125 лет со дня рождения Сергея Прокофьева

Кристиан Ярви

Имя дирижера Кристиана Ярви является сегодня синонимом художественного и культурного разнообразия. О нем говорят как об «архетипе художника XXI века», «музыканте, чье творчество не знает границ». Всемирно признанный маэстро, сегодня он продолжает воплощать на классической сцене свои оригинальные, новаторские проекты, каждый из которых, по утверждению критиков, становится опытом, способным «возродить интерес к жизни» (Herald Scotland). Газета «Нью-Йорк таймс» написала о Ярви, что в его интерпретациях ощущается «мощная энергия, как у воскресшего Леонарда Бернстайна».

Кристиан Ярви родился в 1972 году в Эстонии в семье выдающегося дирижера Неэме Ярви. В 1980 году переехал с семьей в США. Окончил Манхэттенскую школу музыки как пианист, затем учился дирижированию в Университете Мичигана у Кеннета Кислера.

С 1998 по 2001 год К. Ярви работал ассистентом Эса-Пекки Салонена в Лос-Анджелесском филармоническом оркестре. С 2001 по 2004 год занимал пост главного дирижера Норрландской оперы и Северного симфонического оркестра (Швеция), с 2004 по 2009 год руководил венским Тонкюнстлер-оркестром.

В настоящее время Кристиан Ярви работает сразу с несколькими коллективами. Он является музыкальным руководителем оркестра фестиваля в Гштааде (Швейцария), основателем и дирижером классик-хип-хоп-джаз-группы Absolute Ensemble в Нью-Йорке. С 2012 года Ярви возглавляет старейший в Европе радиооркестр — симфонический оркестр Лейпцигского радио. Страстный просветитель по натуре, в 2008 он году стал одним из основателей и музыкальным руководителем Балтийского молодежного филармонического оркестра, который называют «краеугольным камнем» музыкального образования Балтийского региона. С этим коллективом, объединяющим молодых музыкантов из Германии, Дании, Латвии, Литвы, Польши, Норвегии, России, Финляндии, Швеции и Эстонии, маэстро неоднократно гастролировал в России.

Кристиан Ярви исключительно востребован как приглашенный дирижер. Он выступал с Берлинским филармоническим оркестром, Лондонским симфоническим оркестром, Национальным оркестром Франции, Оркестром де Пари, оркестром Академии Санта Чечилия в Риме, Дрезденской государственной капеллой, оркестром лейпцигского Гевандхауза, оркестрами Баварского радио и Радио Франкфурта, Симфоническим оркестром Бирмингема, Национальным симфоническим оркестром США (Вашингтон), оркестром штата Миннесота и Симфоническим оркестром NHK (Токио), Сиднейским симфоническим оркестром, Камерным оркестром Лозанны, работал с молодежными оркестрами Японии, Норвегии и Германии.

В дискографии Кристиана Ярви несколько десятков альбомов: от саундтреков к голливудским фильмам (среди которых «Облачный атлас» и «Голодные игры») до именной серии дисков Kristjan Järvi Sound Project на французском лейбле Naïve Classique. В этом проекте, начатом в 2014 году, представлены все коллективы, возглавляемые дирижером.

Многие альбомы Кристиана Ярви, записанные на Sony и Chandos, были удостоены престижных наград. Последний диск, получивший название Passacaglia (Sony Classical), был подготовлен в сотрудничестве с Арво Пяртом и посвящен 80-летию композитора. Этот диск вошел в серию записей музыки П. Чайковского для театра (ранее была выпущена запись музыки к пьесе А. Островского «Снегурочка», запланированы диски с музыкой балетов «Спящая красавица» и «Щелкунчик»).

Кристиан Ярви сотрудничает со многими наиболее креативными художниками нашего времени, среди которых кинорежиссеры Том Тыквер и братья Вачовски, композиторы и исполнители Арво Пярт, Стив Райх, Тан Дун, Гия Канчели, Хайнц Карл Грубер, Джон Адамс, Эса-Пекка Салонен, Рене Флеминг, Джо Завинул, Бенни Андерссон, Горан Брегович, Макс Рихтер, Хаушка (Фолькер Бертельманн), Тим Гарланд, Даниэль Шнайдер, Джеймс Макмиллан, Дафер Юссеф, Анушка Шанкар, Нитин Сохни, Пакито д’Ривера, Эйтецу Хайяши и Марсель Халиф. Кристиан Ярви стал инициатором создания более сотни новых произведений.

Арво Пярт

Арво Пярт — один из самых глубоко мыслящих и духовных авторов нашего времени, художник большой внутренней убежденности и суровой простоты. Он стоит в одном ряду с такими выдающимися композиторами современности, как А.Шнитке, С. Губайдулина, Г.Канчели, Э.Денисов. Впервые известность он получил в 50-е годы, сочиняя в стиле модного неоклассицизма, затем экспериментировал со всем арсеналом авангарда — серийной техникой, сонорикой, полистилистикой; одним из первых среди советских композиторов обратился к алеаторике и коллажу. Среди произведений тех лет — «Некролог» для симфонического оркестра, пьеса «Perpetuum mobile», посвященная Луиджи Ноно; «Коллаж на тему BACH», Вторая симфония, виолончельный концерт «Pro et contra», кантата «Credo» (на текст из Нагорной проповеди). В конце 60-х, неожиданно для всех, Пярт ушел от авангарда и практически ничего не писал в течение 8 лет (появилась лишь 3 симфония).

С начала 1970-х композитор активно занимался изучением стариной музыки в сотрудничестве с ансамблем «Hortus musicus». Знакомство с григорианским пением и средневековой полифонией определило направленность творческой эволюции композитора в сторону диатоники, модальности и благозвучия. «Григорианское пение научило меня, какая космическая тайна скрыта в искусстве комбинирования двух, трех нот», — подчеркивал композитор. Отныне сочинение музыки становится для Пярта родом высшего служения, смиренного и самоотреченного.

Свой новый стиль, основанный на простейших звуковых элементах, композитор назвал tintinnabuli (лат. колокольчики) и охарактеризовал его как «бегство в добровольную бедность». Однако его «простая», «бедная» и внешне монотонная музыка сложна и структурно тщательно выстроена. Композитор неоднократно высказывал мысль, что не только музыкой, а и космосом движет число, «и это число, мне кажется, — единица. Но оно скрыто, к нему нужно идти, угадывать, иначе мы потеряемся в хаосе». Число для Пярта является не только философской категорией, но и определяет пропорции композиции и формы.

Первые же произведения середины 70-х, созданные в стиле «новой простоты» — Arbos, Fraters, Summa, Tabula rasa и другие принесли Пярту мировую известность и широко исполняются. После эмиграции из Советского Союза (1980) Пярт живет в Берлине и пишет почти исключительно духовную музыку на традиционные католические и православные тексты (в 1972 г. композитор принял православную веру). В их числе: Stabat Mater, Берлинская месса, «Песнь Силуана» (афонского монаха), Cantus памяти Б.Бриттена, Te Deum, Miserere, Magnificat, «Песнь паломничества», «Ныне к вам прибегаю», «Мой путь лежит через горы и долины», «Богородице Дево», «Я есть лоза истинная» и многие другие.

Игорь Стравинский

Игорь Фёдорович Стравинский (5 (17) июня 1882, Ораниенбаум — 6 апреля 1971, Нью-Йорк; похоронен в Венеции на кладбище Сан-Микеле) — русский композитор, дирижёр и пианист, один из крупнейших представителей мировой музыкальной культуры XX века.

Стравинский родился в 1882 году на Швейцарской улице в Ораниенбауме на даче, которую снимал его отец — российский певец польского происхождения-бас, солист Мариинского театра Фёдор Стравинский. Род Стравинских происходит из Волыни (Украина). С девяти лет начал частным образом брать уроки фортепиано, в восемнадцать лет по настоянию родителей поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета, одновременно приступив к самостоятельному изучению музыкально-теоретических дисциплин. С 1904 по 1906 годы (по другим сведениям с 1902 по 1908) Стравинский брал частные уроки у Н.А. Римского-Корсакова, который предложил композитору занятия два раза в неделю, параллельно с его уроками с В.П. Калафати. Это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской профессией.

Под руководством Римского-Корсакова были написаны первые сочинения — скерцо и соната для фортепиано, сюита для голоса с оркестром «Фавн и пастушка», Симфония Es-dur, «Фейерверк» для оркестра. На премьере последнего присутствовал Сергей Дягилев, высоко оценивший талант молодого композитора. Через некоторое время Дягилев предложил ему создать балет для постановки в «Русских сезонах» в Париже. В течение трёх лет сотрудничества с труппой Дягилева Стравинский написал три балета, принесших ему мировую известность — «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913). В эти годы Стравинский периодически ездит из России в Париж и обратно, а в 1914 году, перед самым началом Первой мировой войны едет в Швейцарию, где и остаётся на ближайшие четыре года. Среди сочинений этого времени — оперы «Соловей» (по сказке Андерсена, 1914) и «История солдата» («сказка о беглом солдате и чёрте, читаемая, играемая и танцуемая»; 1918). Этим же временем датируется сближение Стравинского с французской Шестёркой и эксцентричным авангардным композитором Эриком Сати, ядовитый характер и музыка которого вызывали неизменное восхищение «князя Игоря». Некоторые произведения Сати (в особенности, балет «Парад» (1917) и симфоническая драма «Сократ» (1918)) оставили заметный след в творчестве Стравинского.

После окончания войны Стравинский принимает решение не возвращаться в Россию, и спустя некоторое время переезжает во Францию. В 1919 году композитор по заказу Дягилева пишет балет «Пульчинелла», поставленный год спустя.

Стравинский жил во Франции с 1920 по 1940 год. Здесь состоялись премьеры его оперы «Мавра» (1922), «Свадебки» (1923) — итогового произведения русского периода, а также оперы-оратории «Царь Эдип» (1927), знаменовавшей собой начало нового периода в творчестве композитора, который принято называть «неоклассическим».

В 1924 году состоялся дебют Стравинского в качестве пианиста: он исполнил собственный концерт для фортепиано и духового оркестра под управлением Сергея Кусевицкого. Как дирижёр Стравинский выступал с 1915 года. В этот период Стравинский создаёт многочисленные произведения в разных жанрах: Симфонии духовых памяти Дебюсси, сочинения для камерных ансамблей, фортепиано и голоса. 1926 год отмечен первым обращением композитора к духовной музыке — «Отче наш» для хора a capella. В 1928 году появляются новые балеты — «Аполлон Мусагет» и «Поцелуй феи», а два года спустя — знаменитая и грандиозная Симфония псалмов на латинские тексты Ветхого Завета.

В начале 1930-х годов Стравинский обращается к жанру концерта — он создаёт Концерт для скрипки с оркестром и Концерт для двух фортепиано. В 1933–1934 годах по заказу Иды Рубинштейн совместно с Андре Жидом Стравинский пишет мелодраму «Персефона». Тогда же он окончательно решает принять французское гражданство и пишет автобиографическую книгу «Хроника моей жизни».

С 1936 года Стравинский периодически посещает с гастролями США, во время которых укрепляются его творческие связи с этой страной. В 1937 году в Метрополитен-опера был поставлен балет «Игра в карты», год спустя — исполнен концерт «Дамбартон-Окс», Стравинского приглашают прочитать курс лекций в Гарвардском университете. Наконец, в связи с начавшейся войной, Стравинский решает переехать в США. Композитор поселяется сначала в Сан-Франциско, а затем в Лос-Анджелесе. Произведения этого периода — опера «Похождения повесы» (1951) — ставшая апофеозом неоклассического периода, балеты «Орфей» (1948), Симфония in C (1940) и Симфония в трёх частях (1945), Эбони-концерт для кларнета и джаз ансамбля (1945, посвящён Бенни Гудмену), а также множество других сочинений.

В январе 1944 г. в связи с исполнением необычной аранжировки гимна США в Бостоне местная полиция предупредила Стравинского, что существует ответственность в виде штрафа за искажение гимна.[6][7][8] В связи с этим появился миф, что Стравинский был арестован за искажение гимна.[9].

С начала 1950-х годов Стравинский начинает использовать в своих сочинениях серийный принцип. Переходом стало сочинение Кантаты на стихи английских анонимов, в которой со всей очевидностью обозначилась тенденция тотальной полифонизации музыки, к которой Стравинский тяготел всегда. Первым серийным сочинением стал Септет (1953). Полностью серийным сочинением, в котором Стравинский совершенно отказался от тональности, как таковой, стали Threni (Плач пророка Иеремии; 1958). Произведение, в котором серийный принцип абсолютен, — это «Движения» для фортепиано с оркестром (1959). Итоговое музыкальное произведение серийного периода — Вариации памяти Олдоса Хаксли для оркестра.

Апофеозом всего творчества Стравинского является Requiem Canticles («Заупокойные песнопения», Реквием) для контральто и баса соло, хора и оркестра (1966): «… „Заупокойные песнопения“ завершили всю мою творческую картину…», «…Реквием в моём возрасте слишком задевает за живое…», «…сочиняю шедевр своих последних лет» — И.Стравинский.

Стравинский очень активно гастролировал в Европе и мире как дирижёр и пианист. Осенью 1962 года впервые после долгого перерыва он приезжает с концертами в СССР, где дирижирует в Москве и Ленинграде. Последнее завершённое его произведение — обработка для камерного оркестра двух духовных песен Гуго Вольфа (1968), но он ещё успеет задумать и начать оркестровку четырёх прелюдий и фуг из ХТК И.С. Баха (1968—1970), а также начнёт вынашивать замысел, и представит себе эскизы фортепианного сольного произведения, которых называл — инвенции, этюды, соната (которую образовывали эти инвенции и этюды).

Умер 6 апреля 1971 года, похоронен на кладбище Сан-Микеле в Венеции (Италия), на так называемой «русской» его части, вместе со своей женой Верой, недалеко от могилы Сергея Дягилева.

В честь Стравинского назван кратер на Меркурии и музыкальная школа в Ораниенбауме. Также существует Фонтан Стравинского на одноименной площади перед Центром Жоржа Помпиду в Париже, Франция.

Сергей Прокофьев

Прокофьев стремительно ворвался в бурный, изменчивый ХХ век как неповторимое и ярко новаторское явление. Его искусство вызывало споры и непонимание, восторг и преклонение, оно ошеломляло и даже коробило. Лишь немногим современникам было суждено распознать тогда в начале столетия за броней новаторства и эпатажности подлинного классика ХХ века.

Прокофьев был равнодушен к веяниям музыкальной моды. Он всегда двигался своим путем, стремился утвердить и отстоять свою независимость как художник. В зарубежный период (1918-1933) он не примкнул ни к одному художественному течению, что потребовало бы от мастера жесточайших ограничений; не смогли сломить его и чудовищные реалии советского строя со зловещей тенью сталинизма и борьбой с формализмом в искусстве.

Искусство Прокофьева выдержало все натиски судьбы и прошло проверку временем. Его музыка содержит в себе удивительную жизнестойкость, мощный заряд энергии, напитанный солнцем и оптимизмом. И эту позитивность мышления композитор пронес через всю свою нелегкую жизнь. Классичность Прокофьева заключена в его универсализме. Искания композитора охватили культурные накопления несколько эпох — от барокко и классицизма до современности с ее радикализмом и стремлением к возведению новых звуковых миров. В стиле композитора соединились тяга к лирическим откровениям романтизма и его же резкое и последовательное отрицание вплоть до откровенной пародии и гротеска, постоянное переосмысление общепринятых норм и традиционализм, поиски новой выразительности в области гармонии, ритма, оркестровки и утверждение неувядаемого мелодического начала, опирающегося на народно-песенные истоки.

Его творчество стало встречей эпох и обновлением русских музыкальных традиций. За каждым парадоксом новаторства Прокофьева всегда был виден «хвост» традиций русской школы. Его гений не смог бы реализоваться без учителей Римского-Корсакова и Лядова, Глазунова и Черепнина. Еще глубже связь — с традициями Мусоргского и Бородина.

Эволюция Прокофьева шла как бы в «обратной» перспективе — через дерзкие завоевания, варварство и «скифство» к обретению новой простоты, мудрой человечности искусства. Любопытно, что еще недавнего ниспровергателя музыкальных законов современники зачисляли в ранг консерваторов. При всей неоднозначности оценок его творчество стало неотъемлемой частью культурного пространства ХХ века. Открывая мир заново, Прокофьев продолжает великие традиции музыкального искусства прошлого, связанные с поисками гуманистического начала, осмыслением жгучих проблем современности через призму истории.

Филармонический оркестр Балтийского моря

Филармонический оркестр Балтийского моря — яркий пример европейской интеграции в сфере культуры. В нем собраны музыканты ведущих симфонических коллективов из 10 стран Балтийского региона: Германии, Дании, Латвии, Литвы, Норвегии, Польши, России, Финляндии, Швеции и Эстонии. Согласно принципу, провозглашаемому создателями оркестра, музыка может объединять всех людей независимо от принадлежности к той или иной нации и культуре, и изменять общество к лучшему, особенно в регионе, который исторически оказался разделенным на разные государства.

Главный дирижер и музыкальный директор оркестра — эстонский маэстро Кристиан Ярви, представитель знаменитой дирижерской династии. Репертуар коллектива необычайно широк: классические шедевры, музыка ХХ века, сочинения современных композиторов, написанные по заказу оркестра, которые отражают и подчеркивают культурное разнообразие региона.

Филармонический оркестр Балтийского моря был создан в 2016 году на базе Молодежного филармонического оркестра Балтийского моря, основанного в 2008. У истоков молодежного коллектива стоял фестивальный директор Томас Хуммель, которому удалось объединить в качестве партнеров компанию NordStreamAG и музыкальный фестиваль на Узедоме — острове в Балтийском море, разделенном между Германией и Польшей. За восемь лет оркестр приобрел серьезное реноме и с успехом гастролирует в лучших концертных залах Европы и на самых престижных фестивалях: «Звезды белых ночей» в Санкт-Петербурге, Фестиваль Балтийского моря в Стокгольме, Бетховенский фестиваль в Бонне, фестивали в Рейнгау и Мерано. «Радость открытия Кристиана Ярви и Молодежного филармонического оркестра Балтийского моря не знает границ», — писала после одного из концертов в Германии газета Tagesspiegel.

Значительным событием в истории Молодежного филармонического оркестра Балтийского моря был концерт на Саммите Совета государств Балтийского моря в 2012 году по приглашению канцлера Германии Ангелы Меркель. Канцлер высоко оценила оркестр как «замечательный пример использования музыки как мощного средства интеграции через границы». В 2014 году Молодежный филармонический оркестр дебютировал в Берлинской филармонии, а годом позже — в Театре Елисейских полей в Париже.

В числе солистов, которые играли с Молодежным оркестром Балтийского моря, — Юлия Фишер, Анджела Георгиу, Даниэль Хоуп, Валентина Лисица, Йонас Кауфман.

Записи коллектива звучат на радиостанциях стран Европейского Союза, телеканалах Mezzo и Classica. Эти записи получили широкое признание, как и недавно вышедший на французском лейбле Naïve альбом BalticSeaVoyage, о котором с восторгом отозвался комментатор сайта www.planethugill.com: «Игра оркестра — прекрасное сочетание технического совершенства и эмоциональной глубины».

В 2015 году Молодежный филармонический оркестр Балтийского моря был удостоен «Европейской культурной премии» за вклад в культуру региона.

С созданием Академии Филармонического оркестра Балтийского моря значительно расширилась образовательная деятельность оркестра — работа с молодыми музыкантами в возрасте от 18 до 28 лет. Занятия в Академии включают воркшопы, композиторские программы, мастер-классы, прослушивания.

В 2013 году был создан Музыкально-образовательный фонд Балтийского моря, призванный развивать объединенную систему музыкального образования в регионе. В функции Фонда входит и управление оркестрами. Членами Артистического совета Фонда являются Валерий Гергиев, Марек Яновский, Марис Янсонс, Эса-Пекка Салонен. Ранее в Совет входил Курт Мазур, дважды дирижировавший оркестром.

Новые горизонты и возможности открываются с созданием в 2016 году Филармонического оркестра Балтийского моря, составленного из действующих участников оркестра и молодых музыкантов — выпускников учебных заведений стран Балтийского региона. Это концертный коллектив, деятельность которого будет дополнять образовательную работу Фонда и Академии.

Оба оркестра привержены общим идеям и взглядам на культуру, общество и окружающий мир. Однако их функции и задачи будут различаться. Молодежный оркестр остается коллективом, в котором молодые талантливые музыканты — исполнители и композиторы — оттачивают профессиональное мастерство. Вновь созданный Филармонический оркестр Балтийского моря станет своеобразной визитной карточкой Фонда. Он будет собираться несколько раз в году для гастролей со специальными проектами в Европе, а в перспективе и по всему миру.

В ходе своего инаугурационного турне с проектом «Пейзажи Балтийского моря» в апреле 2016 года оркестр выступает в Литве, Латвии, Эстонии, Финляндии и России. Программа концертов отражает богатый мир и природу Балтики: море, пейзажи, ландшафты. В нее вошли сюита «Карелия» Яна Сибелиуса, «Лебединая песня» Арво Пярта, «Жар-птица» Игоря Стравинского, «Горы. Воды (Свобода)» Гедиминаса Гелготаса, а также произведения Сергея Прокофьева, чье 125-летие оркестр отмечает концертом в Москве 23 апреля, в день рождения композитора.

В сентябре нынешнего года оркестр совершит тур «Открытие Балтийского моря» по странам Центральной Европы. Центральным образом, символом программ избран лебедь: прозвучат «Лебединая песня» Пярта, фрагменты «Лебединого озера» Чайковского. Участниками Филармонического оркестра Балтийского моря на все время тура станут музыканты оркестра «Кремерата Балтика». Руководитель этого коллектива Гидон Кремер будет солировать в Концерте для скрипки с оркестром Вайнберга.