Звёзды XXI века. Гала-концерт

Александр Рамм

Александр Рамм — один из самых одарённых и востребованных виолончелистов своего поколения. В его игре сочетаются виртуозность, глубокое проникновение в замысел композитора, эмоциональность, бережное отношение к звукоизвлечению и артистическая индивидуальность. Александр Рамм — обладатель серебряной медали XV Международного конкурса имени П.И. Чайковского (Москва, 2015), победитель многих других музыкальных соревнований, в том числе III Международного конкурса в Пекине и I Всероссийского музыкального конкурса (2010). Кроме того, Александр — первый и, на сегодняшний день, единственный представитель России, ставший лауреатом одного из самых престижных конкурсов виолончелистов Paulo Cello Competition в Хельсинки (2013).

В сезоне 2016/2017 у Александра состоялись важные дебюты, среди которых выступления в Парижской филармонии и лондонском Кадоган-холле (с Валерием Гергиевым), а также концерт в Белграде под управлением Михаила Юровского, на котором прозвучал Второй виолончельный концерт Шостаковича. Запись Симфонии-концерта для виолончели с оркестром Прокофьева под управлением Валерия Гергиева транслировалась французским телеканалом Mezzo.

В текущем сезоне Александр Рамм вновь выступает в Парижской филармонии, где играет с Государственным квартетом имени Бородина, запланированы также новые концерты с Валерием Гергиевым и Михаилом Юровским.

Александр Рамм родился в 1988 году во Владивостоке. Учился в Детской музыкальной школе имени Р.М. Глиэра в Калининграде (класс С. Ивановой), Московском государственном училище музыкального исполнительства имени Ф. Шопена (класс М. Ю. Журавлевой), Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского и аспирантуре (класс виолончели профессора Н.Н. Шаховской, класс камерного ансамбля профессора А. З. Бондурянского). Совершенствовал мастерство в Берлинской высшей школе музыки имени Г. Эйслера под руководством Франса Хельмерсона.

Музыкант принимает участие во всех значительных проектах Санкт-Петербургского Дома музыки, является постоянным участником программ продвижения молодых артистов Московской филармонии, в том числе проекта «Звёзды XXI века» в Москве и в регионах России, выступает в концертах Московского Пасхального фестиваля.

Александр гастролирует во многих городах России, Литвы, Швеции, Австрии, Финляндии, Франции, Германии, Великобритании, Болгарии, Японии, ЮАР и других стран. Сотрудничал с известными дирижёрами, среди которых Валерий Гергиев, Михаил Юровский, Владимир Юровский, Владимир Спиваков, Владимир Федосеев, Александр Лазарев, Александр Сладковский, Станислав Кочановский.

Благодаря меценатам, почитателям классической музыки, семье Schreve (Амстердам) и Елене Лукьяновой (Москва) с 2011 года Александр Рамм играет на инструменте кремонского мастера Габриэля Жебрана Якуба.

Филипп Копачевский

Лауреат международных конкурсов, солист Московской филармонии, пианист Филипп Копачевский снискал любовь и признание публики. Его концерты проходят в Великобритании, Германии, Австрии, Швейцарии, США, Нидерландах, Франции, Италии, Греции, Польше, Испании, Черногории, Эстонии, Литве и во многих городах России. Особую популярность Филипп приобрел в Японии, где по заказу телекомпании NHK записал диск с произведениями Шопена.

Филипп Копачевский родился в 1990 году в Москве. Окончил Центральную музыкальную школу, Московскую консерваторию и аспирантуру (класс профессора Сергея Доренского). Лауреат восьми международных конкурсов, в том числе Х Конкурса пианистов имени Шуберта (Германия) и Конкурса пианистов в Энсхеде (Нидерланды). Выступает с Госоркестром России имени Светланова, Симфоническим оркестром Мариинского театра, Большим симфоническим оркестром имени Чайковского, Российским национальным оркестром, Национальным филармоническим оркестром России, Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия», Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии, Академическим симфоническим оркестром Санкт-Петербургской филармонии, оркестром Московского театра «Новая Опера», Английским камерным оркестром, оркестрами Sinfonia Varsovia, Filarmonica de Toscanini, Миланским симфоническим оркестром имени Верди, Национальным оркестром Иль-де-Франс и другими.

Участник многих международных фестивалей, в том числе Фортепианного фестиваля в Майами, Arts Naples World Festival (США), международного фестиваля фирмы «Стейнвей» (США), в Анси и Кольмаре (Франция), памяти Ростроповича (Баку), «Балтийские сезоны» (Калининград), «Владимир Спиваков приглашает», «Звезды на Байкале», Crescendo, «Денис Мацуев приглашает», имени А.Д. Сахарова (Нижний Новгород), памяти В. Лотар-Шевченко (Новосибирск). Принимал участие в мировой премьере балета Without хореографа Бенджамина Мильпье на сцене Мариинского театра. Среди партнеров Копачевского по камерному ансамблю — Давид Герингас, Дмитрий Ситковецкий, Юлиан Рахлин, Павел Нерсесьян, Александр Гиндин, Андрей Баранов, Александр Бузлов, Никита Борисоглебский, Павел Милюков, Александр Рамм, Нарек Ахназарян, Валерий Соколов, Борис Андрианов и другие.

Сотрудничал с известными дирижерами, среди которых Мстислав Ростропович, Валерий Гергиев, Владимир Спиваков, Михаил Плетнев, Юрий Башмет, Александр Дмитриев, Станислав Кочановский, Конрад ван Альфен, Чарльз Оливьери-Монро, Евгений Бушков, Максим Венгеров, Пол Уоткинс. На сцене Концертного зала имени Рахманинова «Филармония-2» исполнил в один вечер все фортепианные концерты Чайковского в сопровождении Госоркестра России имени Светланова (дирижер — Станислав Кочановский). В сезоне 2016/2017 дал сольный концерт в Большом зале консерватории. Выпустил два альбома сочинений композиторов-романтиков, работает над записью произведений Брамса. Участник проекта «Звезды XXI века» Московской филармонии, один из наиболее востребованных ее солистов.

Александр Сладковский

Народный артист России Александр Сладковский — выпускник Московской и Санкт-Петербургской консерваторий. Лауреат III Международного конкурса имени Прокофьева. Как дирижёр дебютировал в Государственном театре оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории оперой В.А. Моцарта «Так поступают все женщины». Был главным дирижёром Симфонического оркестра Государственной академической Капеллы Санкт-Петербурга, работал также с Российским национальным оркестром. В 2005 году был приглашён Марисом Янсонсом в качестве ассистента для постановки оперы «Кармен» Бизе, а в 2006 году — Мстиславом Ростроповичем для участия в постановке программы «Неизвестный Мусоргский» (обе постановки — в Санкт-Петербургской консерватории). С 2006 по 2010 год являлся дирижёром Государственного симфонического оркестра «Новая Россия» под управлением Юрия Башмета.

С 2010 года Сладковский — художественный руководитель и главный дирижёр Государственного симфонического оркестра Республики Татарстан. За семь лет работы в ГСО РТ маэстро радикально изменил ситуацию в коллективе, значительно повысив его статус в музыкально-общественной жизни Республики Татарстан и всей страны. ГСО РТ под руководством Сладковского — первый российский региональный коллектив, чьи выступления записаны на телеканалах Medici.tv и Mezzo. В 2016 году оркестр впервые за свою историю дал концерты в рамках Европейского тура в Брукнерхаусе (Линц) и в Золотом зале Музикферайна (Вена).

Оркестры под управлением Сладковского принимали участие в крупных международных и федеральных проектах и фестивалях, среди которых «Музыкальный Олимп», «Петербургская музыкальная весна», фестиваль Юрия Темирканова «Площадь искусств», «Черешневый лес», Всероссийский конкурс оперных певцов Ирины Богачёвой, фестиваль «Родион Щедрин. Автопортрет» (2002), Young Euro Classic (Берлин), XII и XIII Московские Пасхальные фестивали, Crescendo, Музыкальный фестиваль земли Шлезвиг-Гольштейн, Веймарский фестиваль искусств, Будапештский весенний фестиваль, V Фестиваль симфонических оркестров мира, XI Woerthersee Classics Festival (Клагенфурт, Австрия), «Безумный день в Японии», «Хибла Герзмава приглашает», «Опера априори», Братиславский музыкальный фестиваль, «День России в мире — Russian Day» (Виктория-холл, Женева) и другие.

Сладковский — основатель и художественный руководитель музыкальных фестивалей «Рахлинские сезоны», «Белая сирень», «Казанская осень», Concordia, «Денис Мацуев у друзей», «Творческое открытие», «Мирас». В 2012 году он осуществил запись «Антологии музыки композиторов Татарстана» и альбома «Просветление» на лейблах Sony Music и RCA Red Seal Records. В апреле 2014 года ГСО РТ под управлением Александра Сладковского выступил в штаб-квартире ЮНЕСКО в Париже на церемонии присвоения Денису Мацуеву звания Посла доброй воли. В сезоне 2014/15 Александр Сладковский с ГСО РТ выступил в Большом театре России в рамках юбилейного концерта, посвящённого 10-летию фестиваля Crescendo, и в Санкт-Петербурге, где прошёл первый гастрольный абонемент из трёх концертов на сцене Концертного зала Мариинского театра.

Сладковский — артист международного концертного агентства IMG Artists. В июне 2015 года награждён памятным знаком — медалью «Николай Римский-Корсаков», в октябре Президент Республики Татарстан Рустам Минниханов вручил Сладковскому орден «Дуслык» — «Дружба». В 2016 году под управлением маэстро на фирме «Мелодия» записаны три симфонии Малера, а также все симфонии и концерты Шостаковича. В 2016 году Александр Сладковский назван «Дирижёром года» по версии национальной газеты «Музыкальное обозрение» и «Человеком года в культуре» по версии журналов «Деловой квартал» и электронной газеты «Бизнес Online».

Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан

Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан входит в число лучших коллективов России. С тех пор, как в 2010 году его возглавил Александр Сладковский, он стал одним из самых динамично развивающихся отечественных оркестров. Наряду с абонементными концертами в Московской филармонии, в нынешнем сезоне у оркестра — персональный абонемент в Большом зале Московской консерватории и выступления в Концертном зале Мариинского театра.

Идея создания симфонического оркестра в Татарстане принадлежала председателю Союза композиторов Татарстана, ректору Казанской государственной консерватории Назибу Жиганову. По его инициативе в Казань был приглашён дирижёр Натан Рахлин, возглавивший новый коллектив. После смерти Рахлина в 1979 году с оркестром работали Ренат Салаватов, Сергей Калагин, Равиль Мартынов, Имант Коциньш. В 1985 году на должность художественного руководителя и главного дирижёра был приглашён народный артист России и Казахской ССР Фуат Мансуров, проработавший в оркестре 25 лет. В 2010 году художественным руководителем и главным дирижёром был назначен заслуженный артист России Александр Сладковский, с которым оркестр начал свой 45-й сезон. С его приходом начался новый этап в истории оркестра.

Организованные оркестром международные музыкальные фестивали — «Рахлинские сезоны», «Белая сирень», «Казанская осень», Concordia, «Денис Мацуев у друзей», «Творческое открытие», «Мирас» — признаны одними из самых ярких событий в культурной жизни Татарстана и России. Оркестр учредил проект «Достояние республики» для одарённых воспитанников музыкальных школ и студентов консерватории, образовательный проект для школьников Казани «Уроки музыки с оркестром», цикл «Исцеление музыкой» для инвалидов и тяжело больных детей.

Сегодня концерты с участием оркестра с успехом проходят в Москве, Перми, Оренбурге, Иркутске, Сочи, Тюмени в рамках фестивалей Сrescendo, «Звёзды на Байкале», «Оренбургские сезоны Дениса Мацуева», «Черешневый лес», «Безумный день в Японии», «Хибла Герзмава приглашает», «Опера Априори» и других. С оркестром сотрудничают известные солисты — Ольга Бородина, Хибла Герзмава, Суми Йо, Симона Кермес, Альбина Шагимуратова, Анна Бонитатибус, Динара Алиева, Пласидо Доминго, Роберто Аланья, Дмитрий Хворостовский, Ильдар Абдразаков, Владимир Спиваков, Виктор Третьяков, Вадим Репин, Николай Цнайдер, Леонидас Кавакос, Сергей Крылов, Гидон Кремер, Алена Баева, Юрий Башмет, Давид Герингас, Михаил Плетнёв, Денис Мацуев, Борис Березовский, Барри Дуглас, Николай Луганский, Александр Торадзе, Екатерина Мечетина, Игорь Бутман, Сергей Накаряков, Алексей Огринчук, Игорь Фёдоров. В 2016 в рамках Европейского тура оркестр впервые выступил в Брукнерхаусе (Линц) и в Золотом зале Музикферайна (Вена).

В 2012 на лейблах Sony Music и RCA Red Seal вышли «Антология музыки композиторов Татарстана» и альбом «Просветление» с симфонией «Манфред» Чайковского и симфонической поэмой «Остров мёртвых» Рахманинова. C 2013 года оркестр является артистом Sony Music Entertainment Russia. В 2016 совместно с фирмой «Мелодия» оркестр записал три симфонии Малера, а также все симфонии и инструментальные концерты Шостаковича. Оркестр стал первым российским региональным коллективом, чьи выступления записаны телеканалами Medici.tv и Mezzo.

Морис Равель

Жозеф Морис Равель (7 марта 1875 — 28 декабря 1937) — французский композитор-импрессионист, дирижер, один из реформаторов музыки XX века. Морис Равель родился 7 марта 1875 года в городе Сибур на юге Франции (ныне департамент Атлантические Пиренеи). В 1882 году начал заниматься фортепиано у Анри Гиза, с 1887 года занимался гармонией у Шарля Рене. Город Сибур находился на самой границе с Испанией, где в это время служил его отец инженер-путеец, страстный любитель музыки, прививший эту любовь своему сыну.

В 1889 году Равель поступил в Парижскую консерваторию, которую закончил по классу фортепиано. Молодому музыканту очень много помогал его учитель Шарль де Берио, известный пианист того времени. Однако интерес к импровизации, созданию композиции появился у Равеля после знакомства с творчеством «подпольного» родоначальника музыкального импрессионизма и просто экстравагантного композитора Эрика Сати, а также личной встречи с другим композитором и пианистом Рикардо Виньесом. Именно после этого у Мориса появилась страсть к сочинительству. Спустя двадцать и тридцать лет, несмотря на сложные личные отношения, Равель неоднократно подчеркивал, сколь многим в своем творчестве он обязан Сати и называл его не иначе, как своим «Предтечей» (или Прекурсором).

На последнем году обучения он попал в класс к крупному французскому композитору Габриэлю Форе. По его инициативе Равель сочинил цикл произведений на испанские мелодии — «Хабанеру», «Павана на смерть инфанты», «Античный менуэт». После окончания консерватории за период 1900–1914 гг он пишет множество сочинений.

Когда слушаешь музыку этого композитора, то создается впечатление, будто наблюдаешь за работой художника создающего свое полотно. Однако, как и у большинства новаторов, творчество Мориса Равеля некоторое время не было признано в профессиональных академических кругах. Так, Морис Равель целых три раза подряд участвовал в конкурсе на получение Римской Премии: в 1901, 1902 и 1903 году. Первый раз он проиграл состязание Андре Капле (получив так называемую «Малую римскую премию»), второй раз — ученику профессора Шарля Леневе со знаменитым композиторским именем Эме Кунцу, и наконец, в третий раз его затмевает великий композитор по имени Рауль Лапарра, также ученик Леневе… В 1904 году Равель уже сознательно воздерживается от участия в конкурсе, чтобы собраться с силами для последней попытки. Это был последний возможный для него год, поскольку в дальнейшем он уже не мог претендовать на соискание премии ввиду того, что приближался к установленному для участников конкурса предельному возрасту — тридцати годам. Наконец, в 1905 году Морис Равель, уже широко исполняемый и известный в Париже музыкант-новатор (по совету симпатизировавшего ему Габриэля Форе) в последний раз просит допустить его к участию в конкурсе.

И вот, в результате этого, четвертого и последнего выдвижения разразилось так называемое «скандальное дело Равеля», немало укрепившее славу молодого музыканта и одновременно, покрывшее исторической позолотой французских академиков от музыки… В ответ на свою заявку Морис Равель получает уклончивый официальный отказ в допущении к конкурсу с формальной ссылкой на возрастные ограничения (которые к тому моменту еще не наступили). Таким образом, Морис Равель не смог поставить свой возрастной рекорд получения Римской Премии (и стать «самым старым» лауреатом, в противовес члену жюри и самому молодому лауреату Эмилю Паладилю). Равель не стал самым старшим (или старым) лауреатом Римской Премии. Однако истинная причина недопущения его к конкурсу лежала, разумеется, не в возрасте, а в раздражении членов жюри его «разрушительной, антимузыкальной» деятельностью, вернее говоря, импрессионистской эстетикой его ярких произведений, к тому времени уже пользовавшихся известностью (к примеру, уже много раз была исполнена его знаменитая «Игра воды»).

Комментируя решение жюри, маститый академик Эмиль Паладиль ворчал: «Мсье Равель волен считать нас бездарными рутинерами, но пусть не думает, что нас можно принимать за дураков…» Это решение Музыкального совета Академии искусств, в состав которого входили композиторы Ксавье Леру, Жюль Массне, Эмиль Паладиль, Эрнест Рейер, Шарль Леневе и директор консерватории Теодор Дюбуа, вызвало целую бурю негодования и протестов как среди музыкантов, так и около-музыкальной печати. Скандал приобрел особенно острый, «антикоррупционный» характер, когда кроме всего прочего выяснилось, что абсолютно все кандидаты на Большую Римскую Премию, допущенные к конкурсу 1905 года — являлись учениками одного и того же профессора — Шарля Леневе.

«Беспрецедентный цинизм жюри!», «Позорное решение пристрастных судей!» — примерно под такими заголовками большинство парижских газет напечатало возмущенные отклики композиторов, писателей, художников и просто любителей музыки. Сам Равель, впрочем, воспринял решение академиков внешне спокойно и почти не высказывался по этому поводу. Но известный музыкальный критик Жан Марнольд, все симпатии которого находились в сфере постепенно набирающего силу импрессионизма, выступил с разгромной статьей, кончавшейся следующей гневной тирадой: «Набор трех фамилий, названных Жаном Марнольдом по существу не был случайным, но представлял собой собрание трех символов: «Академия, Консерватория и Профессура» — вечно противостоящих всему новому и живому в искусстве. Скандал получил настолько широкий общественный резонанс, что содействовал не только резкому повышению авторитета и популярности самого Мориса Равеля, но и некоторому обновлению музыкальной жизни Парижа. В результате — многолетний директор консерватории, консерватор и ретроград Теодор Дюбуа был вынужден уйти со своего поста. На его место был назначен Габриэль Форе. Этим было положено начало нового времени в парижской консерватории, несколько освежившей затхлую атмосферу этого учреждения и одновременно встряхнувшей музыкальную жизнь Парижа.

Весной 1905 года, после «скандального дела Равеля» в жизни композитора прошла строгая черта. Равель окончательно порвал с консерваторией и академическими кругами. Не допущенный к конкурсу, он, тем не менее, вышел победителем в глазах всего музыкального и интеллектуального общества. К нему приковано всеобщее внимание, его известность возрастает буквально с каждым днем, его сочинения издаются нарасхват, исполняются в концертах, о нем говорят и спорят. Впервые Равель становится вторым лидером музыкального импрессионизма и выходит на одну высоту с Клодом Дебюсси, композитором, которого он прежде всегда уважал.

В первый же месяц войны с Германией Морис Равель попал в число мобилизуемых в действующую армию. Однако, несмотря на хорошее состояние здоровья, медицинская комиссия не приняла его ни в один род войск. Причиной тому был слишком маленький рост Равеля, не подходивший ни под один из армейских стандартов, и, как следствие, явно недостаточный для солдата вес тела. В течение трех месяцев Равель, используя все свои связи, упорно добивался, чтобы его все же приняли в действующую армию. В конце концов, в октябре 1914 года он добился своего и был принят добровольцем в автомобильный дивизион, где и прослужил шофером грузовика чуть более трех лет, сначала при инфантерии, а потом при авиационном полку. В начале 1918 года, совершенно подорвав на службе свое здоровье, он был комиссован по болезни. Патриотический порыв Равеля уже после войны не раз служил предметом для ехидных подтруниваний его вечного «учителя» и соперника, Эрика Сати, поскольку оба они, и Равель, и Сати относились к государству чрезвычайно недоверчиво и скептически:

После войны в музыке Равеля стало преобладать эмоциональное начало. Поэтому от сочинения опер он переходит к созданию инструментальных пьес и пишет сюиту «Гробница Куперена». Примерно в это же время Морис Равель знакомится со знаменитым русским продюсером и постановщиком С. Дягилевым, ставящим в Париже «Русские сезоны». Специально по его заказу ставится балет на музыку Равеля «Дафнис и Хлоя», в главной партии — В. Нижинский — великий русский танцовщик. Затем будет поставлен еще один балет, «Вальс». Сочинение после премьеры стало использоваться как отдельное произведение. Наступает время рассвета славы Мориса Равеля.

Однако популярность и известность гнетут композитора, и он переезжает из Парижа в местечко Монфор-Ламори, что в принципе не означает отказ от дальнейшей музыкальной деятельности.

Равель много гастролирует: выступает с турами в Италии, Голландии и Англии. И всюду его встречал восторженный прием благодарных почитателей. По заказу русского дирижера С. Кусевицкого Равель выполняет оркестровку «Картинок с выставки» М.П. Мусоргского. Все это происходит во время работы Мориса над самым известным его произведением «Болеро». В нем композитор пытался соединить классические традиции с ритмами испанской музыки. Замысел этого произведения принадлежит знаменитой балерине Иде Рубинштейн.

Сорасположенность частей, их строгая последовательность в развитии главной темы позволили передать танцевальную стихию испанской музыки. Знаменитая русская балерина Анна Павлова включила «Болеро» в свой репертуар. В 1925 году М. Равель завершил работу над новаторским произведением «Дитя и чудеса (волшебство)». Оно было названо оперой-балетом. Наряду с традиционными инструментами впервые прозвучал, при исполнении этого произведения, инструмент композитора — элиофон, искусно имитирующий порывы ветра.

В 1932 году Равель вновь совершает турне по Европе вместе с выдающейся пианисткой Маргаритой Лонг. В это же время он начинает работы над новым произведением — балетом «Жанна д’Арк». Однако попадает в автомобильную катастрофу, и работа прекращается. Начиная с 1933 года Равель страдал от серьезного неврологического заболевания, ставшего, возможно, последствием черепно-мозговой травмы, которую он получил в автокатастрофе. Последним произведением тяжело больного композитора были «Три песни» к первому звуковому фильму «Дон Кихот». Они были написаны для русского певца Ф.И. Шаляпина.

Композитор умер 28 декабря 1937 года в Париже после неудачно проведенной операции на головном мозге, предпринятой с целью лечения афазии. Похоронен на кладбище парижского пригорода Леваллуа-Перре.

Джордж Гершвин

Джордж Гершвин (настоящее имя Jacob Gershowitz — Яков, или Джейкоб Гершовиц) — американский композитор.

Гершвин родился 26 сентября 1898 года в нью-йоркском квартале Бруклин, в семье еврейских эмигрантов из России. Его отец был родом из Санкт-Петербурга. Настоящие имя и фамилия композитора — Янкель Гершовиц. С детства впитывавший джазовую культуру (говорят, что впервые Гершвин услышал джазовую музыку в 6 лет), он был любителем джазовых концертов и в 12 лет начал самостоятельно учиться играть на фортепиано. Много позже, став прославленным композитором, Гершвин не переставал учиться, совершенствовать свою технику. Во время таких занятий он познакомился с уникальными американскими композиторами тех лет — Генри Кауэллом, Уоллингфордом Риггером и русским профессором Джозефом Шиллингером (последний примечателен тем, что подходил к процессу сочинения музыки с математических позиций, пытаясь разработать универсальный алгоритм).

В 1914 году Гершвин начал профессионально заниматься музыкой, работая аккомпаниатором в компании Джерома Ремика. Уже через два года было выпущено первое авторское произведение молодого Гершвина — «When You Want 'Em You Can’t Get 'Em». Несмотря на то, что оно не пользовалось особым успехом публики, Гершвин привлек внимание некоторых известных бродвейских продюсеров и режиссёров. Например, Зигмунд Ромберг с радостью включил музыку Гершвина в свою оперетту «The Passing Show of 1916». В те годы Гершвин, занимаясь фортепиано, гармонией и оркестровкой, подрабатывал пианистом в ресторанах.

В 1918–1919 годах на Бродвее появилось много произведений Гершвина: «Swanee» вошла в мюзикл «Синбад» и имела ошеломляющий успех в исполнении Эла Джолсона. А постановка «La, La Lucille» 1919 года была полностью основана на сочинениях Гершвина.

В 1920–1924 годах Джордж Гершвин создавал по нескольку десятков произведений для «George White’s Scandals», а в 1922 году написал даже настоящую оперу — «Blue Monday» (известную как «135th Street»), после премьеры которой был приглашен в джаз-бэнд Пола Уайтмена в качестве композитора. Именно для Уайтмена Джордж сочинил настоящую жемчужину своего творчества — «Rhapsody in Blue» («Рапсодия в блюзовых тонах»).

В 1924 году Гершвин создал мюзикл «Lady, Be Good!», который стал первым настоящим успехом композитора на Бродвее. В этой постановке Гершвин впервые работал со своим братом Айрой Гершвином, который писал все тексты. Следующее десятилетие этот творческий союз был самым продуктивным и востребованным на Бродвее. Самым удачным их шоу было «Of Thee I Sing», 1931; за него они получили Пулитцеровскую премию, впервые присуждённую музыкальной постановке.

Самой масштабной и амбициозной работой в биографии Гершвина стала «фольклорная» опера «Porgy and Bess», 1935, поставленная по роману Дюбоса Хейворда, принимавшего участие и в написании либретто для оперы.

В начале 1937 года у него обнаружились симптомы опухоли головного мозга. Гершвина помещают в Лебенен-клинику, где он умер утром 11 июля 1937 года, не приходя в сознание после операции по удалению опухоли.