Павел Милюков, Филипп Копачевский, «Русская филармония»

Филипп Копачевский

Лауреат международных конкурсов, молодой пианист Филипп Копачевский уже снискал любовь и признание публики. Его концерты регулярно проходят в Великобритании, Германии, США, Нидерландах, Франции, Италии, Греции, Польше, Испании и во многих городах России. Особую популярность Ф. Копачевский приобрел в Японии, где специально по заказу телекомпании NHK он записал диск с фортепианными произведениями Шопена. «Игра молодого пианиста несет в себе ощутимый личностный посыл. Органичный сплав мастерства и духовной зрелости вкупе с непосредственной эмоциональностью, свобода, с которой пианист высказывается, его романтическая искренность и благородство подкупают с первых же нот… С первых звуков, сыгранных им, ощущаешь мощную лирическую индивидуальность пианиста. Его рояль поет — это очень редкое сегодня качество, характерное для романтического мироощущения; он сохраняет в игре ясность, его фраза красива и пластична…», — так пишут о пианисте музыкальные критики.

Филипп Копачевский родился в 1990 году в Москве. Окончил Центральную музыкальную школу при Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского, Московскую консерваторию и аспирантуру (класс профессора С. Л. Доренского).

Филипп Копачевский — лауреат восьми престижных международных конкурсов, в том числе Х Международного конкурса пианистов имени Ф. Шуберта (Германия).
Музыкант выступал с Государственным симфоническим оркестром России имени Е.Ф. Светланова, Симфоническим оркестром Мариинского театра, Большим симфоническим оркестром имени П.И. Чайковского, Российским национальным оркестром, Национальным филармоническим оркестром России, Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия», Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии, Академическим симфоническим оркестром Санкт-Петербургской филармонии, Симфоническим оркестром Московского театра «Новая Опера» имени Е.В. Колобова, Английским камерным оркестром и другими знаменитыми коллективами. Сотрудничал с известными дирижерами, среди которых Мстислав Ростропович, Евгений Колобов, Владимир Спиваков, Михаил Плетнёв, Юрий Симонов, Александр Дмитриев, Эндрю Гурлей, Уильям Нолл, Бьярте Энгесет, Чарльз Оливьери-Монро, Евгений Бушков, Максим Венгеров, Пол Уоткинс.

Филипп Копачевский участвовал во многих международных фестивалях, в том числе имени А.Д. Сахарова (Нижний Новгород), памяти В. Лотар-Шевченко (Новосибирск), фирмы «Стейнвей», Фортепианном фестивале в Майами, Arts Naples World Festival (США), в Кольмаре (Франция), памяти М. Ростроповича (Баку), «Балтийские сезоны» (Калининград), «Владимир Спиваков приглашает», «Звезды на Байкале», Crescendo, «Денис Мацуев приглашает». Принимал участие в мировой премьере балета Without хореографа Бенджамина Мильпье на сцене Мариинского театра. Участник проекта «Звезды XXI века» Московской государственной академической филармонии.

В прошедшем сезоне состоялись концерты Филиппа Копачевского с Национальным филармоническим оркестром России (дирижер — Константин Хватынец), Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии (дирижер — Игорь Манашеров) и Московским государственным академическим симфоническим оркестром под управлением П. Когана (дирижер — Тао Линь) в Концертном зале имени П.И. Чайковского. На сцене Концертного зала имени С.В. Рахманинова «Филармония-2» Филипп исполнил все фортепианные концерты Чайковского в один вечер в сопровождении Государственного академического симфонического оркестра России имени Е.Ф. Светланова (дирижер — Станислав Кочановский), а также участвовал в исполнении Тройного концерта Бетховена с Иваном Почекиным и Борисом Андриановым (дирижер — Димитрис Ботинис). Выступал в Большом зале консерватории с Государственным симфоническим оркестром Республики Татарстан под управлением Александра Сладковского и Московском международном Доме музыки, где сыграл Двойной концерт Э. Шоссона со скрипачом Никитой Борисоглебским. Гастролировал в США, Италии, Австрии, Черногории, Литве, городах России — Санкт-Петербурге, Перми, Нижнем Новгороде, Белгороде, Севастополе, Анапе, Новороссийске, Кисловодске, Воронеже, Самаре, Астрахани, Уфе, Ижевске, Улан-Уде, Челябинске, Кургане, Рязани, Владимире, Калининграде, Владивостоке, Иркутске. Сотрудничал с Оркестром Sinfonia Varsovia, Филармоническим оркестром имени А. Тосканини, Академическим симфоническим оркестром Нижегородской филармонии, Академическим симфоническим оркестром имени В.И. Сафонова, Воронежским симфоническим оркестром, Белгородским симфоническим оркестром и другими коллективами. Принимал участие в фестивалях музыки Рахманинова в Хабаровске и Владивостоке и фестивале «Музыкальная экспедиция». Выступал в концертах камерной музыки с Еленой Ревич, Борисом Андриановым, Александром Раммом, Павлом Милюковым, Артуром Назиуллиным, Айленом Притчиным.

В новом сезоне концерты Филиппа Копачевского проходят во Франции, Швейцарии, Румынии, Италии и Австрии, а также в Вологде, Туле, Липецке, Оренбурге, Кемерово, Томске, Кургане, Ростове-на-Дону. В Большом зале консерватории в Москве состоится сольный концерт пианиста, кроме того он исполнит Второй концерт Шостаковича в сопровождении Большого симфонического оркестра имени П.И. Чайковского (дирижер — Сергей Поляничко).

Конрад ван Альфен

Конрад ван Альфен родился в 1963 году в Претории (ЮАР). В возрасте 26 лет переехал в Нидерланды, работал как контрабасист в Симфоническом оркестре Радио Хилверсюма и оркестре Академии имени Бетховена в Антверпене. Параллельно учился дирижированию у Эри Класа и Роберто Бенци.

В настоящее время Конрад ван Альфен — художественный руководитель и главный дирижер основанного им камерного оркестра SinfoniaRotterdam, с которым он выступает в лучших концертных залах страны, включая Консертгебау в Амстердаме, DeDoelen и Wereldmuseum в Роттердаме, гастролирует в Нидерландах, многих странах Европы, в России, Бразилии, Мексике, Колумбии и Чили.

В качестве приглашенного дирижера Конрад ван Альфен сотрудничает с другими нидерландскими коллективами, а также с оркестрами Великобритании, Германии, Бельгии, Дании, Болгарии, Словении, Польши, ЮАР, Китая, Канады, Мексики, Колумбии, в том числе с Филармоническим оркестром Брюсселя, Филармоническим оркестром Кейптауна и Симфоническим оркестром Монреаля.

Много работает с российскими коллективами. С 2005 по 2009 год занимал пост главного дирижера Государственного филармонического оркестра Кисловодска, был удостоен награды за вклад в искусство юга России от Министерства культуры. Постоянно сотрудничает с Российским национальным оркестром под руководством Михаила Плетнёва. Принимал участие в гастролях коллектива в Швейцарии, Италии, Китае и Южной Америке. Регулярно участвует в концертах Московской филармонии.

Конрад ван Альфен выступал со многими известными солистами, среди которых Михаил Плетнёв, Дэниел Хоуп, Жанин Янсен, Бенжамин Шмид, Рональд Бройтигам, Симоне Ламсма, Квирине Фиерзен, Никита Борисоглебский.

Дирижер осуществил большое количество записей, многие из которых были высоко оценены музыкальными критиками разных стран. Его диски вышли под лейблами Telarc (сочинения Грига, Дворжака и Элгара), ChannelClassics (Концерт «Мадригал» Родриго для двух гитар с оркестром), Raptus (реконструкция недавно обнаруженных сочинений Бетховена), TalentRecords (камерные симфонии Шостаковича), Cybele (сочинения Хартмана) и BrilliantClassics (концерты для фагота Вивальди, Дюпюи и Вила-Лобоса). Недавно Конрад ван Альфен принял участие в первой записи фортепианных концертов Фердинана Герольда с оркестром Западно-немецкого радио Кёльна (TalentRecords). Также вышли диски с записями концертных выступлений дирижера (исполнение Пятой симфонии Л. ван Бетховена на фестивале в Бонне и Ленинградской симфонии Шостаковича в России).

Морис Равель

Жозеф Морис Равель (7 марта 1875 — 28 декабря 1937) — французский композитор-импрессионист, дирижер, один из реформаторов музыки XX века.

Морис Равель родился 7 марта 1875 года в городе Сибур на юге Франции (ныне департамент Атлантические Пиренеи). В 1882 году начал заниматься фортепиано у Анри Гиза, с 1887 года занимался гармонией у Шарля Рене. Город Сибур находился на самой границе с Испанией, где в это время служил его отец инженер-путеец, страстный любитель музыки, прививший эту любовь своему сыну.

В 1889 году Равель поступил в Парижскую консерваторию, которую закончил по классу фортепиано. Молодому музыканту очень много помогал его учитель Шарль де Берио, известный пианист того времени. Однако интерес к импровизации, созданию композиции появился у Равеля после знакомства с творчеством «подпольного» родоначальника музыкального импрессионизма и просто экстравагантного композитора Эрика Сати, а также личной встречи с другим композитором и пианистом Рикардо Виньесом. Именно после этого у Мориса появилась страсть к сочинительству. Спустя двадцать и тридцать лет, несмотря на сложные личные отношения, Равель неоднократно подчеркивал, сколь многим в своем творчестве он обязан Сати и называл его не иначе, как своим «Предтечей» (или Прекурсором).

На последнем году обучения он попал в класс к крупному французскому композитору Габриэлю Форе. По его инициативе Равель сочинил цикл произведений на испанские мелодии — «Хабанеру», «Павана на смерть инфанты», «Античный менуэт». После окончания консерватории за период 1900–1914 гг он пишет множество сочинений.

Когда слушаешь музыку этого композитора, то создается впечатление, будто наблюдаешь за работой художника создающего свое полотно. Однако, как и у большинства новаторов, творчество Мориса Равеля некоторое время не было признано в профессиональных академических кругах. Так, Морис Равель целых три раза подряд участвовал в конкурсе на получение Римской Премии: в 1901, 1902 и 1903 году. Первый раз он проиграл состязание Андре Капле (получив так называемую «Малую римскую премию»), второй раз — ученику профессора Шарля Леневе со знаменитым композиторским именем Эме Кунцу, и наконец, в третий раз его затмевает великий композитор по имени Рауль Лапарра, также ученик Леневе… В 1904 году Равель уже сознательно воздерживается от участия в конкурсе, чтобы собраться с силами для последней попытки. Это был последний возможный для него год, поскольку в дальнейшем он уже не мог претендовать на соискание премии ввиду того, что приближался к установленному для участников конкурса предельному возрасту — тридцати годам. Наконец, в 1905 году Морис Равель, уже широко исполняемый и известный в Париже музыкант-новатор (по совету симпатизировавшего ему Габриэля Форе) в последний раз просит допустить его к участию в конкурсе.

И вот, в результате этого, четвертого и последнего выдвижения разразилось так называемое «скандальное дело Равеля», немало укрепившее славу молодого музыканта и одновременно, покрывшее исторической позолотой французских академиков от музыки… В ответ на свою заявку Морис Равель получает уклончивый официальный отказ в допущении к конкурсу с формальной ссылкой на возрастные ограничения (которые к тому моменту еще не наступили). Таким образом, Морис Равель не смог поставить свой возрастной рекорд получения Римской Премии (и стать «самым старым» лауреатом, в противовес члену жюри и самому молодому лауреату Эмилю Паладилю). Равель не стал самым старшим (или старым) лауреатом Римской Премии. Однако истинная причина недопущения его к конкурсу лежала, разумеется, не в возрасте, а в раздражении членов жюри его «разрушительной, антимузыкальной» деятельностью, вернее говоря, импрессионистской эстетикой его ярких произведений, к тому времени уже пользовавшихся известностью (к примеру, уже много раз была исполнена его знаменитая «Игра воды»).[1] Комментируя решение жюри, маститый академик Эмиль Паладиль ворчал: «Мсье Равель волен считать нас бездарными рутинерами, но пусть не думает, что нас можно принимать за дураков…» Это решение Музыкального совета Академии искусств, в состав которого входили композиторы Ксавье Леру, Жюль Массне, Эмиль Паладиль, Эрнест Рейер, Шарль Леневе и директор консерватории Теодор Дюбуа, вызвало целую бурю негодования и протестов как среди музыкантов, так и около-музыкальной печати. Скандал приобрел особенно острый, «антикоррупционный» характер, когда кроме всего прочего выяснилось, что абсолютно все кандидаты на Большую Римскую Премию, допущенные к конкурсу 1905 года — являлись учениками одного и того же профессора — Шарля Леневе.

«Беспрецедентный цинизм жюри!», «Позорное решение пристрастных судей!» — примерно под такими заголовками большинство парижских газет напечатало возмущенные отклики композиторов, писателей, художников и просто любителей музыки. Сам Равель, впрочем, воспринял решение академиков внешне спокойно и почти не высказывался по этому поводу. Но известный музыкальный критик Жан Марнольд, все симпатии которого находились в сфере постепенно набирающего силу импрессионизма, выступил с разгромной статьей, кончавшейся следующей гневной тирадой.

Набор трех фамилий, названных Жаном Марнольдом по существу не был случайным, но представлял собой собрание трех символов: «Академия, Консерватория и Профессура» — вечно противостоящих всему новому и живому в искусстве. Скандал получил настолько широкий общественный резонанс, что содействовал не только резкому повышению авторитета и популярности самого Мориса Равеля, но и некоторому обновлению музыкальной жизни Парижа. В результате — многолетний директор консерватории, консерватор и ретроград Теодор Дюбуа был вынужден уйти со своего поста. На его место был назначен Габриэль Форе. Этим было положено начало нового времени в парижской консерватории, несколько освежившей затхлую атмосферу этого учреждения и одновременно встряхнувшей музыкальную жизнь Парижа.

Весной 1905 года, после «скандального дела Равеля» в жизни композитора прошла строгая черта. Равель окончательно порвал с консерваторией и академическими кругами. Не допущенный к конкурсу, он, тем не менее, вышел победителем в глазах всего музыкального и интеллектуального общества. К нему приковано всеобщее внимание, его известность возрастает буквально с каждым днем, его сочинения издаются нарасхват, исполняются в концертах, о нем говорят и спорят. Впервые Равель становится вторым лидером музыкального импрессионизма и выходит на одну высоту с Клодом Дебюсси, композитором, которого он прежде всегда уважал.

В первый же месяц войны с Германией Морис Равель попал в число мобилизуемых в действующую армию. Однако, несмотря на хорошее состояние здоровья, медицинская комиссия не приняла его ни в один род войск. Причиной тому был слишком маленький рост Равеля, не подходивший ни под один из армейских стандартов, и, как следствие, явно недостаточный для солдата вес тела. В течение трех месяцев Равель, используя все свои связи, упорно добивался, чтобы его все же приняли в действующую армию. В конце концов, в октябре 1914 года он добился своего и был принят добровольцем в автомобильный дивизион, где и прослужил шофером грузовика чуть более трех лет, сначала при инфантерии, а потом при авиационном полку. В начале 1918 года, совершенно подорвав на службе свое здоровье, он был комиссован по болезни. Патриотический порыв Равеля уже после войны не раз служил предметом для ехидных подтруниваний его вечного «учителя» и соперника, Эрика Сати, поскольку оба они, и Равель, и Сати относились к государству чрезвычайно недоверчиво и скептически.

После войны в музыке Равеля стало преобладать эмоциональное начало. Поэтому от сочинения опер он переходит к созданию инструментальных пьес и пишет сюиту «Гробница Куперена». Примерно в это же время Морис Равель знакомится со знаменитым русским продюсером и постановщиком С. Дягилевым, ставящим в Париже «Русские сезоны». Специально по его заказу ставится балет на музыку Равеля «Дафнис и Хлоя», в главной партии — В. Нижинский — великий русский танцовщик. Затем будет поставлен еще один балет, «Вальс». Сочинение после премьеры стало использоваться как отдельное произведение. Наступает время рассвета славы Мориса Равеля.

Однако популярность и известность гнетут композитора, и он переезжает из Парижа в местечко Монфор-Ламори, что в принципе не означает отказ от дальнейшей музыкальной деятельности.

Равель много гастролирует: выступает с турами в Италии, Голландии и Англии. И всюду его встречал восторженный прием благодарных почитателей. По заказу русского дирижера С. Кусевицкого Равель выполняет оркестровку «Картинок с выставки» М.П. Мусоргского. Все это происходит во время работы Мориса над самым известным его произведением «Болеро». В нем композитор пытался соединить классические традиции с ритмами испанской музыки. Замысел этого произведения принадлежит знаменитой балерине Иде Рубинштейн.

Сорасположенность частей, их строгая последовательность в развитии главной темы позволили передать танцевальную стихию испанской музыки. Знаменитая русская балерина Анна Павлова включила «Болеро» в свой репертуар. В 1925 году М. Равель завершил работу над новаторским произведением «Дитя и чудеса (волшебство)». Оно было названо оперой-балетом. Наряду с традиционными инструментами впервые прозвучал, при исполнении этого произведения, инструмент композитора — элиофон, искусно имитирующий порывы ветра.

В 1932 году Равель вновь совершает турне по Европе вместе с выдающейся пианисткой Маргаритой Лонг. В это же время он начинает работы над новым произведением — балетом «Жанна д’Арк». Однако попадает в автомобильную катастрофу, и работа прекращается. Начиная с 1933 года Равель страдал от серьезного неврологического заболевания, ставшего, возможно, последствием черепно-мозговой травмы, которую он получил в автокатастрофе. Последним произведением тяжело больного композитора были «Три песни» к первому звуковому фильму «Дон Кихот». Они были написаны для русского певца Ф.И. Шаляпина.

Композитор умер 28 декабря 1937 года в Париже после неудачно проведенной операции на головном мозге, предпринятой с целью лечения афазии. Похоронен на кладбище парижского пригорода Леваллуа-Перре.

Эрнест Шоссон

Эрнест Амеде Шоссон — французский композитор. Родился 20 января 1855 в Париже. По настоянию отца изучал юриспруденцию в Парижском университете. Диплом, полученный в 1877, принял равнодушно, полагая, что его призвание — литература, искусство и музыка. К музыке обратился под влиянием своей близкой подруги, госпожи де Рессак, но особую роль в его выборе сыграли оперы Вагнера, которые он слушал в Мюнхене. В 1879 Шоссон поступил в Парижскую консерваторию, где занимался вначале у Ж.Массне, а затем у С. Франка, став его учеником. Защищая права молодых музыкантов, стал секретарем (наряду с В. д’Энди) Национального музыкального общества и поддержал К.Дебюсси (впоследствии близкого друга) на его тернистом пути к триумфу. Шоссон объездил Европу от Чехословакии до Испании, но был особенно привязан к итальянскому городку Фьезоле, где часто отдыхал, и Брюсселю, который всегда оказывал его музыке более теплый прием, чем родной Париж. Умер Шоссон в Лиме (департамент Сены и Уазы) 10 июня 1899 от ушибов, полученных при падении с велосипеда. Наиболее известные сочинения композитора — симфония си-бемоль мажор, op. 20 (1889-1890) и поэма (Pome) для скрипки с оркестром, ор. 25 (1896). Среди произведений, которые исполняются реже, — трио соль минор, ор. 3 (1881), симфоническая поэма Вивиана (Viviane), ор. 5 (1882), Поэма любви и моря (Pome de l'amour et de la mer) для голоса с оркестром, ор. 19 (1882-1892), камерное сочинение концерт (Concert) ре мажор, ор. 21 (1889-1891), музыка к Легенде о святой Цецилии (La Lgende de Sainte Ccile), ор. 22 (1892), квартет ля мажор, ор. 30 (1897), сочинение для оркестра Праздничный вечер (Soir de fte), ор. 32 (1898), незаконченный струнный квартет до минор, ор. 35 (1899) и многочисленные песни (Mlodies). Единственная опубликованная опера Шоссона Король Артюс (Le Roi Arthus), ор. 23 (1866-1895), несмотря на свои несомненные достоинства, не исполняется (единственная постановка в 1903 в Брюсселе). Шоссон способствовал развитию французской песни, добиваясь полного слияния голоса, поэтического текста и инструментального сопровождения. В своем творчестве он был не новатором, а завершителем, доводящим до совершенства дело своих предшественников, он избегал крайностей и эмоциональных всплесков, отдавая предпочтение глубокому лиризму, изысканности выражения и отточенной форме. Его музыка занимает особое место между драматическим, проникнутым мистикой романтизмом Вагнера и Франка и «воздушным» импрессионизмом Дебюсси.

Пабло Сарасате

В своей книге «Мир композитора» немецкий композитор ХХ века Пауль Хиндемит сказал: «Проклятие виртуозности в том, что она не может породить ничего, кроме виртуозности»; предрек, что увлечение виртуозностью обязательно приведет мир к музыкальному безумию, а в завершение тирады уподобил виртуозность наркотикам.

В XIX веке был, по крайней мере, один музыкант, который непременно возразил бы, что в виртуозности не может быть ничего дурного. Это был испанский скрипач Пабло Сарасате, пребывавший в полной уверенности, что исключительно для них, виртуозов, и существует музыка, а оркестровые tutti служат лишь для их отдыха. Он говорил: «Оставьте меня в покое с вашими симфоническими произведениями, к которым, вы, конечно, относите и Скрипичный концерт Брамса. Я не отрицаю — это прекрасная музыка. Но считаете ли вы меня настолько лишенным вкуса, чтобы я, выйдя на эстраду со скрипкой в руках, стоял и слушал, как в Adagio гобой играет публике единственную мелодию этого произведения?»

Карьера Пабло Сарасате (настоящее имя — Мартин Мелитон Сарасате и Наваскуэс) была воистину головокружительной. Он за год окончил с отличием Парижскую консерваторию, мгновенно добился популярности, много гастролировал, в рядах его поклонников были выдающиеся фигуры. Сам Изаи признавал: «Сарасате научил нас чисто играть на скрипке». Любимец публики, Сарасате первым из скрипачей стал записываться на грампластинки. В расчете на его исполнительский стиль были созданы новые произведения Сен-Санса, Лало, Бруха и др. Большой знаток скрипичного искусства, музыковед Израиль Ямпольский назвал Сарасате «колоратурным сопрано» среди великих скрипачей ХIХ века». «Тон Сарасате нельзя было назвать ни сильным, ни глубоко трогающим; он чаровал мягкостью и серебристостью тембра, — пишет Ямпольский. — Тающие piаnissimo, выразительные ферматы, стремление к постоянному закруглению фраз органически сочетались с бисерной техникой, воздушностью летучих штрихов, изумительной по своей выдержке «соловьиной» трелью. Публика, словно завороженная, внимала блестящему каскаду звуков этого «мага» и «чародея» скрипки, не замечая, что Сарасате в 9-10 минут «пробегал» Чакону Баха, а Концерт Бетховена интерпретировал в манере колоратурных «звезд».

Но если восхищение Сарасате-исполнителем было всеобщим и безоговорочным, то с признанием его как композитора дело обстояло иначе. Его сочинения, в сущности, отвечавшие его собственным потребностям концертанта, подчас не воспринимались всерьез. Иные и теперь полагают, что как автор Сарасате крайне мало привнес в музыкальное искусство, поскольку пресловутый «виртуозный элемент» преобладал-таки над его инстинктом композитора. Однако же его опусы повлияли на испанских композиторов следующего поколения — И. Альбениса, Э. Гранадоса, М. де Фалью. Они по-прежнему любимы и исполнителями, и публикой.

Симфонический оркестр Москвы «Русская филармония»

Симфонический оркестр Москвы «Русская филармония» был учрежден Правительством Москвы в 2000 году. С 2001 года по назначению Департамента культуры города Москвы директором оркестра является инициатор его создания Гаянэ Шиладжян. Пост главного дирижера оркестра занимали Александр Ведерников, Юрий Кочнев, Максим Федотов. С 2011 года главным дирижером Симфонического оркестра Москвы «Русская филармония» является Дмитрий Юровский.

Сегодня Симфонический оркестр Москвы «Русская филармония» — один из лучших и наиболее востребованных оркестров России, с огромным успехом выступающий в крупнейших концертных залах на родине и за рубежом. Концертной, репетиционной и административной базой Симфонического оркестра Москвы «Русская филармония» является Московский международный Дом музыки. «Русская филармония» работает как самостоятельная концертная и продюсерская организация всех своих мероприятий, ежегодно проводя более 100 выступлений (в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени П.И. Чайковского, Государственном Кремлевском Дворце, Крокус Сити Холле, Светлановском зале ММДМ).

За 16 лет единственный большой симфонический оркестр Правительства Москвы заслуженно завоевал любовь москвичей, россиян и стал известным музыкальным брендом. Это единственный оркестр, который одинаково успешно и высокопрофессионально исполняет музыку различных стилей и жанров от классики до рока. Критики отмечают особую сильную энергетику концертов, не оставляющую равнодушными никого из многотысячных слушателей всех возрастов.

В репертуаре оркестра — русская и зарубежная классика, сочинения современных композиторов, произведения различных жанров. Коллектив не боится экспериментов, при этом никогда не искажая глубинной сущности исполняемых произведений и ставя во главу угла исключительное качество. «Русская филармония» осуществляет масштабные инновационные проекты. Наиболее успешным из них является кантата «Кармина Бурана» К. Орфа с проекциями слайдов и видеопроекциями шедевров Боттичелли, Микеланджело, Босха, Брейгеля, Рафаэля, Дюрера, которые во время концерта заполняют все пространство зрительного зала. Также с использованием новейших светопроекционных технологий были осуществлены проекты: цикл для детей «Сказка в русской музыке» («Сказка о царе Салтане», «Золотой петушок» и «Конек-Горбунок») с участием артистов театра и кино; концертное исполнение оперы «Аида» Дж. Верди с погружением в атмосферу Древнего Египта. К своему 15-летию в марте 2016 года оркестр провел Фестиваль, в рамках которого был представлен новый проект: «Весна священная» И. Стравинского и «Шехеразада» Н. Римского-Корсакова с проекциями восстановленных эскизов Н. Рериха и Л. Бакста.

С оркестром сотрудничают знаменитые исполнители: Р. Аланья, П. Бурчуладзе, Р. Виллазон, М. Кабалье, Кири Те Канава, Х. Каррерас, Х. Кура, Д. Хворостовский, М. Венгеров, С. Крылов, В. Репин, Б. Березовский, Н. Луганский, Д. Мацуев и многие другие. Ряд совместных проектов осуществлен с участием звезд российский эстрады, в числе которых Л. Долина, Т. Гвердцители, Н. Басков.

Симфонический оркестр Москвы «Русская филармония» ведет разностороннюю просветительскую деятельность, активно развивает отечественную музыкальную культуру. Одним из новых направлений деятельности оркестра «Русская филармония» является организация и проведение “Live cinema concert”, где звучит сопровождение к знаменитым фильмам — «Метрополис», «Гладиатор», «Пираты Карибского моря», «Крестный отец», «Властелин колец».

На открытии III Международного фестиваля Мстислава Ростроповича оркестр принял участие в исполнении оперы Д. Шостаковича «Леди Макбет Мценского уезда».

Ежегодно при поддержке Правительства Москвы «Русская филармония» проводит два фестиваля. В конце июня — Фестиваль классического музыкального искусства в Царицыно. Во всех залах Большого дворца, а также на Дворцовой площади звучит классическая, народная и рок-музыка в исполнении российских и зарубежных звезд. Традиционная кульминация фестиваля — грандиозный Гала-концерт на Дворцовой площади, который по данным Департамента культуры города Москвы посещает более 50 000 человек. Формат open air и бесплатный вход служат популяризации музыкального искусства у всех категорий слушателей. В конце декабря оркестр проводит Московский фестиваль классической музыки Christmas-fest в ММДМ, который ежегодно посещает более 15 000 зрителей. Программы фестиваля разнообразны — помимо симфонической, камерной и хоровой, представлена джазовая музыка, проходят детские балетные спектакли, а также органные вечера.

Симфонический оркестр Москвы «Русская филармония» выступал в лучших залах Австрии, Германии, Франции, Чехии, Словакии, Болгарии, Турции, Японии, Омана, Тайваня. В сезоне 2012/13 оркестр открыл Европейский музыкальный фестиваль в Софии (Болгария), а также с огромным успехом дебютировал на Брукнеровском фестивале в Линце (Австрия). В сентябре 2013 года с большим успехом прошли концерты во Франции: в Лионе, на Международном музыкальном фестивале в Безансоне. В 2014 году состоялось дебютное выступление оркестра в Лондоне в Royal Festival Hall в рамках перекрестного года культуры России и Великобритании; также коллектив принял участие в закрытии Международного фестиваля классической музыки Д-Марин Тургутрейтс в Бодруме (Турция). В сентябре 2015 года музыканты выступили на Брукнеровском фестивале в Линце и на Международном музыкальном фестивале в Братиславе.

Оркестр удостоен благодарности Министра культуры Российской Федерации Владимира Мединского за активное участие в подготовке и проведении Всероссийского музыкального конкурса (2012); а также Благодарности главы Администрации Президента РФ Сергея Иванова за активную деятельность в подготовке и проведении мероприятий, посвященных празднованию 70-летия Победы в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.