РУССКИЙ МУЗЕЙ: ПУТЕВОДИТЕЛЬ
ПО МИХАЙЛОВСКОМУ ДВОРЦУ
И КОРПУСУ БЕНУА

Попасть в Михайловский дворец можно через парадный вход, который обращен к площади Искусств. Удобнее всего добираться до него от станции метро «Гостиный Двор».

Дворец в стиле ампир был построен в начале XIX столетия и получил имя в честь младшего сына Павла I и брата Александра I — великого князя Михаила Павловича. Проект здания разработал известный архитектор итальянского происхождения Карл Росси, он же построил в Петербурге Александринский театр, здания Главного Штаба, Сената и Синода. В августе 1825 года император Александр I подарил дворец своему брату и его супруге — великой княгине Елене Павловне, урожденной принцессе Шарлотте Вюртембергской.

Экскурсия по Михайловскому дворцу начинается с Парадного вестибюля. В нем сохранилась ампирная отделка XIX столетия: вход украшен аркой, стены — аллегорическими барельефными изображениями, которые олицетворяют воинскую славу России. Их характерные детали — воинские шлемы, мечи, щиты, двуглавые орлы и лавровые венки как символ победы. Широкая парадная лестница ведет на галерею, украшенную коринфскими колоннами: их верхние части — капители — отделаны рельефным растительным орнаментом.

С галереи начинается маршрут по музейной экспозиции. На втором этаже находятся залы 1−17: в них в хронологическом порядке расположены картины, иконы и скульптуры от времен Древней Руси до середины XIX века.

Зал №1 в Михайловском дворце посвящен старинной русской иконописи. Здесь представлены работы московских, новгородских, псковских мастеров разных столетий. В этом зале обратите внимание на самую древнюю икону в коллекции Русского музея — «Архангел Гавриил» XII века. Ее другое название — «Ангел Златые Власы»: волосы Гавриила украшены тонкими нитями из сусального золота. В античном искусстве такая деталь символизировала величие и бессмертие.

Автор иконы неизвестен, но манера письма, в которой она выполнена, была характерна для византийской художественной школы. Образ Гавриила относится к деисусному чину — композиции из нескольких икон с изображениями Богородицы, Иоанна Предтечи, архангелов и святых, которые в христианстве играют роль заступников за грешных людей перед Христом.

В следующих трех залах также размещены иконы. Два из них посвящены работам самых известных русских мастеров — Андрея Рублева и Дионисия.

В залах №5 и №6 выставлены работы художников XVIII века: Луи Каравака, Ивана Вишнякова, Алексея Антропова. Дальше вы попадете в зал №7 — Маленький кабинет, который принадлежал супруге великого князя Михаила Павловича. Здесь, в отличие от предыдущих помещений, сохранились детали интерьера той эпохи: цветной паркет, камин с зеркалом и настенная роспись. Их изготовили по эскизам Карла Росси. В этом зале можно увидеть скульптурную композицию Бартоломео Карло Растрелли «Анна Иоанновна с арапчонком». Фигуру императрицы, выполненную в полный рост, должны были установить перед новым Зимним дворцом, но не успели: Анна Иоанновна скончалась, и на престол взошла Елизавета Петровна. «Анна Иоанновна с арапчонком» — один из редких образцов скульптурного коронационного портрета, который сохранился до наших дней.

В следующем, восьмом зале раньше располагалась парадная спальня великой княгини. Здесь сохранилась потолочная роспись с изображениями купидонов и растительными орнаментами. Обратите внимание, что этот же мотив повторяется на полуколоннах, которые украшают стены зала. Сейчас здесь выставлены образцы русской скульптуры и портретной живописи конца XVIII — начала XIX столетия. В их числе вы можете увидеть работы Федора Рокотова — одного из самых известных московских портретистов XVIII столетия. В Русском музее хранятся рокотовские портреты внебрачного сына Екатерины II Алексея Бобринского, графа Ивана Орлова, графини Елизаветы Санти и Варвары Суровцевой.

Один из залов экспозиции посвящен творчеству Дмитрия Левицкого — знаменитого живописца XVIII века, мастера камерных и парадных портретов. По заказу Екатерины II Левицкий написал серию «Смолянки», в которую вошли семь портретов дворянских дочерей, воспитанниц Смольного института благородных девиц. Одна из них — юная Екатерина Нелидова, будущая придворная дама и фаворитка Павла I. Дмитрий Левицкий написал ее в театральном костюме: воспитанницы Смольного института часто устраивали спектакли и танцевальные представления, на которых, помимо прочих зрителей, нередко присутствовали члены императорской семьи.

В Белом, или Белоколонном, зале Михайловского дворца сохранились не отдельные детали интерьера, а почти вся первоначальная обстановка. Настенные росписи, мебель, светильники, цветные плашки наборного паркета — все это было изготовлено специально для зала по эскизам Карла Росси. Здесь располагался музыкальный салон, в котором великая княгиня Елена Павловна устраивала творческие вечера. На них присутствовали не только российские композиторы и поэты, но и гости из Европы: Ференц Лист, Гектор Берлиоз и другие. В середине XIX века во дворце открылись музыкальные классы, на основе которых позже была создана Петербургская консерватория.

Из Белого зала вы попадете в помещение, где представлена коллекция портретов Владимира Боровиковского, а затем — в залы, посвященные живописи начала XIX века. Один из них, академический зал №14, посвящен творчеству Карла Брюллова и Ивана Айвазовского.

Карл Брюллов написал картину «Последний день Помпеи» в 1833 году. Он задумывал масштабное полотно по мотивам реальных исторических событий и для этого побывал на развалинах древних городов Помпеи и Геркуланум. Кроме того, художник изучал исторические документы, в том числе труды римского историка Плиния Младшего. Подражая традициям мастеров Ренессанса, Брюллов изобразил на полотне и самого себя — в левой его части, с кистями и красками в руках. «Последний день Помпеи» сначала выставляли в Риме, Милане и Париже. В августе 1834 года картину привезли в Петербург и подарили Николаю I, а тот передал работу Брюллова в коллекцию Нового Эрмитажа. В 1897 году полотно попало в Русский музей.

Подробнее о картине — в материале «Древнеримская трагедия, ставшая триумфом Карла Брюллова».

Картина Ивана Айвазовского «Девятый вал», как и «Последний день Помпеи» Брюллова, стала одним из первых экспонатов Русского музея. Айвазовский писал ее не с натуры, как другие художники-маринисты, а по памяти, в мастерской. В 1844 году живописец попал в бурю в Бискайском заливе: судно, на котором он находился, сильно пострадало, и сам Айвазовский чудом уцелел. Это событие и вдохновило мариниста. Название полотна отсылает к народному поверью, согласно которому во время шторма именно девятая волна считалась самой опасной, чаще всего смертельной для корабля и его команды. Образ девятого вала как грозной силы и роковой опасности часто встречался в литературе XIX века: стихах Гавриила Державина и Александра Пушкина, романах Николая Лескова и Григория Данилевского. Познакомиться с биографией и творчеством Ивана Айвазовского, а также узнать интересные факты о других картинах из экспозиции Русского музея вы можете из подборки лекций на нашем портале.

В следующих трех залах второго этажа располагаются скульптуры Ивана Витали и Бориса Орловского, картины Андрея Иванова, Карла Штейбена и Ореста Кипренского. После того как познакомитесь с ними, возвращайтесь на первый этаж, где разместилась коллекция живописи второй половины XIX века. На экспозиции представлены несколько портретов работы Ивана Крамского, «Охотники на привале» Василия Перова, «У дверей мечети» Василия Верещагина, «Садко» и «Бурлаки на Волге» Ильи Репина.

Картина Ильи Репина поступила в собрание Русского музея в 1918 году из бывшего дворца великого князя Владимира Александровича в Петрограде. Он купил ее в 1873 году на Всемирной выставке в Вене, где произведение отметили бронзовой медалью.

Репин писал картину с 1870 по 1873 год, однако замысел возник у художника еще раньше, когда он учился в Академии художеств. В 1868 году он впервые увидел на Неве бурлаков, запряженных в лямку и тянущих тяжелый груз. Молодого Репина поразил контраст между ними и прогуливающимися по набережной людьми.

Весной 1870 года Илья Репин с братом и художниками Федором Васильевым и Евгением Макаровым отправился на Волгу, где сделал первые этюды и эскизы к картине. В центре полотна он расположил ведущего бурлака, попа-расстригу Канина, который похож на древнегреческого философа — сам живописец отмечал его «большой, умный, интеллигентный лоб». Рядом он разместил нижегородского бойца с опущенной мощной рукой, Ильку-моряка, а также мальчика Ларьку в красной рубахе, который поправляет сползающую с плеч лямку. Так Репин создал суровый групповой портрет и открыл в живописи новую тему, воспевающую духовную силу народа.

После того как осмотрите все интересующие вас полотна, вы можете по специальному переходу попасть в другое здание музея — выставочный Корпус Бенуа, где находятся временные выставки и постоянная экспозиция живописи ХХ века.

Строительство Корпуса Бенуа началось в 1914 году, но вскоре было приостановлено из-за Первой мировой войны. Завершилось оно только в 1919-м. Первоначально корпус назывался Дворцом искусств и предназначался только для временных выставок.

Над проектом работал Леонтий Бенуа, представитель легендарной династии художников и архитекторов — в его честь и назвали здание.

В начале 1930-х годов Корпус Бенуа стал частью Русского музея. После войны его соединили переходами с Михайловским дворцом и флигелем Росси, чтобы гости музея могли легко попасть из одного здания в другое.

Сейчас в Корпусе Бенуа расположена часть постоянной экспозиции Русского музея, посвященная искусству XX и XXI веков. Картины и скульптуры здесь, как и в Михайловском дворце, расположены в хронологическом порядке. Каждый зал посвящен работам одного художника или одному из направлений живописи: символизму, футуризму, авангарду, абстракционизму и другим течениям. Чтобы осмотреть постоянную экспозицию, поднимайтесь сразу на второй этаж: в залах первого размещаются временные выставки, к ним можно вернуться позже.

Экскурсия по Корпусу Бенуа начинается с зала, посвященного творчеству Михаила Врубеля. Здесь выставлена одна из самых известных работ художника — «Демон летящий». Врубель начал писать полотно в 1899 году, но оно так и осталось незавершенным.

Впервые образ Демона — персонажа одноименной поэмы Михаила Лермонтова — появился в творчестве художника в 1890 году. Он тогда гостил у своего друга, мецената Саввы Мамонтова. Оттуда писал сестре: «Вот уже с месяц я пишу Демона, то есть не то чтобы монументального Демона, которого я напишу еще со временем, а «демоническое». Полуобнаженная, крылатая, молодая уныло-задумчивая фигура сидит, обняв колена, на фоне заката и смотрит на цветущую поляну, с которой ей протягиваются ветви, гнущиеся под цветами». Так появилась картина «Демон сидящий», которая сейчас хранится в Третьяковской галерее.

В том же году Врубель создал полотно «Голова Демона на фоне гор», а еще год спустя ему предложили проиллюстрировать поэму Лермонтова. Врубелевский Демон ни на одной из этих работ не был похож на порождение зла и врага Бога. Художник изображал его гордым печальным юношей, одиноким в чужом и враждебном мире.

Больше о творчестве Михаила Врубеля и других художников — в цикле документальных фильмов «Тайники Русского музея».

Прежде чем написать картину «Святая Русь», художник Михаил Нестеров много путешествовал по Русскому Северу, побывал на Соловецких островах, познакомился с бытом монахов. По мотивам впечатлений от поездки он создал и другие полотна — «Тихая жизнь», «Лисичка», «Обитель Соловецкая», «Молчание».

На картине «Святая Русь» Нестеров изобразил богомольцев, которые пришли на поклон к Христу и святым. Женские образы он писал со своих близких — матери, сестры и няни. На первый показ незавершенного полотна пришла Екатерина Васильева, которая несколько месяцев спустя стала женой художника.

Нестеров много раз переписывал отдельные фрагменты полотна, накладывал новые слои краски и писал по непросохшему маслу. Из-за этого фактура красочного слоя нарушилась. Картину отреставрировали в 2019 году. Работа была очень сложной и филигранной, в течение полугода реставраторы восстанавливали полотно так, чтобы не повредить другие его части.

В следующем зале вы увидите картины Валентина Серова и скульптуры Паоло Трубецкого.

Портрет знаменитой танцовщицы Иды Рубинштейн — одна из самых известных работ Валентина Серова и всей эпохи русского модерна. В коллекцию Русского музея эту картину передал сам художник в 1911 году.

Серов изобразил Иду Рубинштейн обнаженной. Тело ее выглядит нарочито угловатым, детали обстановки едва намечены: так художник стремился передать особенности пластики танцовщицы, отразить в статичном портрете ее манеру двигаться.

Продолжают экспозицию пейзажи и портреты Александра Головина, а в следующем зале выставлены работы Бориса Кустодиева.

Борис Кустодиев интересовался купеческим бытом и несколько лет обдумывал идею картины, главной героиней которой стала бы женщина этого сословия. На полотне «Купчиха за чаем» он запечатлел свою знакомую — баронессу Галину Адеркас. Как и другие модели Кустодиева, она обладала пышными формами. Художник утверждал, что «худые женщины на творчество не вдохновляют». Именно благодаря ему появился термин «кустодиевские красавицы», которым обозначали пышнотелых женщин, воплощение здоровья и привлекательности. Сам же Кустодиев на момент создания картины «Купчиха за чаем» был тяжело болен. Последние 15 лет жизни он провел в инвалидном кресле.

Экспозицию Корпуса Бенуа продолжают работы представителей разных художественных течений, которые возникли в начале ХХ века. В их числе — неоклассицисты Натан Альтман и Юрий Анненков, члены объединения «Бубновый валет» Петр Кончаловский и Аристарх Лентулов, создатели теории лучизма Михаил Ларионов и Наталия Гончарова. После залов с их работами вы попадете в помещение, где выставлены картины Василия Кандинского. Обратите внимание: залы с работами Кандинского и Казимира Малевича могут быть закрыты в связи с ограничениями из-за пандемии. Порядок их работы уточняйте на сайте музея.

Картина «Святой Георгий (II)» относится к началу абстрактного периода в живописи Кандинского. Искусствоведы предполагают, что на эту работу художника вдохновили старинные иконы или русские народные лубки с изображением Георгия Победоносца. Однако автор стремился передать не внешний образ героя, а гамму эмоций и ассоциаций, связанных с ним. Силуэты персонажей — самого Георгия, побежденного им дракона и принцессы, которую он освободил, — едва различимы на фоне экспрессивных цветных мазков.

Следующий зал музея посвящен работам Казимира Малевича. В 1915 году художник представил на «Последней футуристической выставке картин» 39 абстрактных композиций, составленных из геометрических фигур. В их число входил и «Красный квадрат», который известен также под уточняющим названием — «Живописный реализм крестьянки в 2-х измерениях». При помощи цвета и формы Малевич создал супрематический образ крестьянки в красном сарафане. Он намеренно избегал конкретных деталей: по мнению художника, невозможно было в точности воплотить окружающий трехмерный мир на плоском холсте, не прибегая к условности изображения.

Через один зал от работ Малевича выставлены картины его идейного антагониста Павла Филонова. Полотно «Крестьянская семья (Святое семейство)» входит в цикл из 22 произведений «Ввод в мировый расцвет»: в нем художник воплотил свои идеи о будущем мире, в котором искусство станет основной движущей силой, а каждая точка на холсте — отдельной «единицей действия», подобно атому. Сейчас эту работу можно увидеть на выставке «Художники и коллекционеры — Русскому музею. Дары. Избранное».

На этой картине художник соединил образы простых деревенских жителей с персонажами евангельской легенды — Девой Марией, ее мужем Иосифом и младенцем Иисусом. Героями полотна стали и животные — лошадь и собака, курица и петух. Филонов изобразил их не как фон, но как равноправных членов крестьянской семьи, которые ничем не уступают людям.

Павел Филонов умер в Ленинграде во время блокады. После его смерти сестра художника передала все его картины на хранение в Русский музей. А в 1970-х годах они стали частью постоянной экспозиции.

В Корпусе Бенуа также выставлены полотна на военную тему, работы художников 1960–70-х годов и современных мастеров. Последние несколько залов постоянной экспозиции посвящены российскому декоративно-прикладному искусству: здесь можно увидеть майоликовые работы Михаила Врубеля, дореволюционный и советский фарфор, расписные вазы и декоративные статуэтки.

Продолжить прогулку вы можете в Михайловском саду, который расположился между Михайловским дворцом и Корпусом Бенуа.

Во времена основания Петербурга на месте нынешнего Михайловского сада располагались охотничьи угодья и крестьянские поселения, а также усадьба ротмистра Конау. В 1716–1717 годах архитектор Жан-Батист Леблон разработал план трех Летних садов: первые два находились на территории современного Летнего сада, а третий, который тогда назывался «шведским», — на месте нынешнего Михайловского. В северо-восточной части к нему примыкал дворец Екатерины I. Рядом с ним высадили ели пирамидальной формы и каштановую аллею — она вела к беседке и бассейну, украшенному фонтанами. В юго-западной части сада росли плодовые деревья и кустарники: крыжовник, вишни, яблони, смородина. Там же располагались теплицы и оранжереи для экзотических фруктов и растений.

Во времена правления Анны Иоанновны на территории «шведского» сада устроили «ягдгартен» — небольшой охотничий участок, где содержались зайцы и олени для придворной охоты.

В 1741 году императрица Елизавета Петровна предложила архитектору Бартоломео Франческо Растрелли разработать проект нового Летнего дворца на месте дворца Екатерины I. Зодчий придумал дворцовый сад в виде лабиринта, который украшали скульптуры и фонтаны. Позади нового здания расположился еще один парадный участок с прудами и цветником. Несколько аллей делили сад на участки строгой геометрической формы. В таком виде будущий Михайловский сад существовал до 1800 года, пока дворец Елизаветы Петровны не снесли. На его месте возвели Михайловский замок, также известный как Инженерный. А сад снова перепланировали: в западной его части теперь находился фруктовый сад, в восточной — парадные аллеи. Часть фигурных прудов засыпали, оставшиеся соединили между собой подземным каналом. Однако после гибели Павла I в 1801 году Михайловский замок перестал быть императорской резиденцией. Члены царской семьи покинули его; здание и парк постепенно пришли в запустение.

Восстановили Михайловский сад в начале 1820-х годов. На месте старых оранжерей появился Михайловский дворец, Большой садовый пруд соединили подземным каналом с рекой Мойкой, а новые деревья высадили в виде строгого каре вокруг дворца, по английской моде. Новый проект сада создавал архитектор Карл Росси. Перед фасадом Михайловского дворца появился также луг в форме неправильного овала — его назвали Масляным.

В ХХ веке несколько раз меняли планировку Михайловского сада, в итоге сделали его меньше и засыпали часть прудов. Но в 2001 году саду вернули тот вид, в каком его спроектировал Карл Росси. По периметру восстановили аллеи во французском стиле — с четкой строгой геометрией и подстриженными кронами деревьев. Такой тип парка часто называют регулярным. В центре сохранился английский пейзажный сад, для которого характерны свободная планировка, естественные формы растений и ландшафта.