Оркестр Московской филармонии, Юрий Симонов, Валерий Афанасьев

Юрий Симонов

Юрий Симонов родился в 1941 году в Саратове. Окончил Ленинградскую консерваторию по классу альта у Ю. Крамарова (1965) и по дирижированию у Н. Рабиновича (1969). В 1966 году стал лауреатом II Всесоюзного конкурса дирижёров в Москве, а в 1967-м — главным дирижёром оркестра Кисловодской филармонии. В 1968 году Ю. Симонов становится первым советским дирижёром-победителем международного конкурса. Это произошло в Риме на Пятом конкурсе дирижёров, организованном Национальной академией Санта Чечилия. Маэстро Мравинский немедленно взял его ассистентом в Заслуженный коллектив Республики академический симфонический оркестр Ленинградской филармонии.

В январе 1969 года Ю. Симонов дебютировал в Большом театре оперой «Аида», а уже с февраля 1970 года, после его триумфального выступления на гастролях театра в Париже, был назначен главным дирижёром ГАБТа СССР и занимал этот пост в течение пятнадцати с половиной лет — рекордного срока для этой должности. Годы работы маэстро стали одним из блестящих и значимых периодов в истории театра. Под его управлением состоялись премьеры выдающихся творений мировой классики: опер «Руслан и Людмила» Глинки, «Псковитянка» Римского–Корсакова, «Так поступают все» Моцарта, «Кармен» Бизе, «Замок герцога Синяя Борода» Бартока, балетов «Золотой век» Шостаковича, «Анна Каренина» Щедрина, «Деревянный принц» Бартока. А поставленная в 1979 году опера Вагнера «Золото Рейна» ознаменовала возвращение творчества композитора на сцену театра после почти сорокалетнего отсутствия.

В 1980-е и 1990-е годы Симонов выступал с крупнейшими симфоническими оркестрами Европы, США, Канады, Японии. Участвовал во многих международных фестивалях, осуществил ряд оперных постановок в крупнейших театрах мира. В 1982 году он дебютирует оперой Чайковского «Евгений Онегин» в лондонском театре «Ковент-Гарден», а четыре года спустя там же ставит «Травиату» Верди. За ней последовали «Аида» в Бирмингеме, «Дон Карлос» в Лос-Анджелесе и Гамбурге, «Сила судьбы» в Марселе, «Так поступают все» Моцарта в Генуе, «Саломея» Р. Штрауса во Флоренции, «Хованщина» Мусоргского в Сан–Франциско, «Евгений Онегин» в Далласе, «Пиковая дама» в Праге, Будапеште и в Париже (Оpera Bastille), оперы Вагнера в Будапеште.

В начале 1990-х Симонов был главным приглашённым дирижёром Филармонического оркестра в Буэнос-Айресе (Аргентина), а с 1994 по 2002 год — музыкальным директором Бельгийского национального оркестра в Брюсселе (ONB). В 2001 году Ю. Симонов основал оркестр Liszt-Wagner в Будапеште. Вот уже более тридцати лет он является постоянным приглашённым дирижёром Венгерского национального оперного театра, в котором поставил десять опер Вагнера, включая тетралогию «Кольцо нибелунга». Кроме оперных постановок и концертов со всеми будапештскими оркестрами, маэстро с 1994 по 2008 год проводил летние международные мастер-курсы (Будапешт и Мишкольц), которые посетило более 100 молодых дирижёров из 30 стран мира. Венгерское телевидение сняло о Ю. Симонове три фильма.

Активную творческую деятельность дирижёр сочетает с преподавательской. С 1978 по 1991 год Юрий Иванович Симонов вёл класс оперно-симфонического дирижирования в Московской консерватории, с 1985 года стал профессором. С 2006 года преподаёт в Санкт-Петербургской консерватории. Проводит мастер-классы в России и за рубежом: в Лондоне, Тель-Авиве, Алма-Ате, Риге. Летом 2013, 2014 и 2017 годов Ю. Симонов поделился своим мастерством с молодыми дирижёрами на международных мастер-классах, организованных Московской филармонией.

Маэстро участвовал в работе жюри дирижёрских конкурсов во Флоренции, Токио, Будапеште. В 2011 и 2015 годах возглавлял жюри по специальности «оперно-симфоническое дирижирование» на Первом и Втором Всероссийских музыкальных конкурсах в Москве.

С 1998 года Юрий Симонов является художественным руководителем и главным дирижёром Академического симфонического оркестра Московской филармонии. За годы его работы с коллективом сыграно более двухсот программ в Москве, состоялись многочисленные гастроли по России, США, Великобритании, Германии, Испании, Китаю, Южной Корее, Японии и другим странам. Восторженная зарубежная пресса отмечала, что «Симонов извлекает из своего оркестра диапазон чувств, граничащих с гениальностью» (Financial Times), называла маэстро «неистовым вдохновителем своих музыкантов» (Time).

Дискография Ю. Симонова представлена записями на фирмах «Мелодия», EMI, Collins Classics, Cypres, Hungaroton, Le Chant du Mondе, Pannon Classic, Sonora, Tring International, а также видеофильмами его спектаклей в Большом театре (американская фирма Кultur).

Юрий Симонов — народный артист СССР (1981), профессор (1985), кавалер ордена Почёта РФ (2001), награждён «Офицерским крестом» Венгерской Республики, «Орденом Командора» Румынии и «Орденом за заслуги в культуре» Польской Республики. «Дирижёр года» по рейтингу газеты «Музыкальное обозрение» (сезон 2005/06), лауреат Премии мэрии Москвы в области литературы и искусства за 2008 год. В 2011 году был награждён орденом «За заслуги перед Отечеством» IV степени, в 2017 году — орденом «За заслуги перед Отечеством» III степени.

Людвиг ван Бетховен

Музыкальная Европа еще была полна слухами о гениальном чудо-ребенке — В.А. Моцарте, когда в Бонне, в семье тенориста придворной капеллы, родился Людвиг ван Бетховен. Крестили его 17 декабря 1770 г., назвав в честь деда, почтенного капельмейстера, выходца из Фландрии. Первые музыкальные знания Бетховен получил от отца и его сослуживцев. Отец хотел, чтобы он стал «вторым Моцартом», и заставлял сына упражняться даже по ночам. Вундеркиндом Бетховен не стал, однако довольно рано обнаружил композиторское дарование. Большое воздействие на него оказал К. Нефе, обучавший его композиции и игре на органе, — человек передовых эстетических и политических убеждений. Из-за бедности семьи Бетховен был вынужден очень рано поступить на службу: в 13 лет он был зачислен в капеллу как помощник органиста; позднее работал концертмейстером в боннском Национальном театре. В 1787 г. он посетил Вену и познакомился со своим кумиром, Моцартом, который, прослушав импровизацию юноши, сказал: «Обратите на него внимание; он когда-нибудь заставит мир говорить о себе». Стать учеником Моцарта Бетховену не удалось: тяжкая болезнь и смерть матери вынудили его спешно вернуться в Бонн. Там Бетховен обрел моральную поддержку в просвещенной семье Брейнингов и сблизился с университетской средой, разделявшей самые прогрессивные взгляды. Идеи Французской революции были с энтузиазмом встречены боннскими друзьями Бетховена и оказали сильное влияние на формирование его демократических убеждений.

В Бонне Бетховен написал целый ряд крупных и мелких сочинений: 2 кантаты для солистов, хора и оркестра, 3 фортепианных квартета, несколько фортепианных сонат (называемых ныне сонатинами). Следует отметить, что известные всем начинающим пианистам сонатины соль и фа мажор Бетховену, по мнению исследователей, не принадлежат, а только приписываются, зато другая, подлинно бетховенская Сонатина фа мажор, обнаруженная и опубликованная в 1909 г., остается как бы в тени и никем не играется. Большую часть боннского творчества составляют также вариации и песни, предназначенные для любительского музицирования. Среди них — всем знакомая песня «Сурок», трогательная «Элегия на смерть пуделя», бунтарски—плакатная «Свободный человек», мечтательная «Вздох нелюбимого и счастливая любовь», содержащая прообраз будущей темы радости из Девятой симфонии, «Жертвенная песня», которую Бетховен настолько любил, что возвращался к ней 5 раз (посл. ред. — 1824 г.). Несмотря на свежесть и яркость юношеских сочинений, Бетховен понимал, что ему необходимо серьезно учиться. В ноябре 1792 г. он окончательно покинул Бонн и переехал в Вену — крупнейший музыкальный центр Европы. Здесь он занимался контрапунктом и композицией у И. Гайдна, И. Шенка, И. Альбрехтсбергера и А. Сальери. Хотя ученик отличался строптивостью, учился он ревностно и впоследствии с благодарностью отзывался о всех своих учителях. Одновременно Бетховен начал выступать как пианист и вскоре завоевал славу непревзойденного импровизатора и ярчайшего виртуоза. В первой и последней своей длительной гастрольной поездке (1796) он покорил публику Праги, Берлина, Дрездена, Братиславы. Покровительство молодому виртуозу оказывали многие знатные любители музыки — К. Лихновский, Ф. Лобковиц, Ф. Кинский, русский посол А. Разумовский и другие, в их салонах впервые звучали бетховенские сонаты, трио, квартеты, а впоследствии даже симфонии. Их имена можно обнаружить в посвящениях многих произведений композитора. Однако манера Бетховена держаться со своими покровителями была почти неслыханной для того времени. Гордый и независимый, он никому не прощал попыток унизить свое достоинство. Известны легендарные слова, брошенные композитором оскорбившему его меценату: «Князей было и будет тысячи, Бетховен же только один». Из многочисленных аристократок — учениц Бетховена — его постоянными друзьями и пропагандистами его музыки стали Эртман, сестры Т. и Ж. Брунс, М. Эрдеди. Не любивший преподавать, Бетховен все же был учителем К. Черни и Ф. Риса по фортепиано (оба они завоевали впоследствии европейскую славу) и эрцгерцога Австрии Рудольфа по композиции.

В первое венское десятилетие Бетховен писал преимущественно фортепианную и камерную музыку. В 1792–1802 гг. были созданы 3 фортепианных концерта и 2 десятка сонат. Из них только Соната № 8 («Патетическая») имеет авторское название. Сонату № 14, носящую подзаголовок соната-фантазия, назвал «Лунной» поэт-романтик Л. Рельштаб. Устойчивые наименования укрепились также за сонатами № 12 («С Траурным маршем»), № 17 («С речитативами») и более поздними: № 21 («Аврора») и № 23 («Аппассионата»). К первому венскому периоду относятся, помимо фортепианных, 9 (из 10) скрипичных сонат (в том числе № 5 — «Весенняя», № 9 — «Крейцерова»; оба названия также неавторские); 2 виолончельные сонаты, 6 струнных квартетов, ряд ансамблей для различных инструментов (в том числе жизнерадостно-галантный Септет). С началом XIX в. начался и Бетховен как симфонист: в 1800 г. он закончил свою Первую симфонию, а в 1802 — Вторую. В это же время была написана его единственная оратория «Христос на Масличной горе». Появившиеся в 1797 г. первые признаки неизлечимой болезни — прогрессирующей глухоты и осознание безнадежности всех попыток лечения недуга привело Бетховена к душевному кризису 1802 г., который отразился в знаменитом документе — «Гейлигенштадтском завещании». Выходом из кризиса стало творчество: «…Недоставало немногого, чтобы я покончил с собой», — писал композитор. — «Только оно, искусство, оно меня удержало». 1802—12 гг. — время блестящего расцвета гения Бетховена. Глубоко выстраданные им идеи преодоления страдания силой духа и победы света над мраком после ожесточенной борьбы оказались созвучными основным идеям Французской революции и освободительных движений начала XIX в. Эти идеи воплотились в Третьей («Героической») и Пятой симфониях, в тираноборческой опере «Фиделио», в музыке к трагедии И.В. Гете «Эгмонт» в Сонате № 23 («Аппассионате»). Композитора вдохновляли также философские и этические идеи эпохи Просвещения, воспринятые им в юности. Мир природы предстает полным динамичной гармонии в Шестой («Пасторальной») симфонии, в Скрипичном концерте, в фортепианной (№ 21) и скрипичной (№ 10) сонатах. Народные или близкие к народным мелодии звучат в Седьмой симфонии и в квартетах № 7-9 (так называемых «русских» — они посвящены А. Разумовскому; Квартет №8 содержит 2 мелодии русских народных песен: использованную много позднее также и Н. Римским-Корсаковым «Славу» и «Ах, талан ли мой, талан»). Мощным оптимизмом полна Четвертая симфония, юмором и слегка иронической ностальгией по временам Гайдна и Моцарта пронизана Восьмая. Эпически и монументально трактуется виртуозный жанр в Четвертом и Пятом фортепианных концертах, а также в Тройном концерте для скрипки, виолончели и фортепиано с оркестром. Во всех этих произведениях нашел самое полное и окончательное воплощение стиль венского классицизма с его жизнеутверждающей верой в разум, добро и справедливость, выраженной на концепционном уровне как движение «через страдание — к радости» (из письма Бетховена к М. Эрдеди), а на композиционном — как равновесие между единством и многообразием и соблюдение строгих пропорций при самых крупных масштабах сочинения.

1812-15 гг. — переломные в политической и духовной жизни Европы. За периодом наполеоновских войн и подъемом освободительного движения последовал Венский конгресс (1814-15), после которого во внутренней и внешней политике европейских стран усилились реакционно—монархические тенденции. Стиль героического классицизма, выражавший дух революционного обновления конца XVIII в. и патриотические настроения начала XIX в., должен был неминуемо или превратиться в помпезно-официозное искусство, или уступить место романтизму, который стал ведущим направлением в литературе и успел заявить о себе в музыке (Ф. Шуберт). Эти сложные духовные проблемы пришлось решать и Бетховену. Он отдал дань победному ликованию, создав эффектную симфоническую фантазию «Битва при Виттории» и кантату «Счастливое мгновение», премьеры которых были приурочены к Венскому конгрессу и принесли Бетховену неслыханный успех. Однако в других сочинениях 1813—17 гг. отразились настойчивые и порой мучительные поиски новых путей. В это время были написаны виолончельные (№ 4, 5) и фортепианные (№ 27, 28) сонаты, несколько десятков обработок песен разных народов для голоса с ансамблем, первый в истории жанра вокальный цикл «К далекой возлюбленной» (1815). Стиль этих сочинений — как бы экспериментальный, со множеством гениальных находок, однако не всегда столь же цельный, как в период «революционного классицизма».

Последнее десятилетие жизни Бетховена было омрачено как общей гнетущей политической и духовной атмосферой в меттерниховской Австрии, так и личными невзгодами и потрясениями. Глухота композитора стала полной; с 1818 г. он был вынужден пользоваться «разговорными тетрадями», в которых собеседники писали обращенные к нему вопросы. Потеряв надежду на личное счастье (имя «бессмертной возлюбленной», к которой обращено прощальное письмо Бетховена от 6–7 июля 1812 г., остается неизвестным; одни исследователи считают ею Ж. Брунсвик-Дейм, другие — А. Брентано), Бетховен принял на себя заботы по воспитанию племянника Карла, сына умершего в 1815 г. младшего брата. Это привело к долголетней (1815-20) судебной тяжбе с матерью мальчика о правах на единоличное опекунство. Способный, но легкомысленный племянник доставлял. Бетховену много огорчений. Контраст между печальными, а порою и трагическими жизненными обстоятельствами и идеальной красотой создаваемых произведений — проявление того духовного подвига, который сделал Бетховена одним из героев европейской культуры Нового времени.

Творчество 1817-26 гг. ознаменовало новый взлет гения Бетховена и одновременно стало эпилогом эпохи музыкального классицизма. До последних дней сохранив верность классическим идеалам, композитор нашел новые формы и средства их воплощения, граничащие с романтическими, но не переходящие в них. Поздний стиль Бетховена — уникальный эстетический феномен. Центральная для Бетховена идея диалектической взаимосвязи контрастов, борьбы света и мрака обретает в позднем творчестве подчеркнуто философское звучание. Победа над страданием дается уже не через героическое действие, а через движение духа и мысли. Великий мастер сонатной формы, в которой прежде развивались драматические конфликты, Бетховен в поздних сочинениях нередко обращается к форме фуги, наиболее подходящей для воплощения постепенного становления обобщенной философской идеи. 5 последних фортепианных сонат (№ 28-32) и 5 последних квартетов (№ 12-16) отличаются особо сложным и утонченным музыкальным языком, требующим от исполнителей величайшей искусности, а от слушателей — проникновенного восприятия. 33 вариации на вальс Диабелли и Багатели ор. 126 также являются подлинными шедеврами, несмотря на различие в масштабах. Позднее творчество Бетховена долгое время вызывало споры. Из современников лишь немногие смогли понять и оценить его последние сочинения. Одним из таких людей стал H. Голицын, по заказу которого написаны и которому посвящены квартеты № 12, 13 и 15. Ему же посвящена увертюра «Освящение дома» (1822).

В 1823 г. Бетховен закончил «Торжественную мессу», которую сам считал своим величайшим произведением. Эта месса, рассчитанная скорее на концертное, чем на культовое исполнение, стала одним из этапных явлений в немецкой ораториальной традиции (Г. Шютц, И.С. Бах, Г.Ф. Гендель, В.А. Моцарт, И. Гайдн). Первая месса (1807) не уступала мессам Гайдна и Моцарта, однако не стала новым словом в истории жанра, как «Торжественная», в которой претворилось все мастерство Бетховена—симфониста и драматурга. Обратившись к каноническому латинскому тексту, Бетховен выделил в нем идею самопожертвования во имя счастья людей и внес в финальную мольбу о мире страстный пафос отрицания войны как величайшего зла. При содействии Голицына «Торжественная месса» впервые была исполнена 7 апреля 1824 г. в Петербурге. Месяцем позже в Вене состоялся последний бенефисный концерт Бетховена, в котором, помимо частей из мессы, прозвучала его итоговая, Девятая симфония с заключительным хором на слова «Оды к радости» Ф. Шиллера. Идея преодоления страдания и торжества света последовательно проведена через всю симфонию и с предельной ясностью выражена в конце благодаря введению поэтического текста, который Бетховен еще в Бонне мечтал положить на музыку. Девятая симфония с ее финальным призывом — «Обнимитесь, миллионы!» — стала идейным завещанием Бетховена человечеству и оказала сильнейшее воздействие на симфонизм XIX и XX вв. Традиции Бетховена восприняли и так или иначе продолжили Г. Берлиоз, Ф. Лист, И. Брамс, А. Брукнер, Г. Малер, С Прокофьев, Д. Шостакович. Как своего учителя чтили Бетховена и композиторы нововенской школы — «отец додекафонии» А. Шёнберг, страстный гуманист А. Берг, новатор и лирик А. Веберн. В декабре 1911 г. Веберн писал Бергу: «Мало вещей столь чудесных, как праздник Рождества. … Не так ли надо праздновать и день рождения Бетховена?» Немало музыкантов и любителей музыки согласились бы с этим предложением, потому что для тысяч (а может, и миллионов) людей Бетховен остается не только одним из величайших гениев всех времен и народов, но и олицетворением немеркнущего этического идеала, вдохновителем угнетенных, утешителем страждущих, верным другом в скорби и радости.

Франц Шуберт

Франц Петер Шуберт (31 января 1797, Лихтенталь, Австрия — 19 ноября 1828, Вена) — великий австрийский композитор, один из основоположников романтизма в музыке, автор около 600 песен, девяти симфоний (в том числе знаменитой «Неоконченной симфонии»), а также большого количества камерной и сольной фортепианной музыки.

Франц Петер Шуберт родился 31 января 1797 года в Лихтентале (сейчас Альзергрунд), небольшом пригороде Вены, в семье школьного учителя, по-любительски занимавшегося музицированием. Отец его происходил из крестьянской семьи. Мать была дочерью слесаря. Из пятнадцати детей в семье десятеро умерли в раннем возрасте. Франц очень рано проявил музыкальные способности. С шести лет он учился в приходской школе, а домочадцы научили его играть на скрипке и фортепиано.

В возрасте одиннадцати лет Франц был принят в Конвикт — придворную капеллу, где, кроме пения, изучал игру на многих инструментах и теорию музыки (под руководством Антонио Сальери). Оставив капеллу в 1813 году, Шуберт устроился преподавателем в школу. Изучал преимущественно Глюка, Моцарта и Бетховена. Первые самостоятельные произведения — оперу «Увеселительный замок сатаны» и мессу фа мажор — он написал в 1814 году.

Композитор умер от брюшного тифа в Вене 19 ноября 1828 года. Согласно последнему пожеланию, Шуберта похоронили на кладбище, где за год до того был погребен боготворимый им Бетховен. На памятнике выгравирована красноречивая надпись: «Смерть похоронила здесь богатое сокровище, но ещё более прекрасные надежды» В честь Шуберта назван кратер на Меркурии.

В области песни Шуберт явился продолжателем Бетховена. Благодаря Шуберту этот жанр получил художественную форму, обогатив область концертной вокальной музыки. Баллада «Лесной царь», написанная в 1816 г., принесла композитору славу. Вскоре после неё появились «Скиталец», «Похвала слезам», «Зулейка» и др.

Большое значение в вокальной литературе имеют большие сборники песен Шуберта на стихи Вильгельма Мюллера — «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь», являющиеся как бы продолжением идеи Бетховена, выраженной в сборнике песен «К далёкой возлюбленной». Во всех этих произведениях Шуберт выказал замечательный мелодический талант и большое разнообразие настроений; он дал аккомпанементу большее значение, больший художественный смысл. Замечателен также сборник «Лебединая песня», из которого многие песни приобрели всемирную известность (например, «Серенада», «Приют», «Рыбачка», «У моря»). Шуберт не старался, как его предшественники, подражать народному характеру, но в его песнях невольно отразилась национальная струя, и они стали достоянием страны. Шуберт написал почти 600 песен. Удивительный музыкальный дар Шуберта сказался и в области фортепьянной и симфонической. Его фантазии до мажор и фа минор, экспромты, музыкальные моменты, сонаты являются доказательством богатейшего воображения и большой гармонической эрудиции. В струнном квартете ре минор, квинтете до мажор, фортепианном квинтете «Форель» (часто также называется «Forellenquintett», «Форельный»), большой симфонии до мажор и незавершённой симфонии си минор Шуберт является продолжателем Бетховена. В области оперы Шуберт не был так одарен; хотя их написано им около 20, но они немного прибавят к его славе. Среди них выделяется «Заговорщики, или Домашняя война». Отдельные номера его опер (например, «Розамунды») вполне достойны великого музыканта. Из многочисленных церковных сочинений Шуберта (мессы, офертории, гимны и проч.) возвышенным характером и музыкальным богатством отличается особенно месса ми-бемоль мажор.

Музыкальная производительность Шуберта была громадна. Начиная с 1813 г. он сочинял непрестанно. В высшем кругу, куда Шуберта приглашали для аккомпанемента его вокальных сочинений, он был чрезвычайно сдержан, не интересовался похвалами и даже избегал их; среди друзей, наоборот, он высоко ценил одобрение. Из опер, исполнявшихся в то время, Шуберту всего более нравились «Швейцарское семейство» Вейгеля, «Медея» Керубини, «Иоанн Парижский» Буальдье, «Сандрильона» Изуарда и особенно «Ифигения в Тавриде» Глюка. Итальянской оперой, которая была в его время в большой моде, Шуберт интересовался мало; только «Севильский цирюльник» и некоторые отрывки из «Отелло» Россини прельщали его. Как утверждают биографы, Шуберт в своих сочинениях никогда ничего не изменял, потому что не имел для того времени. Он не щадил своего здоровья и в расцвете лет и таланта скончался в возрасте 31 года. Последний год его жизни, несмотря на расстроенное здоровье, был особенно плодотворен: именно тогда он написал симфонию до мажор и мессу ми-бемоль мажор. При жизни он не пользовался выдающимся успехом. После его смерти осталась масса рукописей, уже позднее увидевших свет (6 месс, 7 симфоний, 15 опер и проч.).

Академический симфонический оркестр Московской филармонии

Академический симфонический оркестр Московской филармонии на протяжении всей своей истории входит в число лучших отечественных симфонических оркестров и достойно представляет российскую музыкальную культуру за рубежом. Свидетельство тому — горячий приём публики, неизменно сопровождающий выступления коллектива, и восторженные отклики журналистов и критиков.

Оркестр создан в сентябре 1951 года при Всесоюзном радиокомитете, а в 1953 году вошёл в штат Московской филармонии. Художественный облик и исполнительская манера коллектива формировались под руководством прославленных отечественных дирижёров. Первым художественным руководителем и главным дирижёром коллектива был Самуил Самосуд (1951–1957). В 1957–1959 гг. под руководством Натана Рахлина за коллективом закрепилась слава одного из лучших в СССР. В 1958 году на I Международном конкурсе имени П.И. Чайковского оркестр под руководством Кирилла Кондрашина сопровождал триумфальное выступление Вана Клиберна, а затем, в 1960 году, первым из отечественных симфонических коллективов совершил гастроли по США. Кирилл Кондрашин возглавлял Симфонический оркестр Московской филармонии 16 лет (1960–1976). В 1973 году оркестру было присвоено почётное звание «академический». В дальнейшем Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии руководили Дмитрий Китаенко (1976–1990), Василий Синайский (1991–1996), Марк Эрмлер (1996–1998).

Коллектив выступал под управлением лучших дирижёров мира, среди которых Герман Абендрот, Курт Зандерлинг, Андре Клюитанс, Лорин Маазель, Игорь Маркевич, Зубин Мета, Шарль Мюнш и многие другие, а также крупнейших композиторов: Игоря Стравинского, Бенджамина Бриттена, Кшиштофа Пендерецкого. С филармоническим оркестром связан единственный дирижёрский опыт Святослава Рихтера.

С оркестром Московской филармонии играли практически все крупнейшие солисты второй половины XX — начала XXI вв.: Артуро Бенедетти Микеланджели, Эмиль Гилельс, Гленн Гульд, Леонид Коган, Владимир Крайнев, Иегуди Менухин, Давид Ойстрах, Николай Петров, Святослав Рихтер, Мстислав Ростропович, Артур Рубинштейн, Исаак Стерн, Наум Штаркман; Элисо Вирсаладзе, Наталия Гутман, Маурицио Поллини.

В 1998 году оркестр возглавил народный артист СССР Юрий Симонов. Под его руководством коллектив добился выдающихся творческих достижений. «Такой оркестровой музыки в этом зале давно не звучало — живописно-зримой, строго выверенной драматургически, насыщенной тончайшими оттенками чувств… Знаменитый оркестр предстал преображённым, чутко воспринимающим каждое движение Юрия Симонова», — такие отзывы можно было прочесть в прессе спустя всего лишь год после начала совместной работы дирижёра и оркестра.

Маэстро Симонов и оркестр Московской филармонии часто выступают в России (за последние десять лет они дали концерты в 38 городах), участвуют в престижных музыкальных форумах. В первой половине сезона 2017/18 оркестр выступит в Челябинске и Снежинске, совершит гастроли в Южной Корее и Гонконге, примет участие в XVIII Международном телевизионном конкурсе юных музыкантов «Щелкунчик».

Одним из приоритетов оркестра Московской филармонии является работа с новым поколением музыкантов. В рамках абонемента «Звезды XXI века» прославленный коллектив сотрудничает с одарёнными солистами, начинающими путь на большую сцену, а также приглашает в свои филармонические абонементы молодых артистов.

Деятельность дирижёра и оркестра в значительной степени направлена на воспитание юных слушателей. Огромную популярность завоевал абонементный цикл «Сказки с оркестром», проходящий в Москве и во многих городах России с участием звёзд российского театра и кино. Среди них — Марина Александрова, Мария Аронова, Алена Бабенко, Сергей Безруков, Анна Большова, Ольга Будина, Валерий Гаркалин, Сергей Гармаш, Нонна Гришаева, Екатерина Гусева, Евгения Добровольская, Михаил Ефремов, Евгений Князев, Авангард Леонтьев, Павел Любимцев, Дмитрий Назаров, Александр Олешко, Ирина Пегова, Михаил Пореченков, Евгения Симонова, Григорий Сиятвинда, Даниил Спиваковский, Юрий Стоянов, Виктория Толстоганова, Михаил Трухин, Геннадий Хазанов, Чулпан Хаматова, Сергей Шакуров. Этот проект принёс маэстро Симонову звание лауреата Премии мэрии Москвы в области литературы и искусства за 2008 год. В 2010 году Юрий Симонов и Академический симфонический оркестр Московской филармонии стали лауреатами Премии национальной газеты «Музыкальное обозрение» в номинации «Дирижёр и оркестр».

Под руководством Юрия Симонова оркестр с огромным успехом гастролирует по всему миру, будучи желанным гостем в самых престижных залах Европы, Азии, Северной Америки. «Гастроли Симфонического оркестра Московской филармонии, кроме прочего, постоянно вызывают в памяти те времена, когда некоторые дирижёры буквально царствовали над музыкальными коллективами, а известнейшие оркестры мира имели в своем арсенале неизменный идеал звука… Почти необъятный объём медных и пленительные переливы смычковых заставляли всех снова и снова изумляться», — писала о выступлениях оркестра франкфуртская Allgemeine Zeitung. Комментатор американской The New York World–Telegram & Sun отметил: «Это было потрясающе. И музыка, и исполнение. Оркестр продемонстрировал чудеса виртуозности».

Известный британский музыкальный критик Дэвид Ферриби высказался об одном из концертов оркестра во время гастролей весной 2014 года как о «сенсационном вечере, во время которого мы наслаждались Московским филармоническим оркестром… Аутентично русский звук: насыщенное vibrato струнных, дерзкие медные, деликатные деревянные духовые, соблазнительные арфы и подавляющий массив ударных… Как результат — захватывающее звучание всех групп оркестра…»

В последние годы с оркестром выступали выдающиеся музыканты современности: Валерий Афанасьев, Юрий Башмет, Борис Березовский, Юджа Ванг, Максим Венгеров, Штефан Владар, Хибла Герзмава, Давид Герингас, Барри Дуглас, Суми Йо, Лора Клейкомб, Александр Князев, Николай Луганский, Олег Майзенберг, Денис Мацуев, Екатерина Мечетина, Виктория Муллова, Вадим Репин, Сергей Ролдугин, Дмитрий Ситковецкий, Виктор Третьяков; дирижёры Лучано Акочелла, Семён Бычков, Александр Ведерников, Михаэль Гюттлер, Александр Дмитриев, Марко Замбелли, Томас Зандерлинг, Александр Лазарев, Андрес Мустонен, Василий Петренко, Владимир Понькин, Бенжамин Пьоннье, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский, Саулюс Сондецкис, Антонино Фольяни, Марис Янсонс и многие другие.

Оркестр записал более 350 пластинок и компакт-дисков, многие из которых удостоены высших международных наград в области аудиозаписи.