Цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает». Истории с оркестром. Музыка 1930-х — 1940-х годов

Александр Багиров

Александр Багиров родился в Москве в семье музыкантов. С семи лет начал заниматься на ударных инструментах в ДМШ № 10 имени Бетховена. Окончил Московское музыкальное училище имени Октябрьской Революции (класс Л. Красильниковой) и Российскую академию музыки имени Гнесиных (класс профессора Д. Лукьянова). Музыкант является лауреатом I премии V Всероссийского конкурса исполнителей на ударных инструментах (Астрахань, 1995).

А. Багиров работал в Симфоническом оркестре Москвы «Русская филармония» (1996–1999), в Симфоническом оркестре России под руководством В. Дударовой (1999), в Симфоническом оркестре «Молодая Россия» (1999–2002). С 2003 года является концертмейстером группы ударных инструментов Госоркестра России имени Е.Ф. Светланова. С 2000 года ведет педагогическую работу в музыкальных школах Москвы. Музыкант сотрудничал со многими известными дирижерами и солистами: Е. Светлановым, М. Ростроповичем, Г. Рождественским, В. Юровским, М. Юровским, А. Лазаревым, С. Озавой, С. Стадлером, Д. Ситковецким, Н. Гутман, В. Третьяковым, Э. Вирсаладзе, А. Рудиным, Д. Мацуевым.

В 2007 году Александру Багирову присвоено звание «Заслуженный артист России».

Михаил Дубов

Окончил Московскую консерваторию и аспирантуру по специальности фортепиано (класс профессора В. В. Горностаевой), также имеет диплом органиста и музыковеда. Доцент Московской консерватории, кандидат искусствоведения, лауреат премий Seiler и акции по поддержке театральных инициатив. Уже студентом консерватории он начал профессиональную концертную деятельность, включая в сферу своих интересов широкий диапазон музыкальных стилей, от барокко до новейшей музыки. Михаил Дубов исполняет большое количество произведений композиторов XX и XXI веков. Обладая обширным сольным и ансамблевым репертуаром, он представляет каждый сезон десятки новых программ, часто являясь первым исполнителем многих сочинений российских и зарубежных авторов. Участник значительных международных фестивалей новой музыки: «Варшавская осень», Gaudeamus, Berliner Festwoche, Klangspuren и других. Выступал как солист с известными оркестрами: «Ансамблем Модерн» (Франкфурт), Симфоническим оркестром Мариинского театра, Национальным филармоническим оркестром России, Государственным академическим симфоническим оркестром России имени Е.Ф. Светланова, Академическим Большим симфоническим оркестром им. П.И. Чайковского, Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия. Сотрудничал с дирижерами А. Чистяковым, Дж. Ноттом, Дж. Нозедой, Д. Кавкой. Среди его партнеров по ансамблю — А. Любимов, Т. Гринденко, Н. Кожухарь, А. Загоринский, М. Пекарский, В. Попов и другие. С 1993 является солистом Московского ансамбля современной музыки. Участвовал в записи более 30 компакт-дисков как солист и ансамблист. С 2004 преподает в Московской консерватории.

Борис Петрушанский

Заслуженный артист России Борис Петрушанский активно концертирует в крупных залах Европы, в Северной и Южной Америке, странах Востока и в России.

Пианист занимался у Г. Нейгауза и Л. Наумова, стал лауреатом международных конкурсов в Лидсе (IV премия, 1969), Мюнхене (по камерному ансамблю, II премия, 1971), дипломантом V Международного конкурса имени П.И. Чайковского (1974). В 1969 году он дебютировал с Академическим симфоническим оркестром Ленинградской филармонии п/у А. Янсонса. После блестящей победы на Международном конкурсе имени А. Казагранде в Терни (Италия, 1975) и ярких выступлений на фестивалях в Сполето и «Флорентийский музыкальный май», концертная жизнь музыканта вышла на международный уровень.

Среди оркестров, с которыми выступает артист — Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова, оркестры Московской, Чешской, Хельсинской филармоний, Римской Академии Санта Чечилия, Мюнхенского радио, Штатскапелла Берлина, Московский и Литовский камерные оркестры, New European Strings, Камерный оркестр Европейского сообщества и другие. Среди дирижеров, с которыми сотрудничал пианист ― В. Гергиев, В. Федосеев, Д. Китаенко, К. Аббадо, Э.-П. Салонен, П. Берглунд, С. Сондецкис, М. Шостакович, В. Юровский, Лю Жа, А. Нанут, А. Кац, Я. Латам-Кёнинг, П. Коган и многие другие.

Помимо представления разнообразных сольных программ (уникальны его концерты-эссе: «Скиталец в романтической музыке», «Италия в русском зеркале», «Танцы ХХ века»), пианист выступал в ансамблях с Л. Коганом, И. Ойстрахом, М. Майским, Д. Ситковецким, М. Брунелло, В. Афанасьевым, К. Десдери, Государственным Квартетом имени Бородина, Квартетом Берлинской филармонии.

Б. Петрушанский с 1991 года преподает в Международной пианистической Академии Incontri col Maestro в Имоле (Италия). Помимо концертной деятельности, он ведет мастер-классы во многих странах мира (Великобритания, Ирландия, США, Германия, Япония, Польша). Пианист ― член жюри многочисленных международных конкурсов, среди которых конкурсы имени Ф. Бузони в Больцано, Дж. Б. Виотти в Верчелли, конкурсы пианистов в Париже, Орлеане, Южной Корее и в Варшаве. Среди его учеников ― победители конкурсов в Лидсе, Больцано, в Японии, США, Италии. В 2014 году Борис Петрушанский был избран академиком Accademia delle Muse (Флоренция).

Осуществленные пианистом записи сочинений Брамса, Стравинского, Листа, Шопена, Шумана, Шуберта, Прокофьева, Шнитке, Мясковского, Уствольской выпущены в свет фирмами «Мелодия» (Россия), “Art & Electronics” (Россия/США), “Symposium” (Великобритания), “Fone”, “Dynamic”, “Agora”, “Stradivarius” (Италия). Среди его записей ― полное собрание фортепианных сочинений Д.Д. Шостаковича (2006).

Владимир Юровский

Родился в 1972 г. в Москве. Представитель российской музыкальной династии: сын дирижера Михаила Юровского, внук композитора Владимира Юровского, правнук дирижера Давида Блока (создателя Государственного симфонического оркестра кинематографии). Музыкальное образование получил в Академическом музыкальном училище при Московской консерватории, Дрезденской Высшей школе музыки им. К. М. фон Вебера и Берлинской Высшей школе музыки им. Г. Эйслера.

Дирижированию обучался у своего отца, затем у Александра фон Брюка, Рольфа Ройтера и сэра Колина Дэвиса, был ассистентом Геннадия Рождественского. В 1995 г. с триумфом дебютировал на международной сцене — в рамках оперного фестиваля в Уэксфорде (опера «Майская ночь» Римского-Корсакова). В дальнейшем сотрудничал с крупнейшими театрами, в их числе: Ковент-Гарден (Лондон), Опера Бастий (Париж), Метрополитен-опера (Нью-Йорк), Комише Опер (Берлин), «Ла Фениче» (Венеция), «Ла Скала» (Милан) и Большой театр России. Выступал с ведущими симфоническими коллективами: филармоническими оркестрами Берлина, Вены и Нью-Йорка, Филадельфийским, Кливлендским, Чикагским и Бостонским симфоническими оркестрами, Государственной капеллой Дрездена, оркестрами Гевандхауса, Консертгебау и Баварского радио и многими другими. В 2001–2013 гг. — музыкальный руководитель оперного фестиваля в Глайндборне. В 2005–2009 гг. — главный приглашенный дирижер Российского национального оркестра. С 2007 г. — главный дирижер Лондонского филармонического оркестра и один из трех постоянных дирижеров Оркестра Эпохи Просвещения (наряду с сэром Саймоном Рэттлом и Иваном Фишером). С 2009 г. сотрудничает с Камерным оркестром Европы.

С 2011 г. — художественный руководитель Государственного академического симфонического оркестра России им. Е.Ф. Светланова. Выступал с коллективом на фестивалях «Площадь искусств» (Санкт-Петербург) и «Другое пространство» (Москва), на III симфоническом форуме России (Екатеринбург), в концертах, посвященных памяти Е. Светланова и 100-летию начала Первой мировой войны, в симфонических собраниях для студентов Московского университета и Российской академии музыки им. Гнесиных, в городах России и Германии; осуществил мировые премьеры оперы «Король Лир» С. Слонимского, «Песни Лукерьи» А. Вустина и «Наваждения» С. Прокофьева в оркестровке Г. Гладкова, а также российские премьеры Симфонии № 3 В. Сильвестрова, «Гейлигенштадтского завещания Бетховена» Р. Щедрина, Симфоний № 5 и 9 Л. ван Бетховена в редакции Г. Малера, оперы «Прометей» К. Орфа, мюзикла «Обыкновенное чудо» Г. Гладкова в редакции для солистов, хора и симфонического оркестра и полной версии «Предварительного действа» А. Скрябина — А. Немтина. По инициативе дирижера в 2012 г. была возрождена традиция посвящения в студенты первокурсников Академического музыкального колледжа при Московской консерватории (в Музее-заповеднике П. Чайковского в Клину). В 2016 г. в Концертном зале им. П.И. Чайковского в четвертый раз прошел ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает».

Юровский осуществил музыкальное руководство постановками опер «Дон Жуан» и «Волшебная флейта» Моцарта, «Тристан и Изольда», «Нюрнбергские майстерзингеры» и «Парсифаль» Вагнера, «Отелло», «Фальстаф» и «Макбет» Верди, «Борис Годунов» Мусоргского, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» Чайковского, «Ариадна на Наксосе» и «Женщина без тени» Р. Штрауса, «Приключения лисички-плутовки» Яначека, «Похождения повесы» Стравинского, «Моисей и Аарон» Шёнберга, «Воццек» Берга, «Огненный ангел» Прокофьева, Vita Nuova В. Мартынова и других.

Дискография Юровского включает записи симфоний Бетховена, Брамса, Чайковского, Малера, Шостаковича, Шнитке, симфонических произведений Гайдна, Вагнера, Р. Штрауса, Рахманинова, Равеля, Холста, Онеггера, Бриттена, Дж. Андерсона, опер Хумпердинка, Россини, Мейербера, Массне, Пуччини, Рахманинова, Прокофьева, А. Семёнова.

В 2000 г. Юровский стал обладателем «Abbiati Prize» как «лучший дирижер года», в 2015 г. — «BBC Music Magazine Award» за запись оперы «Нюрнбергские майстерзингеры» Вагнера; в 2007 г. отмечен Королевским филармоническим обществом Великобритании как «дирижер года», в 2012 и 2014 гг. назван российской газетой «Музыкальное обозрение» «персоной года», в 2013 г. номинирован на премию Grammy. Критика отмечает масштабность творческих замыслов и отточенность интерпретаций музыканта, просветительскую направленность его деятельности. В 2016 г. Юровский удостоен званий почетного доктора Королевского колледжа музыки (Лондон) и почетного профессора Московского государственного университета.

Уильям Уолтон

Сэр Уильям Тёрнер Уолтон (29 марта 1902 — 8 марта 1983) — английский композитор и дирижер.

На стиль Уолтона оказали воздействие сочинения И.Ф. Стравинского и С.С. Прокофьева, а также джазовая музыка. В творчестве присутствуют произведения для различных составов: для оркестра, для хора, объёмно представлена камерная, церемониальная музыка, а также музыка к кинофильмам. Его ранние сочинения, особенно поэма Façade принесли ему дурную славу, но впоследствии его оркестровые симфонические произведения и оратория Пир Валтасара вызвали мировой успех и известность.

Бела Виктор Янош Барток (25 марта 1881, Надьсентмиклош, Банат, Австро-Венгрия — 26 сентября 1945, Нью-Йорк, США) — венгерский композитор, пианист и музыковед-фольклорист. Бартока часто относят к представителям экспрессионизма в музыке.

Родился в банатском селе Надьсентмиклош, в семье директора сельскохозяйственного училища, музыканта-любителя (играл в местном оркестре) и учительницы. Барток в детстве рос в атмосфере, насыщенной музыкой, слушал концерты оркестра отца и исполнения матери-пианистки. Уже в четыре года Барток знал множество народных песен и наигрывал их мелодии одним пальцем; а в пять лет получил первый урок игры на фортепиано от матери, а уже через месяц они вместе играли в четыре руки пьесу, приготовленную ими ко дню рождения отца.

Детство Бартока было омрачено болезнями, а затем и смертью отца в 1888 году. После смерти отца, семья переселяется в Надьсёллёш. Там мать, Паула Барток, получает место учителя в начальной школе.

1 марта 1892 года состоялось первое публичное выступление Белы Бартока. Он сыграл на благотворительном концерте первую часть из Сонаты № 21 Бетховена, и фортепианную пьесу «Течение Дуная», написанную самим Бартоком. Успех концерта имел важное последствие: директор местной школы предоставил матери Бартока годовой отпуск для поездки в Братиславу, где юный Барток получил возможность брать уроки фортепиано и гармонии у Ласло Эркеля, сына Ференца Эркеля. Но уже осенью 1893 года уроки прекратились: мать получила назначение в школу города Банска Быстрица.

В январе 1899 года Бартока прослушал в Будапеште профессор Иштван Томан, ученик Листа, в результате чего осенью Барток поступает без экзаменов в столичную Музыкальную академию, хранившею в себе память о своем основателе, о Ференце Листе. В Музыкальной академии Ференца Листа его преподавателями были Ганс Кёслер (композиция) и Иштван Томан (фортепиано). В академии Барток сразу обратил на себя внимание как одаренный молодой музыкант. Особенно он преуспел в фортепианной игре.

С 1907 года профессор этой академии по классу фортепиано. Педагогическую деятельность совмещал с концертированием (особенно часто и с особым блеском исполнял произведения Листа) и изучением крестьянского фольклора (венгерского, румынского, словацкого, турецкого и др.), вместе с Золтаном Кодаем собрал свыше 30 000 песен. В 1936 записывал народные мелодии в Анатолии, где ему помогал Ахмед Аднан Сайгун. В 1940 эмигрировал в Нью-Йорк. Скончался от лейкоза. Недописанные им финал 3-го фортепианного концерта и Концерта для альта с оркестром завершил Тибор Шерли.

Соединяя фольклорный мелос с приёмами музыкального авангарда (экспрессионизм и др.), стал одним из наиболее глубоких и влиятельных новаторов в музыке XX века. Ему принадлежат 6 струнных квартетов, одноактная опера «Замок герцога Синяя Борода» (1918), балеты «Чудесный мандарин» (1919, был запрещен цензурой за «непристойность»), «Деревянный принц» (1914-1917), Концерт для оркестра (1942-1945), «Музыка для струнных, перкуссии и челесты», 2 концерта для скрипки с окрестром, симфоническая поэма «Кошут», сюиты «На вольном воздухе» и «Микрокосмос» и другие сочинения.

Исаак Дунаевский

Исаак Осипович Дунаевский (18 (30) января 1900, Лохвица, Полтавская губерния, Российская империя (ныне Полтавская область, Украина) — 25 июля 1955, Москва, СССР) — крупнейший советский композитор, автор 13 оперетт и балетов, музыки к нескольким десяткам кинофильмов, множества популярных советских песен, народный артист РСФСР (1950), лауреат двух Сталинских премий (1941, 1951).

Дунаевский родился 30 января 1900 года в украинском городке Лохвище в еврейской семье мелкого банковского служащего Цали Симоновича и Розалии Исааковны Дунаевских. Двойное имя отца — Цале-Йосеф — послужило основой для отчества будущего композитора — Осипович. Семья была музыкальной. Дед был кантором, мать играла на фортепиано и пела. Пятеро братьев Исаака тоже стали музыкантами. С детства проявил незаурядные музыкальные способности, с восьмилетнего возраста брал уроки скрипки у Григория Полянского.

В 1910 году семья переехала в Харьков. В 1910 году он поступил в Харьковское музыкальное училище, где занимался игрой на скрипке (преподаватель — Константин Горский) и композицией. В 1918 году с золотой медалью окончил гимназию, а через год — харьковскую консерваторию по классу скрипки (преподаватель — И. Ю. Ахрон), композицией занимался у С.С. Богатырёва.

С 1919 года работал скрипачом в оркестре, концертмейстером.

С 1920 года — композитор и дирижер в Харьковском русском драматическом театре. Дебютировал как театральный композитор в 1920 году — музыка к спектаклю «Женитьба Фигаро».

В 1924 году переехал в Москву. В 1924–1926 гг. — музыкальный руководитель театра «Эрмитаж». В 1926–1929 гг. — Театра сатиры. Здесь были поставлены его первые оперетты — «Женихи», «Ножи».

В 1929 году переехал в Ленинград. До 1934 года — композитор и главный дирижёр Ленинградского мюзик-холла. Начал сотрудничать с Л.О. Утёсовым.

И. Дунаевский вместе с кинорежиссёром Г.В. Александровым стали создателями жанра советской музыкальной кинокомедии, сделав музыку одним из главных компонентов драматургии фильма. Первый их совместный фильм «Весёлые ребята» вышел на экраны в 1934 году и принёс И. Дунаевскому широкую известность. Затем последовали фильмы «Цирк» (1936), «Волга-Волга» (1938) и «Светлый путь» (1940). Мемориальная доска по адресу: Санкт-Петербург. Гороховая ул., 4, где с 1936 по 1941 г. жил и работал композитор.

Могила Исаака Осиповича на Новодевичьем кладбище Москвы

С 1937 по 1941 годы возглавлял Ленинградский союз композиторов. Был дружен с М.А. Булгаковым.

Во время Великой Отечественной войны был художественным руководителем ансамбля песни и пляски железнодорожников, много выступал по всей стране.

С 1943 года жил в Москве.

В 1947 году написал музыку к фильму «Весна». В 1949 году написал музыку к фильму кинорежиссера И.А. Пырьева «Кубанские казаки».

И. Дунаевский был женат с 1925 года на Зинаиде Судейкиной. В 1932 году у них родился сын Евгений. В 1945 году у Дунаевского от гражданской жены Зои Пашковой родился сын Максим.

Умер в Москве 25 июля 1955 года от сердечного спазма. Существует неподтвержденная версия о самоубийстве И. Дунаевского. Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Исаак Дунаевский обладал уникальным мелодическим даром и внёс большой вклад в формирование жанра советской музыки. Наиболее значительных результатов Дунаевский достиг в лёгкой музыке: «Стрелки», музыка к фильмам «Цирк», «Вратарь», «Весёлые ребята», «Весна», оперетты «Белая акация», «Дети капитана Гранта» и др. В музыке к фильмам и опереттах лёгкая музыка непринуждённо сочеталась с симфоническим жанром. Даже фрагменты оперетт по существу являются законченными и целостными музыкальными произведениями и часто исполняются в концертах отдельно. Произведения Дунаевского отличаются развитым мелодическим ходом и гармоническим языком, при кажущейся лёгкости требуют от певца высокого вокального мастерства и больших голосовых ресурсов.

Дунаевский создал ряд проникновенных лирических песен, неизменно популярных и любимых многими поколениями советских людей: «Моя любовь», «Цветет калина», «Вечер вальса», «Школьный вальс», «Каким ты был, таким ты и остался», «Не забывай», «Молчание».

Отдельная страница творчества Дунаевского — песни для пионеров: «До чего же хорошо кругом», «Скворцы прилетели», «Летите, голуби!», «Марш юннатов».

Марши Дунаевского бравурны, ярки, создают праздничное, боевое настроение. «Песня о Родине» стала позывными радиостанции «Маяк», «Марш энтузиастов», «Марш весёлых ребят», марши из кинофильмов «Вратарь», «Дети капитана Гранта» имеют всеобщую популярность. Героический марш «Моя Москва» стал фактически гимном города Москвы.

Патриотические песни «Дорожная», «Дальняя сторожка», «Звезды милой Родины», «Каховка» разучивались детьми во всех советских школах 1940-1960-х годов.

Сыновья Дунаевского — также известные деятели искусства. Евгений Дунаевский (ум. 2000) — яркий и самобытный московский художник-«станковист». Максим Дунаевский — известный эстрадный композитор (кинофильмы «Д’Артаньян и три мушкетёра», «Мэри Поппинс, до свидания!» и др.)

Сэмюэл Барбер

Сэмюэл Барбер — американский композитор, родился 9 марта 1910 года в Уэст-Честере (штат Пенсильвания). Начал учиться музыке в возрасте шести лет и уже на первом году обучения обнаружил признаки композиторского дарования. В тринадцать лет поступил в Музыкальный институт Кёртиса в Филадельфии, где в течение девяти лет занимался игрой на фортепиано, пением и композицией, а также брал уроки дирижирования у Ф. Райнера.

Во время Второй мировой войны Барбер служил в военно-воздушных силах США. В апреле 1945 он был избран почетным членом Мемориального фонда Дж. Гуггенхейма. В течение летних сезонов 1947 и 1948 являлся музыкальным консультантом Американской академии в Риме.

Среди сочинений, принесших Барберу мировую известность, можно упомянуть Адажио для струнного оркестра, оркестровые эссе № 1 и № 2, «Кэприкорнский концерт» для флейты, гобоя, трубы и струнных, Виолончельную и Фортепианную сонаты (Соната для фортепиано впервые исполнена Владимиром Горовицем). В опере «Ванесса» раскрылся талант Барбера как музыкального драматурга.

Первая симфония была создана в Риме и исполнена там же под управлением Б. Молинари (1936); в 1937 сочинение прозвучало на Зальцбургском фестивале. Премьеру Второй симфонии провел в 1944 Сергей Кусевицкий с Бостонским симфоническим оркестром; под его же управлением в 1948 состоялось первое исполнение «Летней музыки» для квинтета духовых, а в 1946 — Виолончельного концерта.

Балет «Медея» (другое название «Пещера сердца»), заказанный Барберу Мартой Грэхем, до сих пор пользуется наибольшей известностью среди его театральных композиций. Оркестровая сюита из этого балета впервые прозвучала в 1947 в исполнении Филадельфийского оркестра под управлением Ю. Орманди.

В 1964 Барбер получил заказ на оперу «Антоний и Клеопатра» по Шекспиру; в создании ее либретто композитор сотрудничал с режиссером Ф. Дзеффирелли. Премьерой этого произведения было ознаменовано открытие 16 сентября 1966 нового здания нью-йоркской «Метрополитен-опера».

В течение своей жизни Барбер получил множество премий и наград, в том числе дважды Пулитцеровскую премию (1958 и 1963): в первый раз премия была присуждена ему за оперу «Ванесса», которая одновременно получила и Премию критики; во второй — за Фортепианный концерт № 1.

Экспрессивная природа музыкального дарования Барбера — в основном романтическая, лирическая. Именно поэтому в период творческого становления его не привлекла ни одна из «систем», возникших в музыке ХХ века — ни неоклассицизм Стравинского, ни атонализм, ни додекафония Шёнберга. Барбер предпочел им выразительные средства 19 в., и на этой основе рано сумел выработать технически совершенный стиль, главными признаками которого можно считать объективность и нейтральность.

Пожалуй, только в одном сочинении Барбера — «Кэприкорнском концерте» (1944) — заметно прямое влияние художественных течений современности, а именно неоклассицизма Стравинского. Неоклассицизм оказал сдерживающее воздействие на романтически насыщенный язык Барбера, и тенденция к экономному обращению с выразительными средствами и кульминациями стала характерной для всего зрелого творчества композитора.

Умер Барбер в Нью-Йорке 23 января 1981 года.

Сергей Рахманинов

Сергей Васильевич Рахманинов (1 апреля (20 марта) 1873 — 28 марта 1943) — русский композитор, пианист и дирижер.

Синтезировал в своем творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также традиции западноевропейской музыки) и создал свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии влияние как на русскую, так и на мировую музыку XX века.

Сергей Васильевич Рахманинов родился 1 апреля 1873 года в дворянской семье. Долгое время местом рождения считалось имение его родителей Онег, недалеко от Новгорода; исследования последних лет называют усадьбу Семеново Старорусского уезда Новгородской губернии (Россия).

Отец композитора, Василий Аркадьевич (1841―1916), происходил из дворян Тамбовской губернии. История рода Рахманинова уходит корнями к внуку молдавского царя Стефана Великого Василию, прозванного Рахманиным. Мать, Любовь Петровна (урожденная Бутакова) ― дочь директора Кадетского корпуса генерала П.И. Бутакова. Дед композитора по отцовской линии, Аркадий Александрович, был музыкантом, учился игре на фортепиано у Дж. Филда и выступал с концертами в Тамбове, Москве и Петербурге. Сохранились романсы и фортепианные пьесы его сочинения, в том числе «Прощальный галоп 1869-му году» для фортепиано в четыре руки. Василий Рахманинов тоже был музыкально одаренным, но музицировал исключительно любительски.

Интерес С.В. Рахманинова к музыке обнаружился в раннем детстве. Первые уроки игры на фортепиано дала ему мать, затем была приглашена учительница музыки А.Д. Орнатская. При ее поддержке осенью 1882 года Рахманинов поступил на младшее отделение Санкт-Петербургской консерватории в класс В.В. Демьянского [4]. Обучение в Петербургской консерватории шло плохо, так как Рахманинов часто прогуливал занятия, поэтому на семейном совете мальчика было решено перевести в Москву и осенью 1885 года он был принят на третий курс младшего отделения Московской консерватории к профессору Н.С. Звереву.

Несколько лет провел Рахманинов в известном московском частном пансионе музыкального педагога Николая Зверева, воспитанником которого был также Александр Николаевич Скрябин и многие другие выдающиеся русские музыканты (Александр Ильич Зилоти, Константин Николаевич Игумнов, Арсений Николаевич Корещенко, Матвей Леонтьевич Пресман и др). Здесь в возрасте 13 лет Рахманинов был представлен Петру Ильичу Чайковскому, который позже принял большое участие в судьбе молодого музыканта.

В 1888 году Рахманинов продолжил обучение на старшем отделении Московской консерватории в классе двоюродного брата А.И. Зилоти, а спустя год под руководством С.И. Танеева и А.С. Аренского начал заниматься композицией.

В возрасте 19 лет Рахманинов окончил консерваторию как пианист (у А. И. Зилоти) и как композитор с большой золотой медалью. К тому времени появилась его первая опера — «Алеко» (дипломная работа) по произведению А.С. Пушкина «Цыганы», первый фортепианный концерт, ряд романсов, пьесы для фортепиано, в том числе, прелюдия до-диез минор, которая позднее стала одним из наиболее известных произведений Рахманинова.

В возрасте 20 лет, из-за нехватки денег, он стал преподавателем в московском Мариинском женском училище, в 24 года — дирижером Московской русской частной оперы Саввы Мамонтова, где работал в течение одного сезона, однако успел сделать значительный вклад в развитие русской оперы.

Рахманинов рано приобрел известность как композитор, пианист и дирижер. Однако его успешная карьера была прервана 15 марта 1897 года неудачной премьерой Первой симфонии (дирижер — А. К. Глазунов), которая окончилась полным провалом как из-за некачественного исполнения, так и — главным образом — из-за новаторской сущности музыки. По мнению А.В. Оссовского, определенную роль сыграла неопытность Глазунова как руководителя оркестра во время репетиций[5]. Это событие послужило причиной серьезной нервной болезни. В течение 1897–1901 годов Рахманинов не мог сочинять, и лишь помощь опытного психиатра, доктора Николая Даля, помогла ему выйти из кризиса.

В 1901 году закончил свой Второй фортепианный концерт, создание которого ознаменовало выход Рахманинова из кризиса и одновременно — вступление в следующий, зрелый период творчества. Вскоре он принял приглашение занять место дирижера в московском Большом театре. После двух сезонов отправился в путешествие по Италии (1906 г.), затем на три года поселился в Дрездене, чтобы полностью посвятить себя композиции. В 1909 году Рахманинов совершил большое концертное турне по Америке и Канаде, выступая как пианист и дирижер. В 1911 году С.В. Рахманинов, находясь в Киеве, по просьбе своего друга и коллеги А.В. Оссовского прослушал молодую певицу Ксению Держинскую, вполне оценив ее талант; он сыграл большую роль в становлении оперной карьеры знаменитой певицы.

Вскоре после революции 1917 года воспользовался неожиданно пришедшим из Швеции предложением выступить в концерте в Стокгольме и в конце 1917 года вместе с женой Натальей Александровной и дочерьми покинул Россию. В середине января 1918 года Рахманинов отправился через Мальме в Копенгаген. 15 февраля он впервые выступил в Копенгагене, где сыграл свой Второй концерт с дирижером Хеэбергом[6]. До конца сезона он выступил в одиннадцати симфонических и камерных концертах, что дало ему возможность расплатиться с долгами.

1 ноября 1918 года, вместе с семьей, отплыл из Норвегии в Нью-Йорк. Вплоть до 1926 года не писал значительных произведений; творческий кризис, таким образом, продолжался около 10 лет. Лишь в 1926–1927 гг. появляются новые произведения: Четвертый концерт и Три русские песни. В течение жизни за рубежом (1918–1943 гг.) Рахманинов создал всего 6 произведений, которые принадлежат к вершинам русской и мировой музыки.

Местом постоянного жительства избрал США, много гастролировал в Америке и в Европе и вскоре был признан одним из величайших пианистов своей эпохи и крупнейшим дирижером. В 1941 году закончил свое последнее произведение, многими признанное как величайшее его создание, — Симфонические танцы. В годы Великой Отечественной войны Рахманинов дал в США несколько концертов, весь денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии. Денежный сбор от одного из своих концертов передал в Фонд обороны СССР со словами: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу».

Последние годы Рахманинова были омрачены смертельной болезнью (рак легких). Однако несмотря на это, он продолжал концертную деятельность, прекращенную лишь незадолго до смерти.

Рахманинов умер 28 марта 1943 года в Беверли-Хиллз, штат Калифорния США.

Творческий облик Рахманинова-композитора часто определяют словами «самый русский композитор». В этой краткой и неполной характеристике выражены как объективные качества стиля Рахманинова, так и место его наследия в исторической перспективе мировой музыки. Именно творчество Рахманинова выступило тем синтезирующим знаменателем, который объединил и сплавил творческие принципы московской (П.Чайковский) и Петербургской школ в единый и цельный русский стиль. Тема «Россия и ее судьба», генеральная для русского искусства всех видов и жанров, нашла в творчестве Рахманинова исключительно характерное и законченное воплощение. Рахманинов в этом отношении явился как продолжателем традиции опер Мусоргского, Римского-Корсакова, симфоний Чайковского, так и связующим звеном в непрерывной цепи национальной традиции (эта тема была продолжена в творчестве С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Г. Свиридова, А. Шнитке и др.). Особая роль Рахманинова в развитии национальной традиции объясняется историческим положением творчества Рахманинова — современника русской революции: именно революция, отраженная в русском искусстве как «катастрофа», «конец света», всегда была смысловой доминантой темы «Россия и ее судьба» (см. Н. Бердяев, «Истоки и смысл русского коммунизма»).

Творчество Рахманинова хронологически относится к тому периоду русского искусства, который принято называть «серебряным веком». Основным творческим методом искусства этого периода был символизм, черты которого ярко проявились и в творчестве Рахманинова. Произведения Рахманинова насыщены сложной символикой, выражаемой с помощью мотивов-символов, главным из которых является мотив средневекового хорала Dies Irae. Этот мотив символизирует у Рахманинова предчувствие катастрофы, «конца света», «возмездия».

В творчестве Рахманинова очень важны христианские мотивы: будучи глубоко верующим человеком, Рахманинов не только сделал выдающийся вклад в развитие русской духовной музыки (Литургия св. Иоанна Златоуста, 1910, Всенощное бдение, 1916), но и в прочих своих произведениях воплотил христианские идеи и символику.

Творчество Рахманинова принято условно делить на три или четыре периода: ранний (1889—1897), зрелый (его иногда делят на два периода: 1900—1909 и 1910—1917) и поздний (1918—1941).

Стиль Рахманинова, выросший из позднего романтизма, впоследствии претерпел значительную эволюцию. Подобно своим современникам А. Скрябину и И. Стравинскому Рахманинов по крайней мере дважды (ок. 1900 и ок. 1926) кардинально обновлял стиль своей музыки. Зрелый и особенно поздний стиль Рахманинова выходит далеко за пределы постромантической традиции («преодоление» которой началось еще в ранний период) и в то же время не принадлежит ни одному из стилистических течений музыкального авангарда XX в. Творчество Рахманинова, таким образом, стоит особняком в эволюции мировой музыки XX века: впитав многие достижения импрессионизма и авангарда, стиль Рахманинова остался неповторимо индивидуальным и своеобразным, не имеющим аналогов в мировом искусстве (исключая подражателей и эпигонов). В современном музыковедении часто используется параллель с Л. ван Бетховеном: так же, как и Рахманинов, Бетховен вышел в своем творчестве далеко за пределы воспитавшего его стиля (в данном случае — венского классицизма), не примкнув при этом к романтикам и оставшись чуждым романтическому миросозерцанию.

Первый — ранний период — начинался под знаком позднего романтизма, усвоенного главным образом через стиль Чайковского (Первый Концерт, ранние пьесы). Однако уже в Трио ре-минор (1893), написанном в год смерти Чайковского и посвященном его памяти, Рахманинов дает пример смелого творческого синтеза традиций романтизма (Чайковский), «кучкистов», древнерусской церковной традиции и современной бытовой и цыганской музыки. Это произведение — один из первых в мировой музыке примеров полистилистики — словно символически возвещает преемственность традиции от Чайковского — Рахманинову и вступление русской музыки в новый этап развития. В Первой Симфонии принципы стилистического синтеза были развиты еще более смело, что и послужило одной из причин ее провала на премьере.

Период зрелости отмечен формированием индивидуального, зрелого стиля, основанного на интонационном багаже знаменного распева, русской песенности и стиля позднего европейского романтизма. Эти черты ярко выражены в знаменитых Втором Концерте и Второй Симфонии, в фортепианных прелюдиях ор. 23. Однако начиная с симфонической поэмы «Остров мертвых» стиль Рахманинова усложняется, что вызвано, с одной стороны, обращением к тематике символизма и модерна, а с другой — претворением достижений современной музыки: импрессионизма, неоклассицизма, новых оркестровых, фактурных, гармонических приемов. Центральное произведение этого периода — грандиозная поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра, на слова Эдгара По в переводе К. Бальмонта (1913). Ярко новаторское, насыщенное небывало новыми хоровыми и оркестровыми приемами, это произведение оказало огромное влияние на хоровую и симфоническую музыку XX века. Тематика этого произведения характерна для искусства символизма, для данного этапа русского искусства и творчества Рахманинова: в нем символически воплощены различные периоды человеческой жизни, подводящей к неизбежной смерти; апокалипсическая символика Колоколов, несущая идею Конца Света, предположительно оказала влияние на «музыкальные» страницы романа Т. Манна «Доктор Фаустус».

Поздний — зарубежный период творчества — отмечен исключительным своеобразием. Стиль Рахманинова складывается из цельного сплава самых различных, порой противоположных стилистических элементов: традиций русской музыки — и джаза, древнерусского знаменного распева — и «ресторанной» эстрады 1930-х гг., виртуозного стиля XIX века — и жесткой токкатности авангарда. В самой разнородности стилистических предпосылок заключен философский смысл — абсурдность, жестокость бытия в современном мире, утрата духовных ценностей. Произведения этого периода отличаются загадочной символикой, смысловой полифонией, глубоким философским подтекстом.

Последнее произведение Рахманинова — Симфонические танцы (1941), ярко воплощающее все эти особенности, многие сравнивают с романом М. Булгакова «Мастер и Маргарита», законченным в это же время.
Значение композиторского творчества Рахманинова огромно: Рахманинов синтезировал различные тенденции русского искусства, различные тематические и стилистические направления, и объединил их под одним знаменателем — Русским национальным стилем. Рахманинов обогатил русскую музыку достижениями искусства XX века и был одним из тех, кто вывел национальную традицию на новый этап. Рахманинов обогатил интонационный фонд русской и мировой музыки интонационным багажом древнерусского знаменного распева. Рахманинов впервые (наряду со Скрябиным) вывел русскую фортепианную музыку на мировой уровень, стал одним из первых русских композиторов, чьи фортепианные произведения входят в репертуар всех пианистов мира. Рахманинов одним из первых осуществил синтез классической традиции и джаза.

Значение исполнительского творчества Рахманинова не менее велико: Рахманинов-пианист стал эталоном для многих поколений пианистов разных стран и школ, он утвердил мировой приоритет русской фортепианной школы, отличительными чертами которой являются: 1) глубокая содержательность исполнения; 2) внимание к интонационному богатству музыки; 3) «пение на фортепиано» — имитация средствами фортепиано вокального звучания и вокальной интонации. Рахманинов-пианист оставил эталонные записи многих произведений мировой музыки, на которых учатся многие поколения музыкантов.

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова

5 октября 2016 г. Госоркестру России имени Е.Ф. Светланова, одному из старейших симфонических коллективов страны, исполняется 80 лет. Первое выступление оркестра, прошедшее под управлением Александра Гаука и Эриха Клайбера, состоялось 5 октября 1936 г. в Большом зале Московской консерватории.

В разные годы Госоркестром руководили выдающиеся музыканты Александр Гаук (1936—1941), Натан Рахлин (1941—1945), Константин Иванов (1946—1965) и Евгений Светланов (1965—2000). 27 октября 2005 г. коллективу было присвоено имя Е.Ф. Светланова. В 2000–2002 гг. оркестр возглавлял Василий Синайский, в 2002–2011 гг. — Марк Горенштейн.

24 октября 2011 г. художественным руководителем коллектива назначен Владимир Юровский, всемирно известный дирижер, сотрудничающий с крупнейшими оперными театрами и симфоническими оркестрами. С сезона 2016/17 г. главным приглашенным дирижером Госоркестра России имени Е.Ф. Светланова является Василий Петренко.

Концерты оркестра проходили на самых известных концертных площадках мира, в том числе в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени П.И. Чайковского и Государственном Кремлевском дворце в Москве, Карнеги-холле в Нью-Йорке, Кеннеди-центре в Вашингтоне, Музикферайне в Вене, Альберт-холле в Лондоне, зале Плейель в Париже, Национальном оперном театре Колон в Буэнос-Айресе, Сантори-холле в Токио. В 2013 г. оркестр впервые выступил на Красной площади в Москве.

За дирижерским пультом коллектива стояли Г. Абендрот, Э. Ансерме, Л. Блех, Н. Голованов, К. Зандерлинг, О. Клемперер, К. Кондрашин, Л. Маазель, К. Мазур, Н. Малько, И. Маркевич, Е. Мравинский, Ш. Мюнш, М. Ростропович, С. Сондецкис, И. Стравинский, А. Янсонс, А. Борейко, А. Ведерников, В. Гергиев, Ш. Дютуа, А. Лазарев, И. Марин, Г. Ринкявичюс, Г. Рождественский, А. Сладковский, Л. Слаткин, Ю. Темирканов, М. Юровский и другие замечательные дирижеры.

С оркестром выступали выдающиеся музыканты — певцы И. Архипова, Г. Вишневская, С. Лемешев, Е. Образцова, М. Гулегина, П. Доминго, М. Кабалье, Й. Кауфман, Д. Хворостовский, пианисты Э. Гилельс, В. Клиберн, Г. Нейгауз, Н. Петров, С. Рихтер, М. Юдина, В. Афанасьев, Б. Березовский, Э. Вирсаладзе, Е. Кисин, Н. Луганский, Д. Мацуев, Г. Соколов, скрипачи Л. Коган, И. Менухин, Д. Ойстрах, М. Венгеров, В. Пикайзен, В. Репин, В. Спиваков, В. Третьяков, альтист Ю. Башмет, виолончелисты М. Ростропович, Н. Гутман, А. Князев, А. Рудин. В последние годы список солистов, сотрудничающих с коллективом, пополнился именами певцов В. Майер, А. Нетребко, Х. Герзмавы, А. Пендачанской, И. Абдразакова, Д. Корчака, В. Ладюка, Р. Папе, пианистов М. Учиды, Р. Бухбиндера, скрипачей Л. Кавакоса, П. Копачинской, Ю. Фишер, Д. Хоупа, Н. Цнайдера. Значительное внимание уделяется также совместной работе с молодыми музыкантами, среди которых дирижеры С. Кочановский, А. Пога, М. Стравинский, Ф. Чижевский, пианисты Л. Дебарг, Ф. Копачевский, Я. Лисецкий, Д. Маслеев, А. Романовский, скрипачи А. Баева, А. Притчин, В. Соколов, П. Милюков, виолончелист А. Рамм.

Впервые побывав за рубежом в 1956 г., оркестр с тех пор представлял русское искусство в Австралии, Австрии, Бельгии, Гонконге, Дании, Италии, Канаде, Китае, Ливане, Мексике, Новой Зеландии, Польше, США, Таиланде, Франции, Чехословакии, Швейцарии, Южной Корее, Японии и многих других странах.

Дискография коллектива насчитывает сотни грампластинок и CD, выпущенных ведущими фирмами России и зарубежья («Мелодия», «Бомба-Питер», Deutsche Grammophon, EMI Classics, BMG, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhaus und Grimm, Toccata Classics, Fancymusic и другие). Особое место в этом собрании занимает «Антология русской симфонической музыки», которая включает аудиозаписи сочинений русских композиторов от Глинки до Стравинского (дирижер Евгений Светланов). Записи концертов оркестра осуществлены телеканалами Mezzo, Medici, «Россия 1» и «Культура», радио «Орфей».

В недавнем времени Госоркестр выступил на фестивалях в Графенегге (Австрия), Kissinger Sommer в Бад-Киссингене (Германия), «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, VI фестивале Мстислава Ростроповича в Москве, III симфоническом форуме России в Екатеринбурге, Платоновском фестивале искусств в Воронеже; осуществил мировые премьеры сочинений А. Вустина, С. Слонимского, А. Батагова, А. Семёнова и Ю. Шерлинга, а также российские премьеры произведений Л. ван Бетховена — Г. Малера, В. Сильвестрова, Р. Щедрина, Дж. Тавенера, А. Скрябина — А. Немтина, К. Орфа, Г. Гладкова, В. Тарнопольского, Ж.-Д. Бонтемпу; принял участие в XV Международном конкурсе имени П.И. Чайковского и I Международном конкурсе молодых пианистов Grand Piano Competition; четырежды представил ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает»; посетил города России, Австрии, Аргентины, Бразилии, Чили, Германии, Испании, Турции, Китая.

С января 2016 г. Госоркестр реализует особый проект по поддержке профессионального композиторского творчества, предполагающий тесное сотрудничество коллектива с современными российскими авторами. Первым в истории «композитором в резиденции» оркестра стал Александр Вустин. За выдающиеся творческие достижения коллектив с 1972 г. носит почетное звание «академический», в 1986 г. он был награжден орденом Трудового Красного Знамени, в 2006 и 2011 гг. удостоен благодарности Президента Российской Федерации.