НФОР, дирижер Чарльз Оливьери-Монро

Радек Баборак

Радек Баборак — один из наиболее исключительных валторнистов наших дней, победитель Международного конкурса ARD в Мюнхене, лауреат конкурса в Женеве и многих других международных конкурсов, бывший главный валторнист знаменитого Берлинского филармонического оркестра (2003-2010).

Он часто выступает как солист с ведущими оркестрами мира под управлением знаменитых дирижеров и с сольными концертами. Его репертуар включает практически все сочинения для валторны от барокко до наших дней.

В возрасте 18 лет, без прослушивания, Радек Баборак получил приглашение занять пост главного валторниста знаменитого Чешского филармонического оркестра (1994–1996). С 1996 по 2000 год он являлся главным валторнистом Мюнхенского филармонического оркестра, с 2000 по 2003 работал по эксклюзивному контракту с Бамбергским симфоническим оркестром.

В 2003 году Р. Баборак занял пост главного валторниста Берлинского филармонического оркестра. С этим знаменитым коллективом в числе других концертов он выступал как солист на Зальцбургском Пасхальном фестивале, в знаменитом пражском Estate Theatre и, конечно, в концертном зале Берлинской филармонии. Радек Баборак также сотрудничал (выступал и записывался) со многими лидирующими оркестрами мира: Берлинским филармоническим оркестром, Немецким симфоническим оркестром Берлина, Симфоническим оркестром Баварского радио, Мюнхенским филармоническим оркестром, Симфоническим оркестром Бамберга, Ансамблем Академии Баха в Штутгарте, Чешским филармоническим оркестром, Пражским симфоническим оркестром, Пражским камерным филармоническим оркестром, Лондонским Королевским филармоническим оркестром, Оркестром Радио Франции, Филармоническим оркестром Страсбурга, Оркестром Зальцбургского Моцартеума, Камерным оркестром Ференца Листа (Венгрия), Симфоническим оркестром Словенского радио и телевидения, Оркестром Французской Швейцарии, Симфоническим оркестром Испанского радио и телевидения, Филармоническим оркестром Хельсинки, Симфоническим оркестром Орхуса, Санкт-Петербургским филармоническим оркестром, Симфоническим оркестром NHK, Новым Японским филармоническим оркестром, Камерным оркестром Mito, Saito Kinen Orchestra; с такими дирижерами, как Джеймс Ливайн, Сейджи Озава, Даниэль Баренбойм, сэр Саймон Рэттл, Неэме Ярви…

Он также много исполняет камерную музыку. Его коллеги по ансамблю — многие знаменитые музыканты: Ефим Бронфман, Андраш Шифф, Иэн Бостридж, Эммануэль Паю, Альбрехт Майер, Гай Браунштайн, Лоренц Настурица, Томас Квастхофф, солисты Венского филармонического и Берлинского филармонического оркестров.

Р. Баборак также являлся участником Berliner Wind Soloists и Berliner Horn Octet. Как солист выступает с Berliner Baroque Orchestra. С 1996 года он — лидер квинтета Afflatus, с которым он выиграл еще одну первую премию на Международном конкурсе ARD в Мюнхене (1997). В 2008 году Р. Баборак основал Czech Horn Chorus — с целью поддержки традиций чешской валторновой школы, имеющей 300-летнюю историю. В 2010 году Р. Баборак основал ансамбль The Czech Sinfonietta, в который вошли видные чешские солисты и специалисты по камерной музыке (является его артистическим директором и дирижером). Также Р. Баборак возглавляет «Ансамбль Радека Баборака», выступает в дуэтах с Йоко Кикучи (фортепиано), Яной Боушковой (арфа), Йиржи Бартой (виолончель). Работал в качестве доцента при Фонде Артуро Тосканини, являлся приглашенным профессором Университета TOHO в Токио, Школе музыки королевы Софии в Мадриде. Сейчас преподает в Пражской Академии искусств.

Богатая дискография музыканта включает высоко оцененные записи для лейблов Octavia Records, Supraphon, EMI Classics, Arte Nova, Sony Music Classical и других.

Радек Баборак начал обучаться игре на валторне в возрасте 8 лет в своем родном городе Пардубице под руководством профессора Карела Кршенека, который подготовил его к победам на национальных конкурсах. В возрасте 12 лет Радек стал абсолютным победителем конкурса Concertino Praga (1989). В 1989 году он продолжил обучение в Пражской консерватории у знаменитого чешского валторниста, профессора Бедржиха Тылшара (окончил в 1994 году). Будучи студентом, Радек завоевал третью премию на фестивале «Пражская весна» (1992), был удостоен Unesco Grand Prix и многих других международных наград, включая вторую премию на конкурсе в Женеве (1993), первую премию на ARD Munich Competition (1994), позднее — Classical Grammy Award (1995) и Davidoff Prix (2000).

Чарльз Оливьери-Монро

Чарльз Оливьери-Монро является сегодня одной из ключевых фигур музыкальной жизни Чехии. Дирижер регулярно выступает с ведущим коллективом страны — Чешским филармоническим оркестром, на фестивале «Пражская весна» и фестивале имени Бетховена в Теплице. С 1997 года Ч. Оливьери-Монро возглавляет Северо-чешский филармонический оркестр, который под его руководством вышел на совершенно новый международный уровень. С этим оркестром дирижер представил множество мировых премьер ранее не исполнявшихся или утерянных произведений знаменитых чешских композиторов: Б. Мартину, Б. Сметаны, Л. Яначека (оригинальная версия оперы «Енуфа») и К. Анчерла, а также новых сочинений, написанных специально для коллектива. Также были сделаны записи на лейблах Sony, RCA Red Seal, NAXOS, SMS Classical и Naive Records, которые были высоко оценены международными критиками и звучат сегодня на многих классических радиостанциях мира. Также Чарльз Оливьери-Монро является профессором дирижерского факультета Пражской академии исполнительских искусств.

Международная критика уже давно признала в Чарльзе Оливьери-Монро выдающегося интерпретатора «славянского репертуара» и автора редких концертных программ. А авторитетное немецкое издание Suddeutche Zeitung, отмечая в нем «уникальное сочетание таланта и харизмы», заявило, что видит в этом молодом дирижере «сочетание Фуртвенглера и молодого Караяна».

Ч. Оливьери-Монро выступал во многих странах мира, со многими выдающимися коллективами, включая Израильский филармонический оркестр, Чешский филармонический оркестр, симфонические оркестры Монреаля и Торонто, Берлинский немецкий симфонический оркестр и Филармонический оркестр Франкфурта, Оркестр Итальянской Швейцарии и Голландский симфонический оркестр Амстердама, Оркестр Эстремадуры (Испания) и Национальный оркестр Земель Луары (Франция), Королевский филармонический оркестр Брюсселя и Тонкюнстлероркестр Вены, Заслуженный коллектив России Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии и Академический симфонический оркестр Московской филармонии, Оркестр «Симфония-Варсовия» и Симфонический оркестр Польского радио, Балтийский филармонический оркестр и Филармонический оркестр Варшавы, Симфонический оркестр Будапешта и Филармонический оркестр Юго-западной Германии, Симфонический оркестр Датского радио и Симфонический оркестр Оденсе, Государственный симфонический оркестр Мексики и симфоническим оркестром Сантьяго (Чили), Пражский камерный оркестр и оркестр Пражской национальной оперы, Симфонический оркестр Орегона и Симфонический оркестр Сиднея, Новый Японский филармонический оркестр и Израильский камерный оркестр, а также оркестры Нью-Йорка, Мадрида, Лиссабона, Бухареста, Афин, Загреба, Белграда, Бремена, Дессау, Оденсе, Стамбула, Анкары, Токио, Нагои, Сеула, Тайпея. Занимал пост главного дирижера фестиваля в Крестед Бьютт (Колорадо, США, 2008), художественного руководителя Межрегионального симфонического оркестра Германии (2008), главного дирижера Симфонического оркестра Словацкого радио (Братислава, 2001-2004). С 2005 года является постоянным дирижером Texas Round Top Festival Institute.

С 2011 года Чарльз Оливьери-Монро занимает пост главного дирижера Филармонического оркестра Южной Вестфалии.

Чарльз Оливьери-Монро родился на Мальте в 1969 году. В 1971 году его семья переехала в Торонто (Канада), где он учился по классу фортепиано у Бориса Берлина в Королевской консерватории и в Университете Торонто. После окончания учебы в 1992 году, Оливьери-Монро выиграл три стипендии Ontario, которые позволили ему обучаться дирижированию у Отакара Трглика в Академии музыки имени Яначека в Брно (Чехословакия), которую он окончил в 1994 году. Он также занимался у Иржи Белоглавека и Рудольфа Баумгартнера, стажировался в Академии музыки Киджиана в Сиене (Италия, 1995-1996) у Ильи Мусина, Юрия Темирканова и Мюнг Вун Чунга. Во время обучения являлся ассистентом дирижера Филармонического оркестра Брно и Симфонического оркестра Карловых Вар.

Международная карьера дирижера получила решающий импульс благодаря серии блестящих выступлений на международных конкурсах: имени Дину Никулеску в Румынии, имени Антонио Педротти в Италии, имени Ловро фон Матачича в Загребе (Хорватия), имени Гжегожа Фительберга в Катовице (Польша), имени Николая Малько в Копенгагене. Кульминацией конкурсных триумфов Чарльза Оливьери-Монро стало завоевание Первой премии на Международном конкурсе дирижеров «Пражская весна» (2000), где он также стал обладателем призов от Supraphon Records, города Праги и Чешского Радио. В 1997 году Чарльз Оливьери-Монро был удостоен гранта Канадского министерства культуры.

Выступая с ведущими симфоническими коллективами мира, Чарльз Оливьери-Монро состоялся и как оперный дирижер. С 1992 по 1994 год он занимал должность главного приглашенного дирижера в Камерной опере Брно, где представлял разнообразные проекты, такие как спектакль «Ацис и Галатея» Генделя или опера чешского композитора Ильи Гурника «Диоген». Выступал также в Берлинской комической опере («Фальстаф» Верди), в Il Teatro La Fenice в Венеции, на фестивале озера Комо («Аида» Верди), в Амстердаме (проект «Тело и Голос» совместно с Нидерландским национальным балетом), Милане («Дон Жуан» Моцарта и «Риголетто» Верди), Колорадо (новая постановка оперы «Фальстаф»). Сотрудничает с Пражской национальной оперой и Пражской государственной оперой. Занимал должность музыкального директора Варшавской камерной оперы, где дирижировал новой постановкой оперы Стравинского «Похождения повесы». В 2012 году Чарльз Оливьери-Монро представил оперу Стравинского «Соловей» на сцене Варшавского национального театра. В 2013 году он продирижировал новой постановкой оперы Э. Корнгольда «Виоланта» в Национальной опере Брно.

Записывался с Пражским камерным оркестром, Симфоническим оркестром Словацкого радио и Северо-чешским филармоническим оркестром (произведения С. Прокофьева, К. Сен-Санса, В. Мартинса, К.М. Вебера, Р. Шумана, И. Брамса). Недавно Чарльз Оливьери-Монро выпустил компакт-диск совместно с Чешским филармоническим оркестром и виолончелистом Дэниелом Ли (Sony classical), в который вошли сочинения Чайковского, Бруха, Дворжака, Шуберта и Э. Морриконе.

В сезоне 2012/13 дирижер выступал с оркестрами Чешского радио, Квебека, Бремена, Оденсе, Мехико, Кракова, Литовским симфоническим оркестром. В ноябре 2012 года состоялся дебют Ч. Оливьери-Монро на сцене театра Arena di Verona, а в марте 2013 года он дебютировал в Австралии в Sydney Opera House с Симфоническим оркестром Сиднея.

Антонин Дворжак

Антонин Леопольд Дворжак (8 сентября 1841 — 1 мая 1904) — чешский композитор, автор знаменитой оперы «Русалка», симфонии «Из Нового Света» (написанной в США, где Дворжак долгое время работал), восьми других симфоний, концертов, многих других сочинений. В его произведениях широко используются мотивы и элементы народной музыки Моравии и Богемии.

Антонин Дворжак родился в 1841 году в местечке Нелагозевес близ Праги, где и прожил большую часть своей жизни. Его отец Франтишек Дворжак был мясником, трактирщиком и профессиональным исполнителем на цитре. Родители рано распознали музыкальное дарование ребенка, и решили как можно раньше начать развитие его таланта. С шести лет Дворжак начал посещать деревенскую музыкальную школу. С 1857 по 1859 гг. он учится в Пражской школе органистов, где постепенно становится виртуозным исполнителем на скрипке и альте.

В течение 1860-х Дворжак служит альтистом в оркестре Чешского провизионного театра. С 1866 года этот оркестр принимает под управление Бедржих Сметана. Постоянная необходимость в дополнительном заработке оставляла молодому музыканту мало времени, и в 1871 году он покидает оркестр ради написания музыки.

В это время Дворжак влюбляется в одну из своих учениц — Жозефину Чермякову, которой посвящает один из своих вокальных сборников «Кипарисы». После ее женитьбы на другом кавалере, Антонин делает предложение ее сестре Анне. В его супружестве с Анной родились девять детей.

В эти годы получает широкое признание композиторский талант Дворжака. Став органистом в церкви св. Адальберта в Праге, он с головой погружается в плодотворную композиторскую работу. В 1875 году он заканчивает работу над вторым струнным квинтетом. В 1877 году критик Эдуард Ганслик сообщил Дворжаку, что его работы привлекли внимание Брамса, с которым они позднее стали друзьями. Именно Брамс решил дать толчок развитию творчества Дворжака, связавшись с музыкальным издателем Ф. Зимроком, который заказал Дворжаку первый сборник «Славянских танцев». Опубликованный в 1878 году, он сразу же воспользовался популярностью. Первое произведение Дворжака, исполненное за границей — Stabat Mater (1880 г.).

После успеха этого произведения у британских слушателей в 1883 году, Дворжак был приглашен в Лондон, где в 1884 году выступил с большим успехом. Его симфония № 7 была написана специально для британской столицы, где состоялась ее премьера в 1885 году. В общей сложности, Дворжак посещал Великобританию девять раз, зачастую он лично дирижировал оркестрами, исполнявшими его произведения. Под влиянием П.И. Чайковского он посещает Россию в 1890 году. В Москве и Санкт-Петербурге он дирижирует оркестрами, исполняющими его музыку.

В 1891 году Дворжак получает почетное звание от Кембриджского университета. В этом же году состоялась премьера его Реквиема на музыкальном триеннале в Бирмингеме.

С 1892 по 1895 гг. Дворжак является дирижёром Национальной консерватории в Нью-Йорке. Здесь он встречает одного из первых афроамериканских композиторов — Харли Берлея, который знакомит Дворжака с американской музыкой в стиле Спиричуэл.

В течение зимы и весны 1893 года Дворжак создаёт свою знаменитую Симфонию № 9 «Из Нового света». Летом того же года он посещает чешскую диаспору в Спиллвилле, штат Айова. Здесь, будучи окружённым эмигрировавшими родственниками и земляками, он создаёт 2 струнных квартета и сонатину для фортепиано со скрипкой. В течение трёх месяцев 1895-го года он работает над скрипичным концертом в си-бемоль миноре.

Материальная неопределенность, наряду с растущей популярностью в Европе и тоской по дому, подвигли Дворжака вернуться в Чехию.

В свои последние годы Дворжак сконцентрировался на написании оперной и камерной музыки. В 1896 году он в последний раз посетил Лондон, где присутствовал на премьере своего скрипичного концерта в си-бемоль-миноре.

Дворжак сменил Антонина Бенневица на посту дирижера Пражской консерватории, который и занимал до своей смерти. 60-летие композитора отмечалось с размахом национального праздника.

Он скончался в 1904 году от сердечного приступа.

Дворжак оставил множество незаконченных произведений, в том числе концерт для скрипки в ля-мажоре.

Роберт Шуман

Для того, чтобы составить себе ясное представление о немецком романтизме первой половины ХIХ века, достаточно послушать «Карнавал» Роберта Шумана. В его музыке причудливо соединились мятежный дух, нетерпеливая страстность и гордая мужественность, тонкий лиризм, капризная изменчивость нескончаемого потока чувств, впечатлений, мыслей и тщательно скрываемая ирония. В своих автокомментариях Шуман нередко пользовался немецким словом «Innerlichkeit». Томас Манн связывал с этим понятием «нежность, глубину душевной жизни. Отсутствие суетности, благоговейное отношение к природе, бесхитростную честность мысли и совести, — короче говоря, все черты высокого лиризма».

Сын книготорговца и издателя, Роберт Шуман от природы был одарен многими талантами. Круг его интересов был столь широк, что он долгое время не мог решить, что для него важнее — музыка, поэзия или драма, эстетика, художественная публицистика или филология (он с легкостью осваивал иностранные языки и свободно переводил с французского, с итальянского и с английского). С детских лет он самозабвенно импровизировал за фортепиано, в юности организовал домашний оркестр.

Жизнь Шумана была связана с несколькими городами Германии. Он родился в Цвиккау — при его жизни это был один из живописнейших уголков Саксонии. В 24 года будущий композитор отправился в Лейпциг изучать, по настоянию родителей, право. Однако, большую часть времени уделял литературным занятиям и музыке (брал уроки фортепианной игры у будущего тестя Ф. Вика, а композиции — у Г.Дорна). В Лейпциге 24-летний композитор основал свой собственный «Новый музыкальный журнал» («Neue Zeitschrift fur Musik») и постоянно выступал со статьями, с энтузиазмом открывая молодые таланты. Он первым поддержал в прессе Шопена и Брамса. По приглашению Ф. Мендельсона, учредителя и первого директора Лейпцигской консерватории, Шуман стал преподавать композицию и фортепиано. Свои мысли о музыкальном воспитании он изложил в «Жизненных правилах для музыкантов». В Дрездене Шуман учредил абонементные симфонические концерты, выступал как дирижер, а также основал и возглавил Общество хорового пения. Последним местом жительства композитора стал Дюссельдорф, где он занял пост дирижера симфонического оркестра и стал инициатором учреждения большого Нижнерейнского музыкального фестиваля.

И все-таки главным призванием Шумана была музыка. За свою недолгую жизнь (он скончался в психиатрической клинике города Эндениха, близ Бонна) композитор создал огромное число произведений в разных жанрах, включая оперу «Геновева» и четыре симфонии, «Реквием» и концерты для фортепиано и для виолончели с оркестром, кантату «Рай и Пэри», драматическую поэму «Манфред», сцены из «Фауста» Гёте… Но более всего новаторство Шумана — самого оригинального, смелого, самого проникновенного и поэтичного композитора — обнаруживается в его фортепианном и вокальном творчестве: в «Карнавале» и «Симфонических этюдах», «Крейслериане» и «Арабесках», «Фантастических пьесах» и «Танцах Давидсбюндлеров», в песнях (их у композитора свыше 300), вокальных циклах «Любовь и жизнь женщины» на стихи А. Шамиссо и «Любовь поэта» на стихи Г. Гейне.

Первое десятилетие своей композиторской жизни Шуман посвятил музыке для фортепиано, в которой воплотил свою любовь к фантазиям, поэтические пристрастия к творчеству писателей-романтиков — Жан Поля (псевдоним Иоганна Пауля Рихтера) и Эрнста Теодора Гоффмана. В своем воображении он создал придуманное им Давидово братство, противостоящее рутине в искусстве, «филистерству», а его героями сделал лирически созерцательного Евсебия и пылкого, импульсивного Флорестана (как две грани собственной раздвоенной личности), свою горячо любимую жену Клару Вик и своих собратьев по искусству — Шопена, Листа и Паганини. Блестящим примером воплощения в музыке авторского художественного манифеста стала сюита «Карнавал», созданная в 1835 году.

Содержание «Карнавала» многогранно. В серии зарисовок «с натуры» — сценках, портретах, мелькающих впечатлениях — композитор воссоздал прихотливую пестроту окружающей его действительности и скрытые в ней «кричащий диссонансы, составляющие жизнь». Здесь и традиционные маски итальянской комедии dell”arte: ленивый мешковатый Пьеро, остроумный Арлекин, Коломбина, танцующая в паре с болтливым стариком Панталоне; бальная «Кокетка» и таинственные маски «Танцующих букв»; здесь и метко схваченные музыкальные портреты Паганини и Шопена, главного двуликого героя произведения — Флорестана и Евсебия и двух героинь — Киарины и Эстреллы (маски Клары Вик и Эрнестины фон Фриккен). «Карнавал» имеет подзаголовок — «Маленькие сцены, написанные на четыре ноты». Происхождение этой краткой музыкальной темы, точнее, музыкального ядра всего цикла, своеобразно: буквенное обозначение данных звуков составляет название чешского городка Аш (Asch), где жила Э. фон Фриккен — мимолетное увлечение Шумана, а три звука этой темы — (Е) sCH — первые буквы фамилии композитора. Обрамляют цикл «Преамбула» и «Марш Давидсбюндлеров против филистимлян», где старомодному «Гроссфатеру» противостоит победный торжественный марш «бюндлеров».

Первой исполнительницей «Карнавала», как, впрочем, и всех фортепианных сочинений Шумана, была выдающаяся пианистка Клара Вик. Картины ее детства поэтично воплощены в «Детских сценах» (1838) — «отражениях, созданных взрослым и для взрослых», включающих и жемчужину шумановского мелодизма — пьесу «Грезы».

Масштабный цикл под оригинальным названием, свидетельствующим о некоем романтическом своеволии, «Симфонические этюды» (1834) написан с поистине симфоническим размахом. Взяв за основу классические вариации на одну тему (в качестве темы композитор использовал мелодию музыканта-любителя И.фон Фриккена, который, в свою очередь, заимствовал ее у неизвестного автора; для главной темы финала использована одна из оперных мелодий второстепенного немецкого композитора Г.Маршнера), Шуман существенно обновил традиционные рамки жанра. В его цикле этюды перемежаются вариациями, а иногда отдельные номера совмещают в себе двойную функцию вариации и этюда. Свое отношение к принципу варьирования композитор изложил в одном из писем в И.фон Фриккену: «При варьировании объект (то есть тема) хотя и должен все время прочно оставаться перед глазами, но стекло, через которое на него смотришь, должно всякий раз быть иного цвета, подобно стеклам, из которых составляются разноцветные окна; сквозь них местность кажется то розовой — будто в вечернем блеске, то золотой, как в солнечное утро и т. д. …Свои вариации я хочу назвать “патетическими”, однако “патетическое”, если оно там содержится, я пытался преломить сквозь разные цвета… Мне хочется постепенно развить из похоронного марша величавое победное шествие и, кроме того, внести в сочинение некоторый драматический интерес». Будучи свободолюбивым романтиком, Шуман был противником фантазирования без границ и придавал большое значение драматургической цельности и архитектонической стройности своих замыслов.

Рихард Штраус

Рихард Штраус — один из крупнейших творцов в немецкой культуре конца XIX — первой половины XX века. Автор масштабных программных симфоний и опер, продолжатель традиций Листа и Вагнера, он подводит своего рода черту под эпохой европейского музыкального романтизма и приоткрывает завесу экспрессионизма и неоклассицизма.

В этой личности сочеталось несколько дарований. И если сегодня Штраус больше известен как композитор, то современники знали его как выдающегося дирижера и прекрасного руководителя, который также успевал заниматься общественной деятельностью. Он возглавлял крупнейшие оперные театры Германии — притом порой это приходилось делать в условиях жесткой экономической ситуации, много и успешно гастролировал, в том числе в США, где его очень любили и платили сумасшедшие по европейским меркам гонорары. Штраус был одним из руководителей Зальцбургского фестиваля, стоял у истоков общества, защищающего права композиторов. Человек невероятного трудолюбия и выносливости, он был чрезвычайно уравновешен и всегда подчеркнуто-элегантен. Сегодня сложно поверить, что в его операх, написанных аккуратным почерком, могут властвовать нечеловеческие страсти. Ценитель и знаток живописи, высокосветский человек, примерный муж — все это подходит автору «Ариадны» и «Каприччио», но никак не связуется с «Саломеей» и «Электрой».

Штраус прожил долгую жизнь, на которой отразились ключевые события истории ХХ века. Он не менял гражданства, но до неузнаваемости менялась сама страна, которую он любил, перед культурой которой преклонялся. Когда ему было 50 и он уже являлся фигурой мирового масштаба, разразилась мучительная «окопная война»; в 60, когда в ранее процветающей Германии по талонам выдавали хлеб пополам с опилками, он руководил Венской оперой; в 70 столкнулся с гитлеровским режимом, в 81 год видел окончание Второй мировой войны.

При этом формирование Штрауса происходило в совершенно иной стране. Во второй половине XIX века Германия переживала политический и культурный подъем, и первая часть жизни композитора являет собой образец того, что сегодня называют «успешной карьерой», которая состоялась благодаря и окружению, и выдающемуся дарованию.

Он родился в семье первого валторниста Мюнхенского Придворного театра Франца Штрауса и дочери состоятельного пивовара Джозефины Пшор. Не зная ни нужды, ни расточительности, он рос в здоровой атмосфере баварской семьи и имел доступ к высочайшим культурным ценностям. К музыке Рихарда приобщил отец, один из лучших исполнителей своего времени, — будущий композитор видел спектакли Придворного театра, обучался теории, игре на фортепиано и скрипке (в дальнейшем он не раз выступал в качестве пианиста). Первую песню Рихард сочинил в возрасте шести лет, затем последовали пьесы для солирующих инструментов и камерных ансамблей, концерты, наконец, Первая симфония, которая прозвучала в исполнении любительского оркестра под руководством его отца. Штраусу повезло — начиная с ранней молодости, он имел возможность слышать свои сочинения. Его музыка отражала вкусы Франца Штрауса: будучи человеком консервативным, он ненавидел Вагнера, под управлением которого ему самому не раз приходилось играть, и старался, чтобы сын был воспитан на «высокой классике» в духе Моцарта и Мендельсона. Любовь к Моцарту Рихард Штраус пронес через всю жизнь.

Он прилежно и с удовольствием обучался в гимназии, в 18 лет поступил в Мюнхенский университет, где изучал несколько гуманитарных (не музыкальных) курсов, но спустя год оставил его и отправился в Берлин, чтобы там самостоятельно осваивать музыку. Консерваторского образования Штраус не получил, что никак не сказалось на его творчестве. Он посещает театры и заводит знакомства, с невероятной скоростью впитывая все новое, открывает для себя Брамса и Вагнера. Решающей в жизни молодого музыканта становится встреча с Гансом фон Бюловым — блестящим пианистом и выдающимся дирижером. Именно он впервые поставил 20-летнего Штрауса за дирижерский пульт — без репетиций, на концерте в родном Мюнхене, — он же много он сделал и для популяризации композиторского творчества молодого коллеги. «Рихардом Третьим» провидчески называл Бюлов Штрауса, имея ввиду, что первым был Вагнер, а второго после Вагнера, по мнению Бюлова, быть не могло. В 1885 году Бюлов, фактически на свой страх и риск, рекомендует Штрауса, не имеющего дирижерского опыта, герцогу Мейнингенскому: сначала он становится заместителем Бюлова — придворного музыкального директора, проходит школу мастерства, наблюдая за ним на концертах и репетициях, а затем сменяет его на этом посту. Интенсивная работа над собой и постоянное расширение кругозора очень скоро делают Штрауса заметной фигурой музыкальной жизни своей страны — как на дирижерском, так и на композиторском поприще. В Мейнингене он увлекся драмтеатром (труппа считалась одной из лучших в Германии), здесь же произошло судьбоносное знакомство со скрипачом Александром Риттером, боготворившим Вагнера, Шопенгауэра и грезившим немецкими легендами. Летом Штраус впервые посещает Италию, где на него производят огромное впечатление ландшафты и произведения искусства (пока молодой немец культурно обогащался, его несколько раз обокрали). Этой поездке мы обязаны, прежде всего, первой симфонической поэмой Штрауса — «Из Италии», которую он посвятил Бюлову. В то же время композитор побывал в Байрёйте, где познакомился с Козимой Вагнер, а осенью приступил к обязанностям третьего дирижера в оперном театре родного Мюнхена. В эти годы Штраус начинает гастролировать по Европе; встречает свою первую и единственную любовь, а в будущем, жену — певицу Паулину де Ана, дочь баварского генерала. Вдохновленный нежными чувствами, он создает свои первые песни — Штраус будет писать их на протяжении всей жизни, и даже не будь в его наследии других произведений, только песни могли бы обессмертить его имя. Все шло хорошо, но не складывались отношения с руководством Мюнхенского театра — молодому, прогрессивно мыслящему и амбициозному музыканту доставалась второсортная продукция, и поэтому, когда в 1889 году по рекомендации Бюлова ему предложили работу Веймарской опере, он согласился. Здесь он провел четыре плодотворных года, невероятно расширив репертуар труппы и превратив город в центр музыкальной жизни Германии. Затем Штраус возвращается в Мюнхен — руководство театра предложило ему более высокий пост и жалование. Окрыленный успехами композитор создает в последнее десятилетие уходящего века яркие, новаторские и сложные по музыкальному языку программные симфонические поэмы: «Дон Жуан», «Макбет», «Смерть и просветление», «Веселые проделки Тиля Уленшпигеля», «Так говорил Заратустра», «Дон Кихот», «Жизнь героя». Их премьеры становятся значительными событиями, а Штрауса сопровождают громкие триумфы. К примеру, по инициативе Оркестра Консертгебау и Виллема Менгельберга его имя было выгравировано золотыми буквами на стене концертного зала в окружении Вагнера и Листа (для этого стерли имя Гуно). Но с оперой ему везет меньше: первая, «Гунтрам», написана на собственное довольно сумбурное либретто по мотивам средневековых легенд и выигрывает только за счет музыки, которая хоть и не обходится без влияния Вагнера, но уже содержит зачатки будущих штраусовских свершений.

Под занавес уходящего века Штраусу поступают сразу два предложения — от Берлинской оперы (на пост первого придворного дирижера) и от Нью-Йоркского филармонического оркестра (на пост главного дирижера, с невиданным для европейца жалованием). Отдав предпочтение столице Германии и блеску двора, Штраус одновременно осуществляет музыкальное руководство Берлинским симфоническом оркестром и Берлинской филармонией, а позже — руководство Берлинской оперой; много сочиняет и гастролирует (в том числе по США, где он выступал перед Рузвельтом); занимается созданием Товарищества немецких композиторов (позже — могущественное Общество по защите авторских прав на исполнение и воспроизведение музыкальных произведений).

Первое десятилетие ХХ века ознаменовано бурным техническим и культурным развитием Европы (при одновременном вооружении Германии). В эти годы появляются знаменитые штраусовские оперы, которые обессмертили имя композитора и стали одними из вершин уходящей «Прекрасной эпохи». После оперы «Погасшие огни», которую вновь отличает красивая музыка и пересыщенное событиями либретто (на основе древней фламандской легенды), Штраус создает «Саломею» по Оскару Уайльду, «Электру», «Кавалер розы», «Ариадну на Наксосе». Случайно или нет, но большинство опер Штрауса было впервые поставлено в Дрездене (9 из 15) — поскольку композитор уже пользовался значительным авторитетом, он сам выбирал труппу для премьеры из выстроившихся в очередь театров. Самой «громкой» заявкой Штрауса в оперном жанре стала, конечно, «Саломея» — после премьеры слушатели запрыгивали на кресла, подбрасывали программки и кричали, в дальнейшем она была показана в 50 театрах. В это же время начинается долгое сотрудничество Штрауса с талантливым поэтом и писателем Гуго фон Гофмансталем, вплоть до его смерти в 1929-м, оставившей невосполнимую пустоту в жизни композитора. Этот великолепный союз дает миру шесть замечательных опер, литературные достоинства которых столь же высоки, сколь музыкальные. Уже первый совместный труд — «Электра», — хоть и был принят не так бурно, как «Саломея», оказался гораздо выше своей предшественницы, значительно повлияв на современную музыку и на становление экспрессионизма. Следующее произведение — «Кавалер розы» — наглядный пример того, насколько многообразны таланты авторов, способных после мрачных необузданных страстей «по Фрейду» и экзотической роскоши красок переключиться на лирическую комедию в моцартовском ключе. Успех «Кавалера розы» был колоссален — опера ставилась по всей Европе и за Атлантикой. Правда, за исключением Берлина — двор нашел этот музыкально-поэтический шедевр несколько фривольным. Впрочем, тут же появилась фирма, организовавшая спецпоезд из германской столицы к месту в партере. Последним предвоенным творением Штрауса и Гофмансталя стал гибрид драмтеатра и оперы — адаптированный «Мещанин во дворянстве» Мольера с включенной в него оперой «Ариадна на Наксосе». Увы, постановка была обречена на провал из-за своей протяженности и художественных предпочтений публики: любители драматических спектаклей не интересовал оперный жанр и наоборот. После переделки появились три замечательных произведения: пьеса «Мещанин во дворянстве» с музыкой Штрауса, полная юмора и обаяния одноименная оркестровая сюита и опера «Ариадна на Наксосе», которая по сей день является одной из самых репертуарных. В балетном жанре Штраус и Гофмансталь создают по заказу Сергея Дягилева «Легенду об Иосифе» — спектакль в постановке Михаила Фокина был успешно показан в Париже.

1914 год стал пограничным и в истории Европы, и в жизни Штрауса. 50-летие композитора празднуется повсюду, сопровождаясь многочисленными наградами и почестями. Через месяц начинается Первая мировая война, вслед за которой Германию постигает страшная инфляция и голод. Мир, сформировавший Штрауса как личность и как художника, более того — мир, который к своему полувековому юбилею знаменитый композитор уже формировал сам, — рушится. Моцарт, Брамс, Вагнер, немецкий романтизм, наконец, материальное благополучие — все это остается в прошлом. Спасаясь от настоящего, Штраус обращается в своих произведениях к легендам и воспоминаниям. Таковы роскошная большая опера «Женщина без тени» — бегство в мир иллюзий и психоанализа, или же большая симфония — «Альпийская». На собственные либретто он создает автобиографичную «бюргерскую комедию» «Интермеццо» и пересыщенный сладкими мелодиями балет «Взбитые сливки», по сюжету напоминающий второе действие «Щелкунчика» — его премьера состоялась в рамках празднования 60-летия Штрауса в Венской опере. В эти сложные годы музыканта приглашают на должность соруководителя театра, который достается ему в плачевном состоянии; также он принимает предложения стать президентом Общества зальцбургского Фестшпильхауза и одним из художественных руководителей Моцартовского фестиваля (среди которых был и Гофмансталь). В 20-е годы Штраус и Гофмансталь создают две оперы «в духе времени» — «Елену Египетскую» по греческим мифам, снабженную изрядной долей фрейдизма и мистицизма, и комедийную «Арабеллу» (своего рода попытка возродить «Кавалера розы»). Работу над последней прерывает смерть поэта и Штраусу требуется три долгих года, чтобы завершить оперу. Гофмансталь, который болезненно переживал события Первой мировой войны, уже не застал новую эпоху: перед премьерой «Арабеллы» к власти пришли национал-социалисты и руководство Дрезденской оперы, которому посвящена «Арабелла», уволили.

70-летнему Штраусу было суждено пережить еще один режим. В своих произведениях композитор продолжает погружаться в мир иллюзий. Одну оперу (комическая «Молчаливая женщина») он создает в соавторстве с талантливым либреттистом Стефаном Цвейгом. Однако сотрудничество закончилось, едва начавшись — Цвейг эмигрирует, спасаясь от преследований нацистами евреев, а переписка с ним приносит неприятности самому Штраусу. Либреттистом трех следующих опер («День мира», «Дафна» и «Любовь Данаи») становится Йозеф Грегор, большой поклонник творчества композитора, хороший историк театра, куратор Театральной библиотеки в Вене и довольно слабый автор.

Одна из загадок Штрауса — расцвет его таланта в 1940-е годы. Словно на «втором дыхании» появляются произведения в разных жанрах: опера «Каприччо» на либретто самого композитора и дирижера Клеменса Крауса (в последние годы они много работали вместе и вели переписку); Второй концерт для валторны — своего рода посвящение памяти отца; «Метаморфозы» для 23-х струнных инструментов — скорбь великого музыканта по разрушенным немецким культурным столицам и, наверное, шире, — скорбь об ушедшей «Прекрасной эпохе». В музыке этих произведений нет буйства эмоций и роскоши красок, здесь отметено все лишнее и наносное, композитор словно перестает прятать свое «Я» и приходит к гениальной простоте. В 1948-м году он пишет «Четыре последние песни» — глубоко-эмоциональное и вместе с тем просветленное «прощание», примирение с миром. Впрочем, Штраус никогда не был сентиментален и умирать не собирался, поэтому после «Четырех последних песен» взялся за комическую оперу «Тень осла». Достаточно активно для своего возраста он продолжал работать с оркестром — в возрасте 80 лет записал с Венским филармоническим почти все свои произведения. По окончании войны Рихард и Паулина Штраусы переехали в Швейцарию, а в 1947 композитор впервые в жизни сел на самолет, чтобы по приглашению Томаса Бичема дирижировать на посвященном ему лондонском фестивале. Позже, уже в Германии, он дирижировал на торжествах по случаю своего 85-летия, а через месяц — фрагментом из «Каприччо». Через два месяца Штрауса не стало. Паулина пережила его на восемь месяцев.

Александр Скрябин

Александр Николаевич Скрябин (25 декабря 1871 (6 января 1872), Москва — 14 (27) апреля 1915, там же) — русский композитор и пианист.

Скрябин родился в семье студента, ставшего затем дипломатом и действительным статским советником, Николая Александровича Скрябина (1849-1914). В доме городской усадьбы Лопухиных — Волконских — Кирьяковых — доходное владение Буниных (сер. XVIII в. — нач. XIX в.) — Главный дом — доходный дом (сер. XVIII в., 1878 г., 1900 г.) (объект культурного наследия федерального значения (Постановление Совета Министров РСФСР № 624 от 04.12.1974 г.) в Хитровском переулке 3/1. Был крещен в Храме Трех Святителей, что на Кулишках.

Его прадед — Иван Алексеевич Скрябин (1775 года рождения) происходил «из солдатских детей города Тулы«; за храбрость в бою под Фридландом награжден знаком отличия военного ордена св. Георгия и крестом для нижних чинов; получив в 1809 году чин подпоручика, через десять лет вместе с сыном Александром вносится в родословную книгу дворян Санкт-Петербургской губернии; дед композитора — Александр Иванович — по полученному чину подполковника вносится в 1858 году во вторую часть родословной книги дворян Московской губернии. Версия о «старинном» дворянстве рода композитора не подтверждается найденными документами. Также не подтверждается документами происхождение матери композитора — Л.П. Щетининой (то, что она была «дочерью директора фарфорового завода»).

Мать композитора была талантливой пианисткой, учившейся у Теодора Лешетицкого. После ее ранней смерти отец будущего великого композитора женился вторично на итальянке (Фернандес О.И.), ставшей матерью: Николая, Владимира, Ксении, Андрея, Кирилла Скрябиных. Маленького Сашу Скрябина взяли на воспитание тетка и бабушка, мать отца, так как отец не мог уделять сыну достаточно времени, будучи на службе в качестве посла в Персии. Лишь изредка отец приезжал навестить сына от первой супруги. В первоначальном воспитании будущего композитора принимал также активное участие его дед Александр Иванович Скрябин, который был образованным и культурным человеком.

Уже в пять лет Скрябин умел играть на фортепиано, позже проявил интерес к композиции, однако по семейной традиции (род композитора Скрябина известен с начала XIX века и насчитывал большое количество военных) был отдан в кадетский корпус. Решив посвятить себя музыке, Скрябин начал брать частные уроки у Георгия Эдуардовича Конюса, затем у Николая Сергеевича Зверева (фортепиано) и Сергея Ивановича Танеева (теория музыки).

Окончив корпус, Скрябин поступил в Московскую консерваторию в классы фортепиано Василия Ильича Сафонова и композиции Антона Степановича Аренского. Занятия с Аренским не принесли результатов, и в 1891 году Скрябин был отчислен из класса композиции за неуспеваемость, тем не менее, блестяще окончив курс по фортепиано год спустя с малой золотой медалью (Сергей Васильевич Рахманинов, окончивший консерваторию в том же году, получил большую медаль, так как с отличием прошел также и курс композиции).

По окончании консерватории Скрябин хотел связать свою жизнь с карьерой концертирующего пианиста, но в 1894 году переиграл правую руку и в течение некоторого времени не мог выступать. В августе 1897 года в Варваринской Церкви в Нижнем Новгороде Скрябин обвенчался с молодой талантливой пианисткой Верой Ивановной Исакович. Восстановив работоспособность руки, Скрябин с супругой уехал за границу, где зарабатывал на жизнь, исполняя преимущественно собственные сочинения. Скрябины вернулись в Россию в 1898 году, в июле этого же года родилась их первая дочь Римма (умрет в возрасте семи лет от заворота кишок). В 1900 году родилась дочь Елена, которая впоследствии станет супругой выдающегося советского пианиста Владимира Владимировича Софроницкого. Позже в семье Александра Николаевича и Веры Ивановны появятся дочь Мария (1901) и сын Лев (1902).

В сентябре 1898 года Скрябин был приглашен на должность профессора Московской консерватории, а в 1901 году начал преподавание в женском Екатерининском институте, однако через год он оставляет преподавательскую деятельность, так как она сильно отвлекала его от собственного творчества. В конце 1902 года Скрябин знакомится со второй женой (официально они расписаны не были) Татьяной Федоровной Шлецер, племянницей Пауля де Шлецера, профессора Московской консерватории (по классу которого обучалась также официальная супруга композитора). Уже в следующем году Скрябин просит у жены согласие на развод, однако не получает его.

До 1910 Скрябин вновь больше времени проводит за рубежом (в основном, во Франции, позднее в Брюсселе, где он проживал по адресу rue de la Réforme, 45), выступая как пианист и дирижер. Вернувшись в Москву, композитор продолжает концертную деятельность, не переставая сочинять. Последние концерты Скрябина состоялись в начале 1915 года. Композитор умер от сепсиса, возникшего в результате карбункула. Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Последние годы проживал со своей гражданской семьей в Москве по адресу Большой Николопесковский переулок, 11. Сейчас в этом доме действует Государственный мемориальный музей А.Н. Скрябина.

У Александра Николаевича всего было семеро детей: четверо от первого брака (Римма, Елена, Мария и Лев) и трое — от второго (Ариадна, Юлиан и Марина). Из них трое умерли еще в детском возрасте, далеко не дожив до совершеннолетия. В первом браке (с известной пианисткой Верой Исакович) из четверых детей (трех дочерей и одного сына) в раннем возрасте умерли двое. Первой (будучи семи лет от роду) умерла старшая дочка Скрябиных — Римма (1898—1905) — это произошло в Швейцарии, в дачном поселке Везна под Женевой, где жила Вера Скрябина с детьми. Римма умерла 15 июля 1905 в кантональном госпитале от заворота кишок. Сам Скрябин к тому времени жил в итальянском городке Больяско — уже с Татьяной Шлецер, своей будущей второй женой. «Римма была любимицей Скрябина и смерть ее глубоко потрясла его. Он приехал на похороны и горько рыдал над ее могилой. <…> Это было последнее свидание Александра Николаевича с Верой Ивановной».

Старший сын Скрябина, Лев был последним ребенком от первого брака, он родился в Москве 18/31 августа 1902 года. Так же как и Римма Скрябина, он умер в семилетнем возрасте (16 марта 1910 года) и был похоронен в Москве на кладбище монастыря Всех скорбящих радости на Новослободской улице (в настоящее время монастырь не существует). К тому моменту отношения Скрябина с первой семьей были окончательно испорчены, напоминая скорее «холодную войну», и родители не встретились даже на могиле сына. Из двоих (долгожданных) сыновей у Александра Николаевича Скрябина к тому времени оставался жив только один, Юлиан.

Ариадна Скрябина при первом замужестве перешла в иудаизм, третьим браком вышла замуж за поэта Довида Кнута, вместе с которым участвовала в движении Сопротивления во Франции, была выслежена вишистской полицией в Тулузе в ходе миссии по переправке беженцев в Швейцарию и 22 июня 1944 года погибла в перестрелке при попытке задержания. В Тулузе ей установлен памятник, а на доме, где погибла А.Скрябина, членами Движения сионистской молодежи Тулузы установлена мемориальная доска с надписью: «В память Режúн — Ариадны Фиксман, героически павшей от рук неприятеля 22 — VII — 1944, защищавшей еврейский народ и нашу родину Землю Израиль«.

Сын композитора Юлиан Скрябин, погибший в возрасте 11 лет, сам был композитором, произведения которого исполняются по сей день.

Музыка Скрябина очень своеобразна. В ней отчетливо чувствуется нервность, импульсивность, тревожные поиски, не чуждые мистицизма. С точки зрения композиторской техники музыка Скрябина близка творчеству композиторов Новой венской школы (Шенберга, Берга и Веберна), однако решена в ином ракурсе — через усложнение гармонических средств в пределах тональности. В то же время форма в его музыке практически всегда ясна и завершена. Композитора привлекали образы, связанные с огнем: в названиях его сочинений нередко упоминается огонь, пламя, свет и т. п. Это связано с его поисками возможностей объединения звука и света.

В ранних сочинениях Скрябин — тонкий и чуткий пианист — сознательно следовал Шопену, и даже создавал произведения в тех же жанрах, что и тот: этюды, вальсы, мазурки, сонаты, ноктюрны, экспромты, полонез, хотя уже в тот период его творческого становления проявился собственный почерк композитора. Однако впоследствии Скрябин обращается к жанру поэмы, как фортепианной, так и оркестровой. Крупнейшие его сочинения для оркестра — три симфонии (Первая написана в 1900 году, Вторая — в 1902 году, Третья — в 1904 году, Поэма экстаза (1907), «Прометей» (1910). В партитуру симфонической поэмы «Прометей» Скрябин включил партию световой клавиатуры, таким образом, став первым в истории композитором, использовавшим цветомузыку.

Одним из последних, неосуществленных замыслов Скрябина была «Мистерия», которая должна была воплотиться в грандиозное действо — симфонию не только звуков, но и красок, запахов, движений, даже звучащей архитектуры. В конце XX века композитор Александр Немтин по наброскам и стихам Скрябина создал законченную музыкальную версию ее начальной части — «Предварительное действо», однако, исключив из нее основную часть текста.

Уникальное место Скрябина в русской и мировой истории музыки определяется прежде всего тем, что он рассматривал собственное творчество не как цель и результат, а как средство достижения гораздо более крупной Вселенской задачи. Посредством своего главного сочинения, которое должно было носить название «Мистерия», А.Н. Скрябин собирался завершить нынешний цикл существования мира, соединить Мировой Дух с косной Материей в некоем космическом эротическом акте и таким образом уничтожить нынешнюю Вселенную, расчистив место для сотворения следующего мира. Чисто музыкальное новаторство, которое особенно дерзко и ярко проявилось после швейцарского и итальянского периода жизни Скрябина (1903–1909 годы) — он всегда считал второстепенным, производным и призванным послужить исполнению главной цели. Строго говоря, главнейшие и ярчайшие произведения Скрябина — «Поэма Экстаза» и «Прометей» — есть не что иное, как предисловие («Предварительное Действо») или описание средствами музыкального языка, как именно все будет происходить во время свершения Мистерии и соединения мирового Духа с Материей.

Национальный филармонический оркестр России

Национальный филармонический оркестр России был учрежден в январе 2003 года Министерством культуры России по поручению Президента Российской Федерации В.В. Путина. В составе НФОР объединены лучшие представители оркестровой элиты и талантливые молодые музыканты. За годы активной творческой жизни НФОР сумел стать одним из ведущих симфонических оркестров России, завоевать любовь публики и признание профессионалов в своей стране и за рубежом.

Оркестр возглавляет всемирно известный скрипач и дирижер Владимир Спиваков. С НФОР сотрудничают и регулярно выступают выдающиеся дирижеры современности, в том числе постоянные приглашенные дирижеры Джеймс Конлон, Кен-Давид Мазур, а также Кшиштоф Пендерецкий, Владимир Ашкенази, Отто Тауск, Симон Гауденц, Александр Ведерников, Туган Сохиев, Ян Латам-Кениг, Юкка-Пекка Сарасте, Джон Нелсон, Мишель Плассон, Окко Каму и другие.

Своей важнейшей задачей НФОР считает преемственность традиций трех великих русских дирижеров — Евгения Мравинского, Кирилла Кондрашина и Евгения Светланова. В концертных программах НФОР принимают участие выдающиеся музыканты, звезды мировой оперной сцены. Репертуар оркестра охватывает период от ранних классических симфоний до новейших сочинений современности. За 13 сезонов оркестр представил множество неординарных программ, уникальных абонементов и концертных серий, осуществил целый ряд российских и мировых премьер.

Подтверждая свой статус и наименование, Национальный филармонический оркестр России дает концерты и проводит фестивали не только в Москве, но и в различных регионах страны, прокладывая маршруты в ее самые отдаленные уголки. Ежегодно НФОР принимает участие в Международном музыкальном фестивале Владимира Спивакова в Кольмаре (Франция). Оркестр регулярно гастролирует в США, Западной Европе, Японии, в странах СНГ и Балтии.

В мае 2005 года фирма Capriccio выпустила CD и DVD с записью концерта для оркестра «Желтые звезды» Исаака Шварца в исполнении НФОР под управлением Владимира Спивакова, которому композитор посвятил это произведение. Концерт был исполнен НФОР 27 января 2015 года в Праге на IV Всемирном форуме памяти Холокоста, посвященном 70-летию освобождения концлагеря Аушвиц-Биркенау. В 2010–2016 гг. НФОР записал несколько альбомов для крупнейшей фирмы звукозаписи Sony Music с сочинениями П. Чайковского, С. Рахманинова, Н. Римского-Корсакова, Э. Грига и др.

Особым направлением деятельности НФОР является поддержка талантливых молодых музыкантов, создание условий для их творческой реализации и профессионального роста. В сезоне 2004/2005 по инициативе директора НФОР Георгия Агеева в оркестре была создана не имеющая аналогов в оркестровом мире группа дирижеров-стажеров. Многие из них за эти годы добились больших успехов на профессиональном поприще, заняли руководящие посты в ведущих творческих коллективах и стали обладателями престижных наград.

В последние годы НФОР начал также поддерживать специально учрежденными собственными грантами одаренных молодых музыкантов — певцов и инструменталистов. По словам идеолога проекта, Георгия Агеева, гранты призваны помочь многообещающим артистам всецело раскрыть свой творческий потенциал и занять достойное место на отечественной и мировой сцене. Наряду с материальной поддержкой обладатели грантов получают также активное продюсерское содействие и регулярно принимают участие в различных творческих проектах обоих оркестров, возглавляемых Владимиром Спиваковым.

В 2007 году НФОР стал обладателем гранта Правительства Российской Федерации. С 2010 года Национальный филармонический оркестр России является обладателем гранта Президента Российской Федерации.