Дирижирует Геннадий Рождественский. 85 лет

Кирилл Филин

Кирилл Филин родился в 1977 году. С отличием окончил Академическое музыкальное училище при Московской консерватории (2002) и Российскую академию музыки имени Гнесиных (2007, класс А. В. Мочалова).

Певец трижды успешно принимал участие во всероссийском конкурсе вокалистов Bella voce в Москве (1999 и 2000 гг. — дипломы, 2002 — III премия). Также он является дипломантом международных конкурсов — имени Л.П. Александровской (2004, Минск), II и III конкурсов оперных артистов Галины Вишневской (2008, 2010, Москва); обладателем I премии Первого всероссийского открытого конкурса вокалистов Валентины Левко (2007, Москва).

Кирилл Филин — солист Московского государственного академического Камерного музыкального театра имени Б.А. Покровского. В его репертуаре партии Базилио («Севильский цирюльник» Дж. Россини), Антонио («Свадьба Фигаро» В. А. Моцарта), Лепорелло, Командора, Мазетто («Дон-Жуан» В. А. Моцарта), Коллена («Богема» Дж. Пуччини), Бетто («Джанни Скикки» Дж. Пуччини), Филиппа II, Великого инквизитора, Монаха («Дон Карлос» Дж. Верди), Монтероне, Спарафучиле («Риголетто» Дж. Верди), Бориса, Пимена («Борис Годунов» М. П.Мусоргского), Собакина («Царская невеста» Н. А. Римского-Корсакова), Фарлафа, Светозара («Руслан и Людмила» М. И. Глинки), Гремина («Евгений Онегин» П. И. Чайковского), Кутузова, Маршала Даву («Война и мир» С. С. Прокофьева) и другие роли, а также оперные арии и романсы русских и зарубежных композиторов, народные песни.

Кирилл Филин активно концертирует, сотрудничает с Государственной академической симфонической капеллой России под управлением Валерия Полянского, фондом «Таланты мира», Народным клубом любителей русских басов и другими концертными организациями.

Геннадий Рождественский

Геннадий Рождественский — яркая личность и могучий талант, гордость русской музыкальной культуры. Каждый этап творческой деятельности всемирно признанного музыканта — это грандиозный раздел культурной жизни современности, направленный на служение Музыке, «миссии несения Красоты» (по его собственному выражению).

Геннадий Рождественский закончил Московскую государственную консерваторию по классу фортепиано у Льва Оборина и классу дирижирования у своего отца, выдающегося дирижера Николая Аносова, а также аспирантуру при консерватории.

Много ярких страниц творческой биографии Геннадия Рождественского связано с Большим театром. Еще будучи студентом консерватории он дебютировал балетом Чайковского «Спящая красавица» (весь спектакль молодой стажер провел без партитуры!). В том же 1951 году, пройдя отборочный конкурс, он был принят балетным дирижером Большого театра и проработал в этом качестве до 1960 года. Рождественский дирижировал балетами «Бахчисарайский фонтан», «Лебединое озеро», «Золушка», «Сказ о каменном цветке» и другими спектаклями театра, участвовал в постановке балета Р. Щедрина «Конек-Горбунок» (1960). В 1965-70 гг. Геннадий Рождественский был главным дирижером Большого театра. Его репертуар в театре охватывал около сорока опер и балетов. Дирижер принимал участие в постановках балетов «Спартак» Хачатуряна (1968), «Кармен-сюита» Бизе-Щедрина (1967), «Щелкунчик» Чайковского (1966) и других; впервые на русской сцене поставил оперы «Человеческий голос» Пуленка (1965), «Сон в летнюю ночь» Бриттена (1965). В 1978 году он возвратился в Большой театр оперным дирижером (до 1983), участвовал в постановках целого ряда оперных спектаклей, среди них «Катерина Измайлова» Шостаковича (1980) и «Обручение в монастыре» Прокофьева (1982). Много лет спустя, в юбилейном, 225-ом сезоне Большого театра Геннадий Рождественский стал генеральным художественным руководителем ГАБТа (с сентября по июнь 2000 года), за это время разработал для театра ряд концептуальных проектов и подготовил мировую премьеру оперы «Игрок» Прокофьева в первой авторской редакции.

В 1950-х гг. имя Геннадия Рождественского стало хорошо известно и поклонникам симфонической музыки. За более чем полувековую творческую деятельность маэстро Рождественский стоял за дирижерским пультом практически всех прославленных российских и зарубежных симфонических коллективов. В 1961–1974 годах он был главным дирижером и художественным руководителем БСО Центрального телевидения и Всесоюзного радио. С 1974 по 1985 год Г. Рождественский — музыкальный руководитель Московского камерного музыкального театра, где вместе с режиссером Борисом Покровским возродил к новой жизни оперы «Нос» Д.Д. Шостаковича и «Похождение повесы» И.Ф. Стравинского, провел ряд интересных премьер. В 1981 году дирижер создал Государственный симфонический оркестр Министерства культуры СССР. Десять лет руководства этим коллективом стали временем создания уникальных концертных программ.

Крупнейший интерпретатор музыки ХХ века, Рождественский познакомил отечественную публику со многими неизвестными ей сочинениями А. Шёнберга, П. Хиндемита, Б. Бартока, Б. Мартину, О. Мессиана, Д. Мийо, А. Онеггера; по существу, он вернул России наследие Стравинского. Под его управлением прозвучали премьеры многих произведений Р. Щедрина, С. Слонимского, А. Эшпая, Б. Тищенко, Г. Канчели, А. Шнитке, С. Губайдулиной, Э. Денисова. Значителен и вклад дирижера в освоение наследия С. Прокофьева и Д. Шостаковича. Геннадий Рождественский стал первым исполнителем в России и за рубежом многих произведений Альфреда Шнитке. В целом, выступая со многими ведущими оркестрами мира, он исполнил более 300 произведений впервые в России и более 150 — впервые в мире. Рождественскому посвятили свои произведения Р. Щедрин, А. Шнитке, С. Губайдулина и многие другие композиторы.

К середине 70-х годов Геннадий Рождественский стал одним из самых авторитетных дирижеров Европы. С 1974 по 1977 год он возглавлял Стокгольмский филармонический симфонический оркестр, позднее руководил оркестром Би-би-си в Лондоне (1978-1981), Венским симфоническим (1980-1982). Кроме того, Рождественский в разные годы работал с Берлинским филармоническим оркестром, Королевским оркестром Консертгебау (Амстердам), симфоническими оркестрами Лондона, Чикаго, Кливленда и Токио (почетный и действующий дирижер оркестра «Иомиури») и другими коллективами.

В общей сложности Рождественским с разными оркестрами записаны свыше 700 пластинок и компакт-дисков. Дирижер записал на пластинки циклы всех симфоний С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Г. Малера, А. Глазунова, А. Брукнера, многие произведения А. Шнитке. Записи дирижера удостоены наград: Гран-при фирмы Lе Chant Du Mondе, диплом Академии Шарля Кро в Париже (за записи всех симфоний Прокофьева, 1969).

Рождественский — автор нескольких сочинений, среди которых монументальная оратория «Заповедное слово русскому народу» для чтеца, солистов, хора и оркестра на слова А. Ремизова.

Много времени и творческих сил отдает Геннадий Рождественский педагогической деятельности. С 1974 г. преподает на кафедре оперно-симфонического дирижирования Московской консерватории, с 1976 г. — профессор, с 2001 г. — заведующий кафедрой оперно-симфонического дирижирования. Г. Рождественский воспитал целую плеяду талантливых дирижеров, среди которых народные артисты России Валерий Полянский и Владимир Понькин. Маэстро написаны и выпущены книги «Дирижерская аппликатура», «Мысли о музыке» и «Треугольники»; в книге «Преамбулы» собраны тексты-пояснения, с которыми он выступал в своих концертах, начиная с 1974 года. В 2010 году вышла в свет его новая книга — «Мозаика».

Заслуги Г.Н. Рождественского перед искусством отмечены почетными званиями: народный артист СССР, Герой Социалистического труда, лауреат Ленинской премии. Геннадий Рождественский — Почетный член Шведской Королевской академии, Почетный академик Английской Королевской академии музыки, профессор. Среди наград музыканта: болгарский орден Кирилла и Мефодия, японский Орден Восходящего Солнца, российский орден «За заслуги перед Отечеством» IV, III и II степени. В 2003 г. Маэстро получил звание Офицера Ордена Почетного Легиона Франции.

Геннадий Рождественский — блестящий симфонический и театральный дирижер, пианист, педагог, композитор, автор книг и статей, великолепный оратор, исследователь, реставратор многих партитур, тонкий ценитель живописи, знаток литературы, страстный коллекционер, эрудит. «Полифония» интересов Маэстро проявилась в полной мере в «режиссуре» его ежегодных абонементных программ с Государственной академической симфонической капеллой России, проводимых Московской филармонией уже более 10 лет.

Вольфганг Амадей Моцарт

Вольфганг Амадей Моцарт, полное имя Иоганн Хризостом Вольфганг Теофил Моцарт (27 января 1756, Зальцбург — 5 декабря 1791, Вена) — австрийский композитор, капельмейстер, скрипач-виртуоз, клавесинист, органист. По свидетельству современников, обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Наряду с Гайдном и Бетховеном, принадлежит к наиболее значительным представителям Венской классической школы.

Моцарт родился 27 января 1756 года в Зальцбурге, бывшем тогда столицей Зальцбургского архиепископства, теперь этот город находится на территории Австрии. На второй день после рождения он был крещен в соборе святого Руперта. Запись в книге крещений дает его имя на латыни как Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. В этих именах первые два слова — имя святого Иоанна Златоуста, не использующееся в повседневной жизни, а четвертое при жизни Моцарта варьировалось: лат. Amadeus, нем. Gottlieb, итал. Amadeo, что значит «возлюбленный Богом». Сам Моцарт предпочитал, чтобы его называли Вольфганг.

Музыкальные способности Моцарта проявились в очень раннем возрасте, когда ему было около трех лет. Его отец Леопольд был одним из ведущих европейских музыкальных педагогов. Его книга «Опыт основательной скрипичной школы» (нем. Versuch einer gründlichen Violinschule) была опубликована в 1756 году — в год рождения Моцарта, выдержала много изданий и была переведена на множество языков, в том числе и на русский. Отец обучил Вольфганга основам игры на клавесине, скрипке и органе.

В Лондоне малолетний Моцарт был предметом научных исследований, а в Голландии, где во время постов строго изгонялась музыка, для Моцарта было сделано исключение, так как в его необычайном даровании духовенство усматривало перст Божий.

В 1762 году отец Моцарта предпринял с сыном и дочерью Анной, также замечательной исполнительницей на клавесине, артистическое путешествие в Мюнхен и Вену, а затем и во многие другие города Германии, Париж, Лондон, Голландию, Швейцарию. Всюду Моцарт возбуждал удивление и восторг, выходя победителем из труднейших испытаний, которые ему предлагались людьми как сведущими в музыке, так и дилетантами. В 1763 году изданы в Париже первые сонаты Моцарта для клавесина и скрипки. С 1766 по 1769 годы, живя в Зальцбурге и Вене, Моцарт изучал творчество Генделя, Страделла, Кариссими, Дуранте и других великих мастеров. По повелению императора Иосифа II Моцарт написал за несколько недель оперу «Мнимая простушка» (итал. La Finta semplice), но члены итальянской труппы, в руки которых попало это произведение 12-летнего композитора, не пожелали исполнять музыку мальчика, и их интриги были столь сильны, что его отец не решился настаивать на исполнении оперы.

1770–1774 годы Моцарт провел в Италии. В 1771 году в Милане, опять же при противодействии театральных импресарио, все же была поставлена опера Моцарта «Митридат, царь Понтийский» (итал. Mitridate, Re di Ponto), которая была принята публикой с большим энтузиазмом. С таким же успехом была дана и вторая его опера, «Lucio Sulla» (Луций Сулла) (1772 год). Для Зальцбурга Моцарт написал «Сон Сципиона» (итал. Il sogno di Scipione), по поводу избрания нового архиепископа, 1772 год, для Мюнхена — оперу «La bella finta Giardiniera», 2 мессы, офферторий (1774 год). Когда ему минуло 17 лет, среди его произведений насчитывались уже 4 оперы, несколько духовных стихотворений, 13 симфоний, 24 сонаты, не говоря о массе более мелких композиций.

В 1775–1780 годах, несмотря на заботы о материальном обеспечении, бесплодную поездку в Мюнхен, Мангейм и Париж, потерю матери, Моцарт написал, среди прочего, 6 клавирных сонат, концерт для флейты и арфы, большую симфонию № 31 D-dur, прозванную Парижской, несколько духовных хоров, 12 балетных номеров.

В 1779 году Моцарт получил место придворного органиста в Зальцбурге (сотрудничал с Михаэлем Гайдном). 26 января 1781 года в Мюнхене с огромным успехом была поставлена опера «Идоменей». С «Идоменея» начинается реформа лирико-драматического искусства. В этой опере видны еще следы староитальянской opera seria (большое число колоратурных арий, партия Идаманта, написанная для кастрата), но в речитативах и в особенности в хорах ощущается новое веяние. Большой шаг вперед замечается и в инструментовке. Во время пребывания в Мюнхене Моцарт написал для мюнхенской капеллы офферторий «Misericordias Domini» — один из лучших образцов церковной музыки конца XVIII века. С каждой новой оперой творческая сила и новизна приемов Моцарта проявлялись все ярче и ярче. Опера «Похищение из сераля» (нем. Die Entführung aus dem Serail), написанная по поручению императора Иосифа II в 1782 году, была принята с энтузиазмом и вскоре получила большое распространение в Германии, где ее стали считать первой национальной немецкой оперой. Она была написана во время романтических отношений Моцарта с Констанцей Вебер, которая впоследствии стала его женой.

Несмотря на успех Моцарта, его материальное положение было не блестящим. Оставив место органиста в Зальцбурге и пользуясь скудными щедротами венского двора, Моцарт для обеспечения своей семьи должен был давать уроки, сочинять контрдансы, вальсы и даже пьесы для стенных часов с музыкой, играть на вечерах венской аристократии (отсюда его многочисленные концерты для фортепиано). Оперы «L’oca del Cairo» (1783 год) и «Lo sposo deluso» (1784 год) остались неоконченными.

В 1783–1785 годах созданы 6 знаменитых струнных квартетов, которые Моцарт посвятил Йозефу Гайдну, мастеру этого жанра, и которые тот принял с величайшим почтением. К этому же времени относится его оратория «Davide penitente» (Кающийся Давид).

С 1786 года начинается необычайно плодовитая и неустанная деятельность Моцарта, которая была главной причиной расстройства его здоровья. Примером невероятной быстроты сочинения может служить опера «Женитьба Фигаро», написанная в 1786 году в 6 недель и, тем не менее, поражающая мастерством формы, совершенством музыкальной характеристики, неиссякаемым вдохновением. В Вене «Женитьба Фигаро» прошла почти незамеченной, но в Праге она вызвала необычайный восторг. Не успел соавтор Моцарта Лоренцо да Понте закончить либретто «Женитьбы Фигаро», как ему пришлось по требованию композитора спешить с либретто «Дон-Жуана», которого Моцарт писал для Праги. Это великое произведение, не имеющее аналогов в музыкальном искусстве, увидело свет в 1787 году в Праге и имело еще больший успех, чем «Женитьба Фигаро».

Гораздо меньший успех выпал на долю этой оперы в Вене, вообще относившейся к Моцарту холоднее, чем другие центры музыкальной культуры. Звание придворного композитора с содержанием в 800 флоринов (1787 год), было весьма скромной наградой за все труды Моцарта. Тем не менее, он был привязан к Вене, и когда в 1789 году, посетив Берлин, он получил приглашение стать во главе придворной капеллы Фридриха-Вильгельма II с содержанием в 3 тысячи талеров, то все же не решился оставить Вену.

Однако множество исследователей жизни Моцарта утверждают, что ему не было предложено место при прусском дворе. Фридрих Вильгельм II лишь сделал заказ на шесть простых фортепьянных сонат для своей дочери и шесть струнных квартетов для него самого. Моцарт не хотел признавать, что поездка в Пруссию провалилась, и сделал вид, будто Фридрих Вильгельм II пригласил его на службу, но из уважения к Иосифу II он от места отказался. Заказ, полученный в Пруссии, придавал его словам видимость правды. Денег, вырученных во время поездки, было мало. Их едва хватило на уплату долга в 100 гульденов, которые были взяты у брата масона Гофмеделя на дорожные расходы.

После «Дон-Жуана» Моцарт сочиняет 3 наиболее известные симфонии: № 39 ми-бемоль мажор (KV 543), № 40 соль минор (KV 550) и № 41 до мажор «Юпитер» (KV 551), написанные в течение полутора месяцев в 1788 году; из них в особенности знамениты две последние. В 1789 году Моцарт посвятил прусскому королю струнный квартет с партией концертирующей виолончели (ре мажор).

После смерти императора Иосифа II (1790 год) материальное положение Моцарта оказалось настолько безвыходным, что он должен был уехать из Вены от преследований кредиторов и артистическим путешествием хоть немного поправить свои дела. Последними операми Моцарта были «Così fan tutte» (1790 год), «Милосердие Тита» (1791 год), заключающая в себе чудные страницы, несмотря на то, что была написана в 18 дней для коронации императора Леопольда II, и наконец, «Волшебная флейта» (1791 год), имевшая колоссальный успех, чрезвычайно быстро распространившийся. Эта опера, в старых изданиях скромно названная опереттой, вместе с «Похищением из Сераля» послужила основанием самостоятельного развития национальной немецкой оперы. В обширной и разнообразной деятельности Моцарта опера занимает самое видное место. В мае 1791 года Моцарт поступил на неоплачиваемую должность ассистента капельмейстера Кафедрального собора Святого Стефана, рассчитывая занять место капельмейстера после смерти тяжелобольного Леопольда Хофмана; Хофман, однако, его пережил.

Мистик по натуре, Моцарт много работал для церкви, но великих образцов в этой области он оставил немного: кроме «Misericordias Domini» — «Ave verum corpus» (KV 618), (1791 год) и величественно-горестный Реквием (KV 626), над которым Моцарт неустанно, с особенной любовью, работал в последние дни жизни. Интересна история написания «Реквиема». Незадолго до смерти Моцарта посетил некий таинственный незнакомец во всем черном и заказал ему «Реквием» (траурную заупокойную мессу). Как установили биографы композитора, это был граф Франц фон Вальзегг-Штуппах, решивший выдать купленное сочинение за собственное. Моцарт погрузился в работу, но недобрые предчувствия не покинули его. Таинственный незнакомец в черной маске, «черный человек» неотступно стоит перед его глазами. Композитору начинает казаться, что эту заупокойную мессу он пишет для себя… Работу над незавершенным «Реквиемом», по сегодняшний день потрясающим слушателей скорбным лиризмом и трагической выразительностью, закончил его ученик Франц Ксавер Зюсмайер, ранее принимавший некоторое участие в сочинении оперы «Милосердие Тита».

Умер Моцарт 5 декабря в 00:55 ночи 1791 года от неустановленной болезни. Тело его нашли вздутым, мягким и эластичным, как это бывает при отравлениях. Этот факт, а также некоторые другие обстоятельства, связанные с последними днями жизни великого композитора, дали основание некоторым биографам отстаивать именно эту версию причины его смерти. В настоящее время большинство исследователей считает ее несостоятельной. Похоронен Моцарт был в Вене, на кладбище Святого Марка в общей могиле, так что само место захоронения осталось неизвестным. В память о композиторе на девятый день после его смерти в Праге при огромном стечении народа 120 музыкантами исполнялся «Реквием» Антонио Розетти.

Отличительной чертой творчества Моцарта является удивительное сочетание строгих, ясных форм с глубокой эмоциональностью. Уникальность его творчества состоит в том, что он не только писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, но и в каждом из них оставил произведения непреходящего значения. Музыка Моцарта обнаруживает множество связей с разными национальными культурами (особенно итальянской), тем не менее она принадлежит национальной венской почве и носит печать творческой индивидуальности великого композитора.

Моцарт — один из величайших мелодистов. Его мелодика сочетает черты австрийской и немецкой народной песенности с певучестью итальянской кантилены. Несмотря на то, что его произведения отличаются поэтичностью и тонким изяществом, в них часто встречаются мелодии мужественного характера, с большим драматическим пафосом и контрастными элементами.

Особое значение Моцарт придавал опере. Его оперы — целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Наряду с Глюком, он был величайшим реформатором жанра оперы, но в отличие от него, основой оперы считал музыку. Моцарт создал совершенно иной тип музыкальной драматургии, где оперная музыка находится в полном единстве с развитием сценического действия. Как следствие — в его операх нет однозначно положительных и отрицательных персонажей, характеры живые и многогранные, показаны взаимоотношения людей, их чувства и стремления. Наиболее популярными стали оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта».

Большое внимание Моцарт уделял симфонической музыке. Благодаря тому, что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной арии и драматической конфликтностью. Наиболее популярными стали три последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»). Также Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта.

Камерно-инструментальное творчество Моцарта представлено разнообразными ансамблями (от дуэтов до квинтетов) и произведениями для фортепиано (сонаты, вариации, фантазии). Моцарт отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта отличается элегантностью, отчетливостью, тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

Композитором создано множество духовных произведений: мессы, кантаты, оратории, а также знаменитый Реквием.

Тематический каталог сочинений Моцарта, с примечаниями, составленный Кехелем («Chronologisch-thematisches Verzeichniss sämmtlicher Tonwerke W. A. Mozart´s», Лейпциг, 1862), представляет том в 550 страниц. По исчислению Кехеля, Моцарт написал 68 духовных произведений (мессы, оффертории, гимны и пр.), 23 произведения для театра, 22 сонаты для клавесина, 45 сонат и вариаций для скрипки и клавесина, 32 струнных квартета, около 50 симфоний, 55 концертов и пр., в общей сложности 626 произведений.

Дмитрий Шостакович

Дмитрий Шостакович, чье 110-летие музыкальный мир отмечает в 2016 году, — яркий пример художника ХХ столетия, лучшие произведения которого неотделимы от обстоятельств их создания. Говоря об опере «Леди Макбет Мценского уезда», невозможно обойти статью «Сумбур вместо музыки», из-за которой опера не исполнялась долгие годы и возродилась лишь много позже в новой редакции. Говоря о Четвертой симфонии, невозможно не сказать о том, что ее премьера была отменена и состоялась с опозданием на четверть века. Музыкантов, писателей, поэтов, артистов с трагическими судьбами в тоталитарных государствах ХХ века, увы, немало; и все же судьба Шостаковича — на редкость яркий пример старого, как мир конфликта «художник и власть».

По-видимому, Шостакович — автор симфоний «Октябрю» и «Первомайская», балетов на спортивную, заводскую и колхозную тематику — вполне искренне надеялся быть «заодно с правопорядком» в новом государстве, не претендуя на какую бы то ни было оппозиционность. Однако совесть художника говорила ему о том, что методы, которыми государство укрепляет свою мощь и расправляется с неугодными, полностью противоречат лозунгам, начертанных на его знаменах. Так Шостакович стал автором уникальной музыкальной хроники столетия, хотя едва ли оценивал себя подобным образом. Как пишет музыковед Светлана Савенко, «Гениальный дар художника-пророка сочетался у Шостаковича, по-видимому, с полным отсутствием каких-либо притязаний на подобное предназначение… можно предположить, что творческий гений приносил ему не только радости, но и мучения. Не исключено даже, что как человек он порой страдал оттого, что не мог изменить своему дару — а изменить ему он действительно не был способен, дар был сильнее его человеческой сущности».

Сегодня, хотим мы того или нет, сочинения Шостаковича воспринимаются нами как хроника столетия, в первую очередь его симфонии: Четвертая и Пятая — Большой террор, Седьмая и Восьмая — Великая Отечественная, Девятая — Победа и связанные с ней надежды на либерализацию, Десятая — смерть Сталина, Тринадцатая — оттепель, Четырнадцатая — застой… Между тем, в последние годы всё сильнее тенденция освободить произведения Шостаковича от привычных внемузыкальных смыслов, интерпретировать их как чистую музыку. Вопрос в том, возможно ли это. По мнению Светланы Савенко, музыка Шостаковича «в очень сильной степени воспринимается как речь. Ведь вообще-то уподобление музыки языку, речи — не более чем метафора, поскольку музыка лишена главного свойства речи точных значений-понятий. Однако в отношении творчества Шостаковича эта метафора кажется буквальностью. Его музыка действительно говорит, или, точнее, нам кажется, что она говорит о совершенно определенных вещах. И тот факт, что эти вещи, укорененные в культуре своего времени и места, уже уходят одновременно со сменой поколений, по-видимому, ничего не меняет: будущим слушателям она скажет что-то иное, но, как нам представляется, скажет в любом случае».

Схожую мысль высказывает выдающийся дирижер Дмитрий Китаенко, несколько лет назад записавший полный цикл симфоний Шостаковича: «Почему в них такое количество разных соло? И тромбон, и виолончель, и фагот, и флейта, и кларнет, и контрабас… в стране, где не было открытого слова, где нельзя было говорить, он вложил в каждый инструмент чей-то голос: всё это — люди! Совершенно понятно, почему там или тут звучит кларнет: это голос из далекого города России, откуда-то из глубинки, но здесь он высказывается. Почему в Девятой симфонии фагот рассказывает о трагедии, которая произошла в Хиросиме? Это же написано в 1945 году: такая легкая, веселая симфония, которая искрится юмором, и вдруг появляется этот страшный раздел, где звучат тромбон и соло фагота! А сказать об этом раньше было нельзя. Эти замаскированные, невидимые, но слышимые характеры людей — они в музыке Шостаковича очень слышны».

Говоря от лица стольких безымянных людей, Шостакович не избегал и более прямых высказываний от собственного имени: рядом с пятнадцатью симфониями в его наследии — пятнадцать струнных квартетов. И если симфонии, напрямую адресованные публике, во многом — история страны, то квартеты Шостаковича — история его жизни, личный дневник, разговор с самим собой, автобиография, подлинное Свидетельство. Впрочем, и масштабы иных его квартетов — симфонические, не случайно многие из них исполняются в обработках для камерного оркестра. Пятнадцать квартетов — пятнадцать шедевров: Третий, первая часть которого поражает гениальной красотой и несходством с последующими четырьмя; Двенадцатый, где автор как будто грозит кулаком своим врагам, приговаривая «Уж будьте покойны»; Четвертый, поначалу кажущийся бесконфликтным и завершающийся надрывной еврейской мелодией; не говоря уже про легендарный Восьмой, название которого «Памяти жертв фашизма и войны» было лишь прикрытием для подлинного авторского замысла.

Вот что Шостакович писал об этом своему другу Исааку Гликману: «Дорогой Исаак Давидович… Я вернулся из поездки в Дрезден. Меня там хорошо устроили для создания творческой обстановки. Как я ни пытался выполнить вчерне задания по кинофильму, пока не смог. А вместо этого написал никому не нужный и идейно порочный квартет. Я размышлял о том, что если я когда-нибудь помру, то вряд ли кто напишет произведение, посвященное моей памяти. Поэтому я сам решил написать таковое. Можно было бы на обложке так и написать: «Посвящается памяти автора этого квартета»… Приехавши домой, два раза пытался его сыграть, и опять лил слезы. Но тут уже не только по поводу его псевдотрагедийности, но и по поводу удивления прекрасной цельностью формы. Но, впрочем, тут, возможно, играет роль некоторое самовосхищение, которое, возможно, скоро пройдет и наступит похмелье критического отношения к самому себе». Так даже в контексте, далеком от комического, Шостакович сохранял чувство юмора, наполняющее его музыку в не меньшей степени, нежели чувство исторической и художественной правды.

В репертуаре коллективов и солистов Филармонии Шостакович присутствует постоянно, в нынешнем сезоне приношение его памяти получится особенно масштабным. Первую симфонию Шостаковича и Пять антрактов из оперы «Катерина Измайлова» недавно сыграл Государственный академический симфонический оркестр России под управлением Владимира Юровского, 9 октября в их исполнении прозвучит Восьмая симфония. Десятую симфонию 27 сентября представит Академический симфонический оркестр Московской филармонии под управлением Юрия Симонова. 18 октября Вадим Репин сыграет Первый скрипичный концерт, 16 декабря Павел Милюков исполнит Второй. 7 февраля своей интерпретацией Четвертой симфонии поделится Михаил Плетнев, 16 марта Александр Князев сыграет Второй виолончельный концерт. Двумя сюитами для джаз-оркестра 5 апреля порадует публику Валерий Полянский — и это лишь избранные симфонические концерты. Помимо них, музыка Шостаковича будет постоянно звучать в камерных и фортепианных программах сезона.

Илья Овчинников

Государственная академическая симфоническая капелла России

Государственная академическая симфоническая капелла России — уникальный коллектив, насчитывающий свыше 200 артистов. Он объединяет хор, оркестр и солистов-вокалистов, которые, существуя в органичном единстве, сохраняют в то же время определенную творческую самостоятельность.

Госкапелла была образована в 1991 году при слиянии Государственного камерного хора СССР под руководством Валерия Полянского и Государственного симфонического оркестра Министерства культуры СССР, возглавляемого Геннадием Рождественским.

Оба коллектива прошли славный творческий путь. Оркестр возник в 1957 году и до 1982 года был оркестром Всесоюзного радио и телевидения, с 1982 года — Государственным симфоническим оркестром Министерства культуры СССР. В разное время им руководили С. Самосуд, Ю. Аранович и М. Шостакович. Камерный хор был создан В. Полянским в 1971 году. С 1980 года коллектив получил новый статус и стал именоваться Государственным камерным хором Министерства культуры СССР.

С хором Валерий Полянский объездил все республики СССР, стал инициатором фестиваля в Полоцке, в котором участвовали Ирина Архипова, Олег Янченко, Ансамбль солистов Большого театра СССР… В 1986 году, по приглашению Святослава Рихтера, Валерий Полянский и его хор представили программу из сочинений П.И. Чайковского на фестивале «Декабрьские вечера», а в 1994 году — «Всенощное бдение» С.В. Рахманинова. В то же время Государственный камерный хор заявил о себе и за рубежом, триумфально выступив с Валерием Полянским на фестивалях «Поющий Вроцлав» (Польша), в Мерано и Сполето (Италия), Измире (Турция), в Нардене (Голландия); памятно участие в знаменитых «Променад-концертах» в Альберт-холле (Великобритания), выступления в исторических соборах Франции — в Бордо, Амьене, Альби.

День рождения Госкапеллы — 27 декабря 1991 года: тогда в Большом зале Консерватории прозвучала кантата Антонина Дворжака «Свадебные рубашки» под управлением Геннадия Рождественского. В 1992 году художественным руководителем и главным дирижером ГАСК России стал Валерий Полянский. Деятельность хора и оркестра Капеллы осуществляется как в совместных выступлениях, так и параллельно. Коллектив и его главный дирижер — желанные гости на лучших площадках Москвы, постоянные участники абонементов Московской филармонии, Московской консерватории и Московского международного Дома музыки, выступали с финалистами международных конкурсов имени Чайковского и имени Рахманинова. Капелла с триумфом гастролировала в США, Англии, Италии, Германии, Нидерландах, в странах Юго-Восточной Азии.

Основу репертуара коллектива составляют кантатно-ораториальные жанры: мессы, оратории, реквиемы всех эпох и стилей — Баха, Генделя, Гайдна, Моцарта, Шуберта, Берлиоза, Листа, Верди, Дворжака, Рахманинова, Регера, Стравинского, Бриттена, Шостаковича, Шнитке, Эшпая. Валерий Полянский постоянно проводит монографические симфонические циклы, посвященные Бетховену, Брамсу, Рахманинову, Малеру и другим великим композиторам.

С Капеллой сотрудничают многие российские и зарубежные исполнители. Особо тесная и многолетняя творческая дружба связывает коллектив с Геннадием Николаевичем Рождественским, который ежегодно представляет с Госкапеллой России свой персональный филармонический абонемент.

За последние годы у коллектива выработалась своя схема в построении сезона. Его крайние точки посвящены выступлениям в малых городах. С 2009 года в Тарусе Капелла проводит фестиваль «Сентябрьские вечера» (совместно с фондом Святослава Рихтера), знакомит с шедеврами симфонической и хоровой музыки жителей Торжка, Твери, Калуги. В 2011 году прибавился Елец, где триумфально прошла мировая премьера оперы Александра Чайковского «Легенда о граде Ельце, Деве Марии и Тамерлане» в постановке режиссера Георгия Исаакяна. «Не надо много слов о патриотизме, — сформулировал свою позицию В. Полянский, — молодежь просто должна слышать эту музыку, внушающую любовь к родине. Преступление, что есть города, где люди никогда не слышали живой симфонический оркестр, не видели оперных постановок. Мы стараемся исправить эту несправедливость».

В репертуарной политике Госкапеллы находят отражение и важнейшие даты мировой истории. К 200-летию победы в Отечественной войне 1812 года состоялось концертное исполнение оперы «Война и мир» Прокофьева (в Торжке и Калуге), к 400-летию династии Романовых была приурочена мировая премьера оратории «Государево дело» А. Чайковского (2013, Липецк, Москва), а на Новой сцене Большого театра России прозвучала «Жизнь за царя» М. Глинки.

Знаковым событием 2014 года стало концертное исполнение Госкапеллой редко звучащей оперы «Семен Котко» Прокофьева, которое состоялось на Новой сцене Большого театра и в Центральном академическом театре Российской армии и было приурочено к 100-летию начала Первой мировой войны. На этих же площадках коллектив отметил 70-летие Великой Победы исполнением оперы К. Молчанова «А зори здесь тихие».

Интенсивно протекает гастрольная деятельность Госкапеллы. Высочайшему исполнительскому мастерству оркестра аплодировала британская публика во время осеннего турне 2014 года. «Есть дирижеры, считающие Пятую симфонию Чайковского слишком известной и исполняющие ее как на автопилоте, но Полянский и его оркестр были просто великолепны. Музыка Чайковского, конечно, вошла в плоть и кровь этого коллектива; Полянский сыграл этот бессмертный шедевр так, как, уверен, его хотел бы слышать сам Чайковский», — отмечал британский критик и композитор Роберт Мэтью-Уокер.

В 2015 году с триумфом прошли концерты коллектива в США, Белоруссии (фестиваль духовной музыки «Могутны Божа») и Японии, где публика по достоинству оценила интерпретации В. Полянским трех последних симфоний Чайковского.