Вариации на тему рококо. Хореографический дивертисмент. Musica Viva, Александр Рудин

Александр Рудин

Александр Рудин — один из самых многогранных российских музыкантов. Виолончелист с мировым именем, дирижер, сотрудничающий как с симфоническими, так и с камерными оркестрами, пианист, педагог, исследователь старинных партитур, автор оркестровых редакций камерных произведений, составитель уникальных тематических циклов. В своем творчестве музыкант строго следует избранному пути — пути поисков и экспериментов в русле «чистой» академической традиции.

Интерес к малоизвестной или вовсе неизвестной музыке и новое прочтение произведений, являющихся своего рода классическими шлягерами, — сочетание, характерное для большинства концертных программ исполнителя. А. Рудин впервые представил московской публике виолончельные сочинения К. Давыдова, А. Крафта, Ж.-Б. Триклира, И. Фациуса, Р. Фолькмана, А. Дворжака. Оркестром Musica Viva, который А. Рудин возглавляет с 1988 года, впервые в современной России были исполнены сочинения К. Ф.Э. Баха, А. Вивальди, А. Сальери, И. Плейеля, Я. Дюссека, К. Диттерсдорфа, Й. Гайдна, О. Козловского, В. Пашкевича, А. Алябьева, С. Дягтерева, М. Глинки. Путь стилевых экспериментов привел Александра Рудина к увлечению аутентичным исполнением старинной музыки: в своей сегодняшней концертной практике А. Рудин совмещает игру на современном инструменте и на виоле-да-гамба, играет музыку романтиков в «традиционной манере» и произведения эпохи барокко и шедевры классиков в «исторически корректном» стиле. Аутентичная линия работы с оркестром привела к тесному сотрудничеству с признанными мэтрами в этой области, среди которых Кристофер Хогвуд, Роджер Норрингтон, Кристофер Мулдс, Андреас Штаер, Алексей Любимов.

Педагогическая деятельность Александра Рудина связана с Московской государственной консерваторией. Профессор консерватории, он преподает камерный ансамбль, считая, что именно в этой сфере может дать студентам больше, чем обучая их игре на виолончели. Помимо этого, А. Рудин дает мастер-классы по всему миру, а также сотрудничает с молодежными коллективами в качестве дирижера и солиста.

Дискография Александра Рудина насчитывает несколько десятков дисков. Знаковыми работами музыканта можно назвать записи шести сюит Баха (Naxos), виолончельных концертов Ж.-Б. Триклира и К. Ф.Э. Баха, Концерта для виолончели Н. Мясковского. «Григ-альбом» знакомит слушателей с А. Рудиным не только дирижером и виолончелистом, но и мастером оркестровки. В числе последних работ — диски из произведений А. Дворжака, А. Алябьева, А. Черепнина, а также live-альбом — запись Третьей симфонии Бетховена и виолончельного концерта А. Крафта из Большого зала консерватории.

Ознакомиться с биографией композитора и посмотреть архивные фотографии можно на сайте Государственного дома-музея Петра Ильича Чайковского в Клину. Мы рекомендуем вам совершить увлекательную экскурсию по дому-музею.

Игорь Фёдорович Стравинский

Игорь Фёдорович Стравинский (5 (17) июня 1882, Ораниенбаум — 6 апреля 1971, Нью-Йорк; похоронен в Венеции на кладбище Сан-Микеле) — русский композитор, дирижёр и пианист, один из крупнейших представителей мировой музыкальной культуры XX века.

Стравинский родился в 1882 году на Швейцарской улице в Ораниенбауме на даче, которую снимал его отец — российский певец польского происхождения-бас, солист Мариинского театра Фёдор Стравинский. Род Стравинских происходит из Волыни (Украина). С девяти лет начал частным образом брать уроки фортепиано, в восемнадцать лет по настоянию родителей поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета, одновременно приступив к самостоятельному изучению музыкально-теоретических дисциплин. С 1904 по 1906 годы (по другим сведениям с 1902 по 1908) Стравинский брал частные уроки у Н.А. Римского-Корсакова, который предложил композитору занятия два раза в неделю, параллельно с его уроками с В.П. Калафати. Это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской профессией.

Под руководством Римского-Корсакова были написаны первые сочинения — скерцо и соната для фортепиано, сюита для голоса с оркестром «Фавн и пастушка», Симфония Es-dur, «Фейерверк» для оркестра. На премьере последнего присутствовал Сергей Дягилев, высоко оценивший талант молодого композитора. Через некоторое время Дягилев предложил ему создать балет для постановки в «Русских сезонах» в Париже. В течение трёх лет сотрудничества с труппой Дягилева Стравинский написал три балета, принесших ему мировую известность — «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913). В эти годы Стравинский периодически ездит из России в Париж и обратно, а в 1914 году, перед самым началом Первой мировой войны едет в Швейцарию, где и остаётся на ближайшие четыре года. Среди сочинений этого времени — оперы «Соловей» (по сказке Андерсена, 1914) и «История солдата» («сказка о беглом солдате и чёрте, читаемая, играемая и танцуемая»; 1918). Этим же временем датируется сближение Стравинского с французской Шестёркой и эксцентричным авангардным композитором Эриком Сати, ядовитый характер и музыка которого вызывали неизменное восхищение «князя Игоря». Некоторые произведения Сати (в особенности, балет «Парад» (1917) и симфоническая драма «Сократ» (1918)) оставили заметный след в творчестве Стравинского.

После окончания войны Стравинский принимает решение не возвращаться в Россию, и спустя некоторое время переезжает во Францию. В 1919 году композитор по заказу Дягилева пишет балет «Пульчинелла», поставленный год спустя.

Стравинский жил во Франции с 1920 по 1940 год. Здесь состоялись премьеры его оперы «Мавра» (1922), «Свадебки» (1923) — итогового произведения русского периода, а также оперы-оратории «Царь Эдип» (1927), знаменовавшей собой начало нового периода в творчестве композитора, который принято называть «неоклассическим».

В 1924 году состоялся дебют Стравинского в качестве пианиста: он исполнил собственный концерт для фортепиано и духового оркестра под управлением Сергея Кусевицкого. Как дирижёр Стравинский выступал с 1915 года. В этот период Стравинский создаёт многочисленные произведения в разных жанрах: Симфонии духовых памяти Дебюсси, сочинения для камерных ансамблей, фортепиано и голоса. 1926 год отмечен первым обращением композитора к духовной музыке — «Отче наш» для хора a capella. В 1928 году появляются новые балеты — «Аполлон Мусагет» и «Поцелуй феи», а два года спустя — знаменитая и грандиозная Симфония псалмов на латинские тексты Ветхого Завета.

В начале 1930-х годов Стравинский обращается к жанру концерта — он создаёт Концерт для скрипки с оркестром и Концерт для двух фортепиано. В 1933–1934 годах по заказу Иды Рубинштейн совместно с Андре Жидом Стравинский пишет мелодраму «Персефона». Тогда же он окончательно решает принять французское гражданство и пишет автобиографическую книгу «Хроника моей жизни».

С 1936 года Стравинский периодически посещает с гастролями США, во время которых укрепляются его творческие связи с этой страной. В 1937 году в Метрополитен-опера был поставлен балет «Игра в карты», год спустя — исполнен концерт «Дамбартон-Окс», Стравинского приглашают прочитать курс лекций в Гарвардском университете. Наконец, в связи с начавшейся войной, Стравинский решает переехать в США. Композитор поселяется сначала в Сан-Франциско, а затем в Лос-Анджелесе. Произведения этого периода — опера «Похождения повесы» (1951) — ставшая апофеозом неоклассического периода, балеты «Орфей» (1948), Симфония in C (1940) и Симфония в трёх частях (1945), Эбони-концерт для кларнета и джаз ансамбля (1945, посвящён Бенни Гудмену), а также множество других сочинений.

В январе 1944 г. в связи с исполнением необычной аранжировки гимна США в Бостоне местная полиция предупредила Стравинского, что существует ответственность в виде штрафа за искажение гимна. В связи с этим появился миф, что Стравинский был арестован за искажение гимна.

С начала 1950-х годов Стравинский начинает использовать в своих сочинениях серийный принцип. Переходом стало сочинение Кантаты на стихи английских анонимов, в которой со всей очевидностью обозначилась тенденция тотальной полифонизации музыки, к которой Стравинский тяготел всегда. Первым серийным сочинением стал Септет (1953). Полностью серийным сочинением, в котором Стравинский совершенно отказался от тональности, как таковой, стали Threni (Плач пророка Иеремии; 1958). Произведение, в котором серийный принцип абсолютен, — это «Движения» для фортепиано с оркестром (1959). Итоговое музыкальное произведение серийного периода — Вариации памяти Олдоса Хаксли для оркестра.

Апофеозом всего творчества Стравинского является Requiem Canticles («Заупокойные песнопения», Реквием) для контральто и баса соло, хора и оркестра (1966): «… „Заупокойные песнопения“ завершили всю мою творческую картину…», «…Реквием в моём возрасте слишком задевает за живое…», «…сочиняю шедевр своих последних лет» — И.Стравинский.

Стравинский очень активно гастролировал в Европе и мире как дирижёр и пианист. Осенью 1962 года впервые после долгого перерыва он приезжает с концертами в СССР, где дирижирует в Москве и Ленинграде. Последнее завершённое его произведение — обработка для камерного оркестра двух духовных песен Гуго Вольфа (1968), но он ещё успеет задумать и начать оркестровку четырёх прелюдий и фуг из ХТК И.С. Баха (1968—1970), а также начнёт вынашивать замысел, и представит себе эскизы фортепианного сольного произведения, которых называл — инвенции, этюды, соната (которую образовывали эти инвенции и этюды).

Умер 6 апреля 1971 года, похоронен на кладбище Сан-Микеле в Венеции (Италия), на так называемой «русской» его части, вместе со своей женой Верой, недалеко от могилы Сергея Дягилева.

В честь Стравинского назван кратер на Меркурии и музыкальная школа в Ораниенбауме. Также существует Фонтан Стравинского на одноименной площади перед Центром Жоржа Помпиду в Париже, Франция.

Карл Мария фон Вебер

«Мир — в нем творит композитор!» — так очерчивал поле деятельности художника К.М. Вебер — выдающийся немецкий музыкант: композитор, критик, исполнитель, литератор, публицист, общественный деятель начала XIX в. И действительно, мы находим в его музыкально—драматических произведениях чешские, французские, испанские, восточные сюжеты, в инструментальных сочинениях — стилистические признаки цыганского, китайского, норвежского, русского, венгерского фольклора. Но главным делом всей его жизни стала национальная немецкая опера. В неоконченном романе «Жизнь музыканта», имеющем ощутимые черты биографичности, Вебер блестяще характеризует, устами одного из персонажей, состояние этого жанра в Германии: «По совести говоря, дела с немецкой оперой обстоят весьма плачевно, она страдает судорогами и не может твердо стоять на ногах. Толпа ассистентов хлопочет подле нее. И все же она, едва оправившись от одного обморока, снова падает в другой. К тому же, предъявляя к ней всевозможные требования, ее настолько раздули, что ни одно платье не приходится ей более в пору. Напрасно господа переделывальщики в надежде украсить ее напяливают на нее то французский, то итальянский кафтан. Он не к лицу ей ни спереди, ни сзади. И чем больше пришивать к нему новые рукава и укорачивать полы и фалды, тем хуже он будет держаться. В конце концов, нескольким романтическим портным пришла в голову счастливая мысль выбрать для нее отечественную материю и, по возможности, вплести в нее все то, что когда-либо создали у других наций фантазия, вера, контрасты и чувства».

Вебер родился в семье музыканта — его отец был оперным капельмейстером, играл на многих инструментах. Будущего музыканта формировала та среда, в которой он находился с раннего детства. Франц Антон Вебер (дядя Констанции Вебер, жены В. А. Моцарта) поощрял увлечение сына музыкой и живописью, знакомил с тонкостями сценического искусства. Занятия с известными педагогами — Михаэлем Гайдном, братом всемирно известного композитора Иозефа Гайдна, и аббатом Фоглером — оказали заметное влияние на молодого музыканта. К тому времени относятся и первые опыты сочинения. По рекомендации Фоглера Вебер поступает в оперный театр города Бреслау в качестве капельмейстера (1804). Начинается его самостоятельная жизнь в искусстве, формируются вкусы, убеждения, задумываются крупные произведения.

С 1804 г. Вебер работает в различных театрах Германии, Швейцарии, занимает пост директора оперного театра в Праге (с 1813 г.). В этот же период устанавливаются связи Вебера с крупнейшими представителями художественной жизни Германии, повлиявшими во многом на его эстетические принципы (И. В. Гете, К. Виланд, К. Цельтер, Т.А. Гофман, Л. Тик, К. Брентано, Л. Шпор). Вебер приобретает известность не только как выдающийся пианист и дирижер, но и как организатор, смелый реформатор музыкального театра, утвердивший новые принципы размещения музыкантов в оперном оркестре (по группам инструментов), новую систему репетиционной работы в театре. Благодаря его деятельности изменяется статус дирижера — Вебер, принимая на себя роль режиссера, руководителя постановочной части, участвовал во всех стадиях подготовки оперного спектакля. Важной чертой репертуарной политики возглавляемых им театров было предпочтение немецких и французских опер, в отличие от более обычного преобладания итальянских. В произведениях первого периода творчества кристаллизуются черты стиля, ставшие впоследствии определяющими, — песенно-танцевальный тематизм, своеобразие и красочность гармонии, свежесть оркестрового колорита и трактовки отдельных инструментов. Вот что писал, например, Г. Берлиоз: «А каков оркестр, аккомпанирующий этим благородным вокальным мелодиям! Какие изобретения! Какие искуснейшие изыскания! Какие сокровища открывает перед нами подобное вдохновение!»

Среди наиболее значительных сочинений этого времени — романтическая опера «Сильвана» (1810), зингшпиль «Абу Гасан» (1811), 9 кантат, 2 симфонии, увертюры, 4 фортепианные сонаты и концерты, «Приглашение к танцу», многочисленные камерные инструментальные и вокальные ансамбли, песни (свыше 90).

Завершающий, дрезденский период жизни Вебера (1817—26), отмечен появлением его знаменитых опер, а настоящей его кульминацией стала триумфальная премьера «Волшебного стрелка» (1821, Берлин). Эта опера — не только блистательная композиторская работа. Здесь, как в фокусе, сконцентрированы идеалы нового немецкого оперного искусства, утверждаемые Вебером и ставшие затем основой для последующего развития этого жанра.

Музыкально-общественная деятельность требовала решения задач не только творческих. Вебер, в период своей работы в Дрездене, сумел осуществить широкомасштабную реформу всего музыкально-театрального дела в Германии, которая включала и целенаправленную репертуарную политику, и подготовку театрального ансамбля единомышленников. Проведение реформы обеспечивала музыкально—критическая деятельность композитора. В написанных им немногочисленных статьях содержится, по существу, развернутая программа романтизма, утвердившегося в Германии с появлением «Волшебного стрелка». Но помимо своей чисто практической направленности, высказывания композитора — это еще и особая, оригинальная, облеченная в блистательную художественную форму музыкальная литература, предвещающая статьи Р. Шумана и Р. Вагнера. Вот один из фрагментов его «Заметок на полях»: «Кажущаяся бессвязность фантастического, напоминающая не столько обычную написанную по правилам музыкальную пьесу, сколько пьесу фантастическую, может быть создана… лишь самым выдающимся гением, таким, который творит свой мир. Мнимый беспорядок этого мира на самом деле заключает в себе внутреннюю связь, пронизанную самым искренним чувством, и надо только уметь воспринять ее своими чувствами. Однако выразительность музыки и без того содержит в себе много неопределенного, индивидуальному чувству приходится многое вкладывать в нее и поэтому лишь отдельным душам, настроенным буквально на тот же тон, удастся поспевать за развитием чувства, которое совершается вот так, а не иначе, которое предполагает вот такие, а не иные необходимые контрасты, для которого верно вот только одно это мнение. Поэтому задача подлинного мастера состоит в том, чтобы властно царить и над своими и над чужими чувствами, а чувство, которое он передает, воспроизводить как постоянное и наделенное только т е м и ц в е т, а м и и нюансами, которые тотчас же создают в душе слушателя некий целостный образ». После «Волшебного стрелка» Вебер обращается к жанру комической оперы («Три Пинто», либр. Т. Хелла, 1820. незаверш.), пишет музыку к пьесе П. Вольфа «Прециоза» (1821). Главные произведения этого периода — предназначенная для Вены героико-романтическая опера «Эврианта» (1823) на сюжет французской рыцарской легенды и сказочно—фантастическая опера «Оберон», созданная по заказу лондонского театра Covent Garden (1826). Последняя партитура дописывалась уже тяжело больным композитором вплоть до самого дня премьеры. Успех был неслыханным для Лондона. И все же Вебер считал необходимыми некоторые переделки и изменения. Сделать их он уже не успел…

Главным делом жизни композитора стала опера. Он знал, чего добивался, идеальный ее образ был им выстрадан: «…я говорю об опере, какой жаждет немец, а это — замкнутое в себе художественное творение, в котором доли и части родственных и вообще всех использованных искусств, спаиваясь до конца в одно целое, исчезают как таковые и до известной степени даже уничтожаются, но зато строят новый мир!» Веберу удалось построить этот новый — и для него самого — мир… (В. Барский).

Musica Viva

История оркестра ведет отсчет с 1978 года, когда скрипач и дирижер В. Корначев основал музыкальный ансамбль из 9 человек, молодых энтузиастов, недавних выпускников московских музыкальных вузов. В 1988 году ансамбль, к тому моменту выросший в оркестр, возглавил Александр Рудин, который и придумал имя «Musica Viva» (живая музыка — лат.). Под его руководством оркестр обрел уникальное творческое амплуа и достиг высокого уровня исполнительского мастерства, войдя в число ведущих оркестров России.

Сегодня Musica Viva — универсальный музыкальный коллектив, свободно чувствующий себя в самых разных стилях и жанрах. В нетривиальных программах оркестра наряду с общепризнанными шедеврами звучат музыкальные редкости. Оркестр, владеющий многими исполнительскими стилями, всегда стремится максимально приблизиться к изначальному облику произведения, подчас уже неразличимому за плотными наслоениями исполнительских штампов. Квинтэссенцией творческих проектов оркестра стал особый концертный цикл в Московской филармонии — «Шедевры и премьеры», в котором музыкальные шедевры предстают в первозданном великолепии, а извлеченные из небытия музыкальные раритеты становятся подлинными открытиями.

Большое место в репертуаре оркестра занимают незаслуженно забытые произведения: в исполнении коллектива впервые в России прозвучали сочинения Генделя, сыновей И.С. Баха, Чимарозы, Диттерсдорфа, Дюссека, Плейеля, Триклира, Фолькмана, Козловского, Фомина, Виельгорского, Алябьева, Дегтярева и многих других. Широкий стилевой диапазон оркестра позволяет ему на равно высоком уровне исполнять как музыкальные раритеты, так и произведения современных композиторов. В разные годы оркестр Musica Viva осуществил премьеры сочинений В. Артёмова, А. Пярта, А. Саллинена, В. Сильвестрова и других.

В последние годы Musica Viva успешно осуществляет крупные проекты — оперы в концертном исполнении и оратории с участием выдающихся зарубежных певцов и дирижеров. Под руководством Александра Рудина в Москве были исполнены мессы Гайдна и его оратории «Сотворение мира» и «Времена года», оперы «Идоменей» Моцарта, «Оберон» Вебера, «Фиделио» Бетховена, Реквием Шумана, оратории «Торжествующая Юдифь» Вивальди и «Минин и Пожарский, или Освобождение Москвы» Дегтярева. В сотрудничестве с британским маэстро Кристофером Мулдсом осуществлены российские премьеры опер Генделя «Орландо», «Ариодант» и оратории «Геркулес».

Погружение в материалы той или иной эпохи привело к ряду почти археологических музыкальных находок. Так появился цикл «Серебряная классика», стартовавший в 2011 году. Его основу составляет музыка, не вошедшая в «золотой» репертуарный фонд. В рамках этого цикла проходит молодежная программа, представляющая лауреатов европейских международных конкурсов, а также ежегодные «Виолончельные ассамблеи», к участию в которых маэстро Рудин приглашает своих коллег-виолончелистов.

Musica Viva привлекает к сотрудничеству крупнейших музыкантов мира, в их числе Кристофер Хогвуд, Роджер Норрингтон, Владимир Юровский, Андраш Адориан, Роберт Левин, Андреас Штайер, Элисо Вирсаладзе, Наталия Гутман, Иван Монигетти, Николай Луганский, Борис Березовский, Алексей Любимов, Джулиано Карминьола, Изабель Фауст, Руль Дильтинс, примадонны мировой оперной сцены: Джойс ДиДонато, Анник Массис, Вивика Жено, Дебора Йорк, Сюзан Грэм, Малена Эрнман, Стефани д`Устрак, Хибла Герзмава, Юлия Лежнева и другие. С оркестром выступали всемирно известный хор Collegium Vocale, хор «Латвия».

Musica Viva — постоянный участник международных музыкальных фестивалей. Оркестр гастролировал в Германии, Франции, Нидерландах, Италии, Испании, Бельгии, Японии, Латвии, Чехии, Словении, Финляндии, Турции, Индии, на Тайване. Ежегодно гастролирует по городам России.

Оркестром записано более двадцати дисков, в том числе для лейблов «Русский Сезон» (Россия-Франция), Olympia и Hyperion (Великобритания), Тudor (Швейцария), Fuga Libera (Бельгия), «Мелодия» (Россия). Последней работой коллектива в области звукозаписи стал альбом с музыкой Дворжака (2013), выпущенный бельгийским лейблом Fuga Libera.