АЗБУКА АВАНГАРДА

Авангард как явление появился во всех сферах искусства примерно в 1910-х годах. Можно назвать его основные имена и направления, но сформулировать общие черты практически невозможно. Это целая система проникающих друг в друга стилей, концепций, теорий, языков, школ. Авангард в изобразительном искусстве можно понимать как эксперимент — с концепцией, цветом, формой. Русский авангард в живописи вырос, конечно, из западных живописных направлений: импрессионизма, постимпрессионизма и символизма. Авангардное движение не сформировало единого стиля, ни одна школа не включала само слово «авангард» в название, этим термином не пользовались художественные критики.

Самое крупное объединение раннего русского авангарда, которое, впрочем, просуществовало всего шесть лет. В основе творческого мировоззрения «Бубнового валета» — живопись Поля Сезанна с ее эмоциональной игрой цвета и фактуры. В объединение входили Петр Кончаловский, Аристарх Лентулов, Роберт Фальк, позже Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Наталия Гончарова. После их ухода в объединение вошли Марк Шагал, Владимир Татлин, Иван Пуни. Манеру, которую они выработали, называли русским сезанизмом. Их натюрморты и портреты на выставках соседствовали с работами Анри Матисса, Пабло Пикассо и Поля Синьяка.

Теоретическую концепцию с таким «всеобъемлющим» названием выдвинули в 1913 году художники Михаил Ларионов, Михаил Ледантю, Кирилл Зданевич и литератор Илья Зданевич. Они подписали манифест «Лучисты и будущники», в котором провозгласили: «Все стили мы признаем годными для выражения нашего творчества, прежде и сейчас существующие». Авангардное движение действительно не сформировало единого стиля. Илья Зданевич представил свою концепцию на закрытии выставки Наталии Гончаровой, и дальше пропагандировал теорию всёчества на лекциях в Петербурге.

Моисей Гинзбург, архитектор-конструктивист, стоял у истоков авангардной архитектуры. На первое место в конструктивизме вышла функциональность, а не декор, а архитектор — становился «организатором жизни», как писал Моисей Гинзбург. Новая архитектура отталкивалась от потребностей человека, однако не воспринимала его как отдельную личность. Индивид становился лишь частью определенной социальной группы, на нужды которой «работает» архитектор. В 1924 году Гинзбург опубликовал книгу «Стиль и эпоха». Эта работа стала теоретической основой конструктивизма, а построенный по проекту Гинзбурга Дом Наркомфина в Москве — визитной карточкой этого архитектурного направления.

Сергей Дягилев — юрист по образованию — учился живописи, собирал произведения искусства, организовывал выставки, стал одним из основателей группы «Мир искусства». Но имя его прочно связано с балетом — искусством, которое поначалу казалось Дягилеву недостойным внимания. Именно он открыл для европейской публики эстетику дворянской культуры XVIII–XIX веков, когда в 1909 году впервые привез за границу русский балет. Пользовавшиеся бешеной популярностью Русские сезоны позже трансформировались в «Русский балет Дягилева» — труппа базировалась в Монако, гастролируя по Европе и США.

Эстетика авангарда нашла свое воплощение и в музыке. Обновился музыкальный язык, возникли новые школы и теории. Среди них — ультрахроматическая музыка с делением полутона на мелкие интервалы. Внук министра финансов Иван Вышнеградский разработал один из ее видов — четвертитоновую музыку. Одним из его знаковых произведений стало «Красное Евангелие» — цикл песен на стихи Василия Князева.

Журнал издавало творческое объединение ЛЕФ — Левый фронт искусств. Главным редактором был поэт Владимир Маяковский. За два года существования журнала в нем печатались Борис Пастернак, Велимир Хлебников, Николай Асеев, Алексей Кручёных и другие. Перед художественными произведениями размещали теоретические комментарии: например, перед поэмой Маяковского «Про это» пояснялось, что это «опыт полифонического ритма». Над обложками всех выпусков работал Александр Родченко. Журнал закрыли в 1925 году: официально из-за нерентабельности, на самом деле — из-за противоречий между литературными группировками внутри редакции.

Художник Юрий Злотников — абстракционист второй волны авангарда — был убежден, что на первое место в искусстве должен выйти язык науки. Он увлекался работами ученого-биолога Павлова, и не стремился в первую очередь перенести на полотно эмоцию, как художники-авангардисты начала ХХ века. Злотников изучал психофизиологическую моторику и «природу реакций на цвет и форму». В 1956 году он начал работать над серией беспредметных работ «Сигнальные системы» и создал более 100 графических рисунков, которые должны были положительно влиять на психику зрителя.

Инхук, или Институт художественной культуры, появился в Москве в 1920 году по инициативе Василия Кандинского. Кандинский продвигал идеи нового искусства, которое строилось на синтезе живописи, танца и музыки. Ему в Инхуке противостояла группа конструктивистов во главе с Александром Родченко, для которых синтетическое искусство было обращением к прошлому, «предательством» модернизма. Инхук просуществовал недолго — до 1924 года, но в нем успели поработать многие знаковые деятели русского авангарда.

Василий Кандинский — один из основателей русского абстракционизма. Первым абстрактным полотном принято считать именно его «Картину с кругом» 1911 года. В трактате «О духовном в искусстве» Кандинский пытался разобраться, как цвет воздействует на сознание зрителя. «Цвет — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу», — писал он. Свои абстрактные картины он делил на три категории: импрессии, импровизации и композиции. Первые — прямые впечатления от созерцания; вторые — поток бессознательного; третьи, напротив, сознательно выстроенные.

Основателем этого направления в живописи считается Михаил Ларионов. В его основе — мысль о том, что зрение человека воспринимает не сам предмет, а отраженные им лучи. Новое направление описал сам Ларионов: «Это почти то же самое, что мираж, возникающий в раскаленном воздухе пустыни, рисующий в небе отдаленные города, озера, оазисы, — лучизм стирает те границы, которые существуют между картинной плоскостью и натурой». Художник и его последователи в своем творчестве сосредоточились именно на этом: их картины отображают не сами предметы, а скорее их энергетику и эстетику. Лучисты называли свое направление «четвертым измерением живописи».

Всемирно известный художник Казимир Малевич начинал с импрессионизма; потом в его творчестве можно проследить чередование неопримитивизма, кубофутуризма, алогизма. Он стал основателем нового направления русского авангарда — супрематизма, который в массовом сознании четко ассоциируется с «Черным квадратом» — торжеством чистой геометрической формы. Малевич презентовал свой стиль на выставке «0,10» в 1915 году. А в 1919-м он организовал «итоговую» выставку: от самых ранних работ до непосредственно супрематических, причем несохранившиеся картины он написал заново. Вскоре Малевич уехал в Витебск — преподавать. Там же появилось объединение «Утвердителей нового искусства» (Уновис).

Неопримитивизм — одна из художественных программ Михаила Ларионова. Ее он представил на выставке «Ослиный хвост» в 1912 году. Неопримитивисты отказались от академических приемов живописи. В творчестве молодых модернистов, работавших в рамках этого направления, с одной стороны, заметно влияние русской архаичной фольклорной традиции, с другой — французского импрессионизма. Активный период существования неопримитивизма — с 1908 по 1913 год.

Представители школы, основанной Михаилом Матюшиным, воспринимали мир как целостную структуру, в которой на равных взаимодействуют звук, цвет и форма. Это еще одно направление беспредметной живописи, но не только ее: «Органическое направление» предполагало синтез искусств. Матюшин и сам был художником, философом и музыкантом — в частности, написал футуристическую оперу «Победа над Солнцем».

Примитивизм как направление авангарда сформировался в конце 1900-х годов, в нем сильно было влияние национальной фольклорной традиции. Само слово впервые использовал в рецензии поэт Сергей Маковский. Примитивизм — это сознательное упрощение. Инфантильные, немного наивные и слегка неуклюжие формы: то ли рисунок ребенка, то ли наскальная живопись, то ли сказочный русский лубок.

Фотограф и художник Александр Родченко — идеолог сразу двух направлений: конструктивизма и линиизма. В «Манифесте раннего конструктивизма» он писал: «Ввел и объявил линию как элемент конструкции и как самостоятельную форму живописи». Родченко отражал пространство не с помощью цвета, а через линии и плоскости. Развивая идеи беспредметного искусства, художник перенес их в пространство новых форматов: эксперименты в области фотомонтажа, рекламные и агитационные плакаты в сотрудничестве с Маяковским, архитектурные проекты и дизайн.

Термин придумал Казимир Малевич для своих же работ. «Супремус» — «высший», супрематизм — искусство будущего, новый геометрический язык, возведение формы в абсолют. Традиционная живопись, по мнению Малевича, на тот момент была изжита. А супрематизм стал новой философской системой, изображающей «беспредельную абстрактную вселенную» с помощью цвета и форм. «Черный квадрат», представленный художником в 1915 году, открыл в русском авангарде новую страницу беспредметных форм.

Художник, график, сценограф Владимир Татлин считается основоположником русского конструктивизма. От кубизма он перешел к так называемым «контррельефам» — конструкциям из железа и дерева. Один из них — «Трамвай В» — приобрел коллекционер Сергей Щукин. Татлин первым загорелся идеей «художника-инженера», который будет создавать произведения искусства, полезные обществу. Он проектировал мебель и необычную посуду, разрабатывал костюмы и мечтал строить великие памятники вроде Третьего интернационала — башни-монумента, проект которой Владимир Татлин создал в 1919 году.

Уновис, или «Утвердители нового искусства», — художественная группа, которую создал Казимир Малевич в Витебске в 1920 году. Приехав сюда преподавать, художник собрал вокруг себя группу учеников. Они собирались на философские дискуссии, проводили выставки, оформляли город к разным праздникам. В 1921 году в местном журнале «Искусство» был опубликован манифест Уновиса. В основу педагогической системы Малевича легли принципы супрематизма, и целью объединившихся художников стало «создание чистого живописного образа».

Владимир Баранов-Россине, художник и скульптор, занимался также аудиовизуальными исследованиями. Еще в 1920 году он разработал оптофоническое пианино — оно же «цветозрительное» — и создал прообраз современных мультимедийных инсталляций. Его инструмент одновременно воспроизводил музыку и проецировал изображение. Каждая клавиша пианино соответствовала определенному звуку и цвету, причем яркость изображения можно было изменять с помощью фильтров. Баранов-Россине выступал с «цветомузыкальными концертами» в России и Европе, а оптофон часто использовали на своих выставках художники-авангардисты.

История «Черного квадрата» началась в 1913 году, когда Михаил Матюшин поставил свою футуристическую оперу «Победа над Солнцем». Казимир Малевич создал декорации к спектаклю, в которых черный квадрат как символ победы «будетлян» (футуристов) закрывает Солнце. На основе этого образа в 1915 году художник написал картину, которую представил на итоговой футуристической выставке «0,10». «Черный квадрат» повесили в красном углу, где обычно висели иконы. «Я преобразился в нуль форм и вышел за нуль к беспредметному творчеству», — писал художник.

Сегодня Марка Шагала называют «предвестником сюрреализма». Художник писал экспрессионистские работы, а после поездки в его полотнах появились черты кубофутуризма. Однако сам Марк Шагал никогда не причислял себя ни к одной арт-группировке, не становился членом художественных объединений. В 1918 году он вернулся в родной город и открыл художественное училище и свободные мастерские, где живописи могли учиться все желающие. Через год в училище приехал преподавать Казимир Малевич — и началось противостояние двух художников-авангардистов. Последователи Малевича объявили училище «супрематической академией», и вскоре после этого Марк Шагал оставил свой пост и уехал в Москву, а позже — эмигрировал.

Сергей Щукин — московский купец, меценат и коллекционер, человек, открывший России французских импрессионистов. Его коллекция вместе с собранием Ивана Морозова стала основой экспозиции авангардной живописи Эрмитажа и Музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Щукин приобретал картины, которые в то время вызывали негативные отклики критиков и зрителей, а позже оказались знаковыми для живописи рубежа XIX–XX веков. Именно Щукин открыл российским зрителям Пабло Пикассо и Анри Матисса. За два панно Матисса — «Танец» и «Музыка» — коллекционер заплатил огромную на тот момент сумму: 15 и 12 тысяч франков. Особняк Щукина с произведениями художников-новаторов был открыт для посещения, и молодые авангардисты 1910-х годов могли знакомиться там с творчеством своих западных коллег.

Архитектор, художник, конструктор, первый отечественный графический дизайнер, мастер фотомонтажа, инженер. Лазарь Лисицкий, позже взявший себе псевдоним Эль Лисицкий учился живописи у Юделя Пэна. Влияние на его творчество оказали идеи супрематизма и конструктивизма. На их основе Лисицкий сформировал собственный стиль и разработал концепцию проунов — «проектов утверждения нового», — в которых плоскостной супрематизм переходил в архитектуру. Лисицкий назвал их «пересадочной станцией от живописи к архитектуре». Помимо архитектурных проектов (например, проекта горизонтальных небоскребов), художник занимался фотомонтажом и дизайном.

Лев Юдин учился живописи у супрематиста Казимира Малевича, однако основным направлением своего творчества выбрал кубизм. Помимо живописи, Юдин увлекался графикой и создавал миниатюрные бумажные скульптуры. Лев Юдин работал иллюстратором в журналах «Чиж» и «Ёж» — лучших детских изданиях того времени — и оформлял книги поэтов-обэриутов, например Хармса. Он предвосхитил появление концептуальной постановочной фотографии: в 1930-х годах художник создал серию абстрактных скульптур из бумаги и запечатлел их при особом освещении.

Георгий Якулов известен как театральный художник и теоретик искусства, автор «Теории разноцветных солнц», которая объясняла как солнечный свет в разных странах влиял на происхождение разных стилей в искусстве. Цвет он считал отдельным самостоятельным элементом, который сам создает художественный образ. Якулов также работал в театре — например, оформлял знаменитые балеты Дягилева.