу «Антоний и Клеопатра» Шекспира в переводе Б. Пастернака и называет сочинение «Клеопатра и змея», драматическая сцена для сопрано и симфонического оркестра (2011). Действие происходит в I веке до н. э., царица Клеопатра решает умереть от укуса ядовитой змеи. Данная моноопера (на 15 мин.), говорящая о любви, власти, смерти, — по существу монолог героини в самый трагический момент шекспировской трагедии. На премьере внезапно заболевшую А. Нетребко заменила немецкая певица М. Эрдманн, спевшая партию на русском языке, — и не снизила успех щедринской мини-оперы.

Для XIV Международного конкурса им. П.И. Чайковского в 2011 году по предложению Оргкомитета Щедриным была создана виртуозная концертная пьеса «Чайковский-этюд» для фортепиано, ставшая обязательной в качестве современного произведения.

«Я русский человек, все мои корни здесь. Даже окажись я где-нибудь на Огненной земле — остался бы таковым», — говорит о себе Щедрин (Р. Щедрин. «Кто-то задумал перевоспитать русских…». Беседа с С. Бирюковым. Труд, 22.12.95). С огромной изобретательностью он умел и умеет вводить русские элементы в свой музыкальный язык, воспроизводя стихиры, молитвы, частушки, пастушьи наигрыши, колокольные звоны, голошения плакальщиц, музыку цирков, треньканье балалайки, гусельные переборы, цыганскую песню, аппликации из Чайковского и т. д. В то же время вся аура его сочинений — типично современная: острота диссонантных звуковых сопряжений, игра пространствами музыкальной эстрады, прием коллажа, предельно разнообразная артикуляция и новаторские способы исполнения на всех инструментах.

Музыка Щедрина заряжена той солнечной жизненной силой, которой во многом не додало людям искусство ХХ века. Поэтому так велик человеческий отклик во всем мире на его «музыкальное приношение». Всю жизнь идя своим путем, он занял устойчивую позицию в самом центре музыкальной культуры, а, по словам Р.У. Эмерсона, «герой тот, кто стоит неподвижно в центре».

Творческие заслуги Р.К. Щедрина были отмечены многочисленными почетными званиями и премиями: Государственная премия СССР (1972), Член-корреспондент Баварской академии изящных искусств (1976), Почетный член Общества Ф. Листа (США, 1979), народный артист СССР (1981), Почетный член Академии изящных искусств ГДР (1982), Ленинская премия (1984), Почетный член Международного музыкального совета (1985), Член Берлинской Академии искусств (1989), Государственная премия России (1992), Премия им. Д.Д. Шостаковича (Россия, 1992), Премия Crystal Award Всемирного экономического форума (Давос, 1995), Почетный профессор Московской консерватории (1997), «Композитор года» Питтсбургского симфонического оркестра (2002), орден «За заслуги перед Отечеством» III и II степени (2002, 2007), Почетный профессор Санкт-Петербургской консерватории (2005), Почетный профессор Пекинской центральной консерватории (2008), лауреат Российской Национальной театральной премии «Золотая Маска» (2009), номинант музыкальной премии «Грэмми 2011».

Щедрин — автор многих статей, а также книг: «Монологи разных лет» (М., 2002) и «Автобиографические записи» (М., 2008), изданной и в немецком переводе (Шотт-Музик, Майнц, 2009). Ему посвящены книги: И. Лихачева. Музыкальный театр Родиона Щедрина (М., 1977); В. Комиссинский. О драматургических принципах Р. Щедрина (М., 1978); М. Тараканов. Творчество Родиона Щедрина (М., 1980), H. Gerlach. Zum Schaffen von Rodion Schtschedrin (Berlin, 1982); Ю. Паисов. Хор в творчестве Родиона Щедрина (М., 1992); В. Холопова. Путь по центру. Композитор Родион Щедрин (М., 2000), она же в немецкой версии — V. Cholopova. Der Weg im Zentrum (Mainz, Schott, 2002); Родион Константинович Щедрин — жизнь и творчество. Альбом фортепианных переложений с комментариями и иллюстрациями (сост. Е.С. Власова, Челябинск, 2006), в немецком переводе (Шотт-Музик, Майнц, 2008); Родион Щедрин. Материалы к творческой биографии. Сборник рецензий, исследований и материалов (сост. Е.С. Власова, М., 2007).

Профессор Московской консерватории, доктор искусствоведения Валентина Холопова.